La última muestra es “Más allá de la vida”, basada en un guión de Peter Morgan y con producción y música del propio Eastwood (qué no sabrá hacer este señor). Ya en otro títulos de su filmografía, había tocado Eastwood el tema de la muerte (la más clara, Million Dollar Baby, pero también presente como trauma en Mistic River o Cartas de Iwo Jima), pero nunca con tanta amplitud de miras y profundidad como en esta ocasión. Y es que aquí, Eastwood teje una historia tricéfala que se desarrolla paralelamente para aunarlas en un determinado momento de la película. Así, cada espectador tendrá su rincón favorito (y también el menos favorito) sobre la relación del ser humano con la muerte, un tema que afecta profundamente a la sociedad occidental.

Tres historias de indudable interés por su profundidad y por los dilemas de los personajes, la de un hombre (un bien caracterizado Matt Damon, más gordo y canoso que de costumbre) que sufre el poder de relacionarse con personas desaparecidas más allá de la vida, la de una superviviente a un tsunami que estuvo unos segundos muerta y la de un niño que pierde a su hermano mellizo en un accidente. Desde este espectro, a Eastwood le da para desarrollar una tesis sobre la vida y el más allá a través de sus múltiples personajes (hay unos cuantos secundarios de indudable mérito), pero como en tantas otras obras, le sirve de igual manera para hablar de la vida y de las motivaciones del ser humano para seguir adelante. Es lo de siempre, la vida no tiene sentido sin la muerte, la muerte no tiene sentido sin la vida, pero desde una óptica personal que casi siempre, muestra pero no enseña, diversifica e intenta no mojarse (con algún desliz, eso sí).

La película, para lograr impulsar la trama, se apoya en hechos acontecidos realmente (el atentado del metro de Londres o los Tsunamis de las islas tropicales), y eso le da otra dimensión a las historias, humanas, pero recogidas en un mundo cuya globalidad afecta desde el niño que no tiene como desplazarse hasta la rica presentadora de la televisión francesa. También tiene repartidos lugares tópicos y momentos de gran cine, digamos que una cosa se compensa con la otra y que en términos generales, es una cinta lineal.

En fin, Eastwood sigue alimentando su condición de leyenda viva dentro del cine con proyectos comprometidos, arriesgados, excepcionalmente narrados y que pueden gustar o no (esta película puede ser tachada de lenta, previsible y levemente moralista, por ejemplo), pero siempre te dan qué pensar. Quién quiera quedarse con su estereotipo de tipo duro, que se quede, yo me declaro fan del viejo Eastwood, ojalá nos dure muchos años.

PD: Dos detalles, fijaros en la primera escena, espectacular pese a notarse mucho el ordenador, y es que, si luego sirve para la trama, el espectador lo perdona. Y otro, atentos al “humor Eastwood” en varios detalles de la película, ¿alguien se atreve a decir cuando aparecen?

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Pero en cualquier caso “Balada triste de trompeta” pertenece a su carrera y no a la de todos, y lo cierto es que ha resultado una película tan inclasificable como adjetivable. En los análisis leerán de todo: no se corten, formulen su propia opinión yendo al cine a ver la cinta. Desde mi punto de vista, ese es el primer handicap, verla en el cine con su incesante derroche de imágenes (desde los créditos hasta el final, no hay desperdicio) es fundamental. Para introducirse en el aceleradísimo tren que propone el autor, hay que escoger los mejores asientos.

Luego, la historia de personajes es tan imprevisible como simbólica, y merece sin duda, no ser tomada en serio. Los personajes muestran y desafían la realidad con un desarrollo histriónico, imprevisible, exacerbado e impactante. Son marionetas a merced de un director de circo (nunca mejor dicho) que pretende transgredir y sacudir la conciencia del espectador aunque sea a partir de lo inverosimil. Para ello teje un triángulo amoroso repleto de horror y obsesión dentro de un retrato coral en un circo que funciona después de la época de franco. El Payaso Triste Javier, es un niño traumatizado por la guerra y el infortunio de perder a sus padres, que se enamora de la misma mujer que está enamorado el Payaso Feliz Sergio, interpretado magistralmente por Antonio de la Torre, que de feliz no tiene nada, pues es un indeseable que se entrega al alcohol y pega a diario a Natalia, el otro vértice del triángulo (tanto Javier Aceres como Natalia Bang resultan creíbles).

La acertadísima ambientación del director combina el mundo del circo y sus símbolos con la realidad más cruel y descarnada de la guerra y posguerra española (el Valle de los Caídos, el atentado que acaba con la vida de Carrero Blanco).También el uso de los efectos, los guiños al cine (King Kong) y la trama que se desarrolla cruzando los acontecimientos más importantes de la reciente historia de España convierte la función en el decorado perfecto para el director.

Un acierto casi todo lo que rodea a la película; montaje, escenarios, simbología, personajes, etc. Pero en lo fundamental, creo que Alex de la Iglesia opta por lo exagerado mostrando muchas virtudes que no se concretan a través de una trama bien cerrada y un desarrollo lógico y acertado. Creo que lo grotesco, lo desconcertante y lo ruidoso pasa a un primer plano tapando lo que pudo ser, y no ha sido, una gran historia de personajes. Aquí hay que medirlo todo desde la exageración y la verosimilitud brilla por su ausencia, supongo que porque a personajes tan cegados por el miedo, la venganza y la ira no se les puede pedir mucha coherencia.

Así, el triángulo de actores principales están inmensos dentro de un desarrollo tan exigente, pasional y desenfrenado. Mucho de los restantes personajes del circo están mal enquistados o resultan sencillamente prescindibles. Y es que, aunque como ya mostró en “El día de la Bestia”, dentro de lo absurdo, desproporcionado y grotesco, Alex de la Iglesia se mueva como pez en el agua, uno esperaba a la segunda ocasión que asciende a lo más alto (esto es literal, me refiero a la película), mayor mano izquierda y una conjunción perfecta y armoniosa de lo que tenía todas las condiciones para ser la película de referencia del autor y del cine español de los últimos tiempos. Se queda, a mi entender, en un espectáculo visual y de artificios que impacta y remueve al espectador, pero que no lo emociona en el sentido del cine clásico, a través de la historia de sus personajes. Todo peca de grandilocuencia.

No obstante, es una muestra de la personalidad del autor, un hombre que reniega del estatismo y que no contenta al gran público, sino que se ha labrado una carrera notable haciendo cada momento lo que le ha dado la gana. Si su universo es así, pues bienvenido sea. Lo que es seguro es que algo te remueve en la barriga, para bien o para mal. Y supongo que, en el fondo, esto es lo que debe seguir haciendo.

Media tebeosfera ha estado pendiente de la adaptación televisiva de The Walking Dead (Los Muertos Vivientes aquí en España) realizada por el director Frank Darabont, uno de los grandes talentos de Hollywood (Cadena Perpétua, La Milla Verde, La Niebla) que ha apostado fuerte por el material de Kirkman, Moore y Adlard. Y la verdad, podemos estar ante una de esas series que quedan para el recuerdo. Ya he podido ver el primer episodio, emitido en España por la Fox, y las sensaciones producidas no pueden ser más esperanzadoras. Darabont ha creado un ambiente tenso, con una fría luminosidad que deja helado y ha marcado muy bien los tiempos, tanto como para pensar que hasta llegar al actual momento del comic quedan al menos dos temporadas. ¿Sobrevivirá en pantalla? No me cabe la menor duda, porque las críticas recibidas allá en EEUU y aquí en España han sido excelentes (y una crítica favorable da un respaldo tremendo) y el material (los zombies) es suficientemente atractivo como para enganchar al gran público. De hecho, la audiencia americana se volcó el día de su estratégico estreno en Halloween en la AMC.

El episodio piloto ha sabido captar la incertidumbre de su versión en comic; ese comienzo tan Silent Hill, tan siniestro y desconcertante, el misterioso devenir de Rick, el torpe deambular de los “errantes”. A su vez, ha conseguido tener una personalidad televisiva propia. Parece pues, una serie de autor con la personalidad y solidez de su director Frank Darabont, que logicamente delegará sus funciones a otros directores (Michelle MacLaren o Ernest Dickerson entre otros).

Tras este píloto, que parece un mero ejercicio de suspense, vendrá lo mejor. Encontraremos una profunda reflexión de nuestra sociedad, presenciaremos un viaje hacia el pasado, hasta la naturaleza más precaria del ser humano, momento en el que todas las leyes volverán a su estado más primitivo. Paralelismos con A Ciegas, la versión de Fernando Meirelles de Ensayo Sobre La Ceguera o con el clásico por excelencia del género, La Noche De Los Muertos Vivientes, de George A. Romero, influencias evidentes de Robert Kirkman.

La primera entrega de The Walking Dead nos deja con ganas de más, esperanzados, con la certeza de que este gran material se convertirá en el producto revelación de la temporada. Tiempo al tiempo.

Hace poco reseñábamos Generation Kill, la serie sobre la Guerra de Iraq realizada por la dupla David Simon y Ed Burns basada en los artículos del periodista de la Rolling Stone Evan Wright. En ella, descubrimos un razonable discurso antibelicista que profundizaba en las motivaciones de los soldados americanos por estar allí presentes y en su indignación final, reflejada en ese memorable epílogo que cerraba la serie en su séptimo episodio.

En The Hurt Locker (En Tierra Hostil), Kathryn Bigelow también hace uso de los relatos de un periodista, Mark Boal, pero ella elude el mensaje ético-político, y relata las andanzas de un grupo de artificieros en la guerra de Irak, preocupada principalmente en contar la historia con tensión e intriga y hacer veraz ese Iraq tramposo y adverso que deben controlar los militares americanos. En este sentido, en lo concreto de su propuesta, la directora californiana da en el clavo y tan sólo muestra indicios morales al denunciar el uso de los niños en la contienda. Por lo demás, nos encontramos ante una solvente cinta de acción contextualizada en el desasosegante y temible laberinto urbano de Bagdad. Y ese es otro de los aciertos de esta película, como gracias a una inquietante recreación de las ciudades iraquíes (edificios derruidos y resquebrajados, aridez, escombros, trampas mortales…) y un indudable talento narrativo, Bigelow involucra al espectador obligándolo a mantenerse alerta en un notable ejercicio de cine de acción. Sin embargo, su estructura formal a modo de pequeños episodios, le resta fuerza al relato, con un resultado final no exento de altibajos.

No será la de Bigelow la película definitiva sobre la Guerra de Iraq, pues sobre este episodio de la historia reciente queda mucha tela que cortar, pero si una digna ganadora del Oscar (mucho mejor que su antecesora, la sobrevaloradísima Slumdog Millionaire) que, sin duda, servirá para reivindicar el talento de su directora, descartando para siempre la absurda teoría de la discriminación positiva. En The Hurt Locker no hay favoritismos, sino trabajo bien hecho.

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- The Hurt Locker en V.S.O

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Los Panters de Dillon son historia para el entrenador Taylor. Una vez cesado por la junta directiva, se hace cargo de un equipo que debe de renacer de sus cenizas partiendo de cero. El nuevo conjunto, los Lions de Dillon, se ubican al este de la ciudad y no dispone ni de jugadores con experiencia ni de campo de juego. Su reconstrucción será la premisa de la que parte Friday Night Lights en su cuarta (¿y penúltima?) temporada.

Taylor tiene la difícil misión de formar a un grupo de inexpertos jugadores procedentes de los barrios marginales de la ciudad, educarlos y armar un equipo capaz de ganar algún partido. Pero no se acaban ahí sus problemas, pues su mujer, directora del colegio de los Panters (su antiguo equipo), se verá pronto en la encrucijada de soportar críticas que la acusan de actuar por el bien de su marido. Su hija Julie deberá elegir su destino, ¿universidad o la cárcel que aparenta ser Dillon?. Mientras, Matt Saracen, alejado de los campos de football, explorará su faceta artística y tendrá que hacer frente a inconvenientes muy serios que pondrá en tela de juicio su escala de prioridades. Otros personajes como la familia Riggins y Landry Clarke continúan estando entre los protagonistas de un reparto que sabe reciclarse con medio elenco nuevo. De este modo, la presentación de sus nuevos personajes, algo forzadas, será la tónica de los primeros episodios de una cuarta temporada que irá creciendo poco a poco hasta tener varios capítulos antológicos. No será la mejor sesión, pero deja momentos emocionantes. Escenas que demuestran que la serie ha sabido renovarse y madurar, pues aunque el matiz teenager sigue latente, las cuestiones planteadas son definitivamente más adultas, coqueteando con el existencialismo adolescente y abordando la complejidad de las relaciones institucionales y otras temáticas ya clásicas como el racismo, las costumbres americanas o el arraigo paternofilial.

En definitiva, un paso hacia delante de una serie que en España no ha calado por motivos varios; su marcado acento americano, el poco disimulado carácter teenager y el protagonismo de un deporte que no se practica en nuestro país como es el fútbol americano. Lastres demasiado grandes como para hacerse un hueco entre una audiencia tentada con infinitas posibilidades televisivas. Aún así, y para los que no se hayan decidido, linkeo estas nueve razones para ver Friday Night Lights. Todo sea porque cada vez seamos más los que apoyen las andanzas del entrenador Taylor y sus nuevos Lions de Dillon.

PD: Para los seguidores acerrimos, atentos a las sutiles referencias a personajes que han pasado por la serie porque están escondidas y son realmente curiosas.

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- Friday Night Lights, Cuarta Temporada HDTV

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David Simon y su inseparable Ed Burns, a los que recordamos por esa obra maestra llamada The Wire, concibieron en 2008 Generation Kill, un acercamiento a la Guerra de Iraq en clave de teleserie basado en el libro homónimo de Evan Wright, periodista de la Rolling Stone que estuvo infiltrado en uno de los batallones del ejército estadounidense. Con este material, y remitiéndonos al título de la serie, podríamos pensar en un producto puramente bélico enfocado al ardor de la batalla, en un espectáculo a base de disparos, fuego y explosiones. Sin embargo, Simon y Burns, que delegan con acierto en Sussana White, Simon Cellan Jones y Patrick Norris las labores de dirección, optan por un relato realista y fidedigno de lo acontecido en Iraq en aquel fatídico y absurdo 2003.

Nos introducimos, a modo de road movie, en el segundo pelotón de infantería de reconocimiento del cuerpo de marines de los EEUU. La idea de Simon era describir con detalle la operación ‘Libertad para Iraq’ desde el prisma de un pelotón, a pie de campo, con todo lo bueno y malo que ello conlleva. Lo malo es que la representación es tan veraz que a uno le da la sensación de estar en un documental o en uno de esos programas de reporteros tan multiplicados hoy en día. Así, los siete episodios carecen de ese sentido cinematográfico presente en otros títulos afines como Hermanos de Sangre o La Delgada Línea Roja. Ni rastro de pinceladas hollywoodienses, puro hiperrealismo bélico. Simon prefiere, como ya sucedía en The Wire, una narración pausada y detallista que, apoyada en una magistral escenificación de la contienda (la recreación llevada a cabo en Mozambique y Sudáfrica parece el mismo Iraq) traslada al espectador al asfixiante desierto iraquí con una notable veracidad.

El cuidadoso elenco protagonista, del que sobresalen Alexander Skarsgard en el papel del sargento Brad y James Ransone como el cabo Ray, otorga credibilidad a ese grupo de marines de guerra tan heterogéneo. Tenemos al clásico soldado descerebrado, patriota y racista, que ansia matar iraquíes, al reflexivo y corpulento sargento, a un chiflado y charlatán conductor o al estratega teniente coronel entre otros muchos. Se le critica a Simon su esmero por reproducir fielmente las relaciones entre estos marines, que a sus diálogos le sobran bromas sexuales y les falta argumento. No estoy de acuerdo. Simon es sutil, pues muestra más que lo que enseña, invita a conocer las inquietudes de sus protagonistas através de gestos, comentarios ocasionales o acciones. Pero lo que sí recalca es la indignación de estos al llegar a Bagdad, al comprobar lo absurdo de una guerra inventada por capricho de los gobernantes. Pero antes ya había sacudido las conciencias con el feroz realismo de la batalla. Porque Generation Kill no se autocensura y si tiene que mostrar a un niño cosido a balazos o un iraquí sin piernas, lo enseña sin pudor. Imágenes duras para trasladarnos al infierno de un páis sumido en el caos organizativo, donde resistentes, opositores y bandidos conviven con ciudadanos de a pie, inocentes sin más más incentivo que el de sobrevivir a la guerra.

Generation Kill capta con audacia el amargo sabor de un conflicto armado que ni descubrió armas de destrucción masiva, ni liberó plenamente al pueblo iraquí, ni trajo paz a oriente medio. En cambio, la primera gran guerra del siglo XXI  trajo consigo la primera protesta antibelicista a nivel mundial y sumió al pueblo iraquí en un estado desesperanzador de incertidumbre.

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- Generation Kill en Dvdrip

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Así las cosas, la primera temporada acabó con…. aviso SPOILERS…. la muerte de uno de sus protagonistas, la enorme crisis familiar de Paul y la solución más o menos dispar del resto de los casos.

Esta temporada comienza con un Paul separado (como intérprete, Gabriel Byrne continúa en estado de gracia), que se ha mudado a New York a empezar de nuevo sus consultas. Su vida sentimental es un desastre y aún arrastra secuelas de las terapias tan extremas a las que se tuvo que enfrentar la anterior temporada. Permanece el recuerdo de Laura, colea el asunto de Alex, cuya familia le interpone una demanda, y aún necesita la ayuda de Gina para mantener el equilibrio emocional en su vida.

Así las cosas, los nuevos pacientes siguen tocando la fibra sensible de Paul, que se ve muchas veces sujeto a conflictos morales y a situaciones límite. En esta ocasión, un gran magnate de la industria económica norteamericana, una antigua relación de Paul que le culpa de todas sus frustraciones, un chico que se enfrenta al divorcio de sus padres y una joven que acaba de descubrir que sufre un cáncer son los nuevos casos a los que Paul se tendrá que enfrentar como terapeuta.

La serie sale reforzada en esta segunda temporada gracias a un casting excelente, los nuevos actores resultan plenamente creíbles y dotan de savia nueva al producto, que apenas se resiente. Como aún se trata de material proveniente de la serie original israelí, BeTipul, uno ve consonancia entre una temporada y otra, pese a la marcha de Rodrigo García, máximo responsable de la primera temporada. Así, perdido el factor sorpresa, la serie se agarra a sus virtudes y potencia cada punto fuerte, a la vez que disminuye sus debilidades. Ahora existen más subtrama, más dinamismo en las terapias y una absoluta implicación emocional de su intérprete principal.

Los únicos problemas a los que se enfrenta la serie tienen que ver con su futuro y no con su presente, al tratarse de una serie con un público reducido (no todo el mundo está dispuesto a entretenerse dentro de una consulta y con una ficción hablada plano contra plano), el hecho de que Gabriel Byrne haya pedido un aumento salarial debido al desgaste que le provoca el rodaje veloz de los episodios y que el material original se haya terminado, con lo cual será necesario contratar guionistas si quieren que la serie siga viva, son motivos suficientes de cancelación. Por lo tanto, a uno se le antoja que la serie concluirá pronto y que los responsables de la cadena no renovarán su apuesta, con lo cual, es ahora cuando hay que disfrutar de cada episodio de En Terapia, de cada magistral actuación de sus protagonistas y cada sesión con la que Paul nos descubre las singularidades de la mente humana.

Y es que, ya se sabe, del caviar mejor no abusar y lo bueno, si breve, dos veces bueno.

Scriers.