Sala llena y expectante. En la cola para entrar, que recorría un larguísimo tramo de acera, había quien buscaba con insistencia y sin mucho éxito, alguna entrada sobrante. No es de extrañar, ya que esa noche la sala Custom recibía en concierto al gran Iván Ferreiro, ex-líder de los Piratas.  En esta ocasión, el vigués presentaba su último disco, Confesiones De Un Artista De Mierda, donde repasa su carrera musical regrabando con un nuevo punto de vista musical algunos de sus temas más memorables, tanto de su carrera en solitario como de su etapa pirata.

Con una puntualidad de reloj suizo, el gallego sale al escenario acompañado de su banda y comienza a sonar sin dilación Toda la verdad. Al ritmo de los versos “solo hay mentiras si con ello lo que quieres es decir toda la verdad” el público se va introduciendo tímidamente. Tras un par más de temas, Iván saluda a la sala rompiendo totalmente el hielo y creando un ambiente de complicidad y buen humor que durará las dos horas de concierto. Se le ve tranquilo y disfrutando del momento. Esta sensación de cercanía es bien recibida por los espectadores, que se entregan bailando y coreando las canciones.

En la primera parte, que abarcó temas como Paraísos perdidos, Mi furia paranoica o El viaje de Chihiro, se pudo ver una banda en muy buena forma y cuya coordinación y compenetración quedó demostrada en Mi Munchausen, que hizo saltar al público, llegando  a la culminación del tema como una explosión perfectamente ejecutada por todos sus miembros: Amaro Ferreiro a la guitarra acústica, Emilio Saiz a la eléctrica, Gael Pintos a la batería y Pablo Novoa en la eléctrica, teclados e incluso se atrevió un poco con la percusión.

Tras este primer momento álgido, el concierto se volvió algo más íntimo cuando todos se fueron del escenario dejando solo a Iván para interpretar al piano y con su particular voz rasgada Inerte, una preciosidad de tema que erizó la piel de muchos de los asistentes. Hubo tiempo para versionar a amigos. En este caso Iván dio a elegir al público entre tres de sus últimas versiones realizadas sobre canciones de otros grupos del panorama indie español. Aquí jugó con el hecho de encontrarse en la capital hispalense como explicó y se decantó por una versión del tema de los sevillanos Maga: Diecinueve.

Después vinieron temas esperados como Promesas que no valen nada, Años 80 o Rocco Sigfredi y otros que sorprendieron al público, pero fueron recibidos con entusiasmo como M,  Jet Lag o una divertida Tristeza con Iván interpretando los dos personajes de la canción con mucho arte.  Entre ellos, intercaló otro momento más lento acompañado sólo por su hermano Amaro y que aprovechó para tocar SPNB y Canción de amor y muerte, su otra nueva composición (obra de ambos) que confesó era la primera vez que la tocaban juntos desde su grabación en directo.

La recta final del concierto se acercaba y Ferreiro lo recordaba entre bromas al público al que llegó a decirles “me dais miedo”, por lo insaciables que parecían. Santa adrenalina, Turnedo, Días azules y Piensa en frío fueron la traca final del concierto seguidas de una merecida ovación y palmas con ritmo del sur como sólo en Andalucía se hace (un guiño más al público que tuvo el cantante). Finalmente, llegó el bis con El equilibrio es imposible y Mi coco, que dejaron a los presentes con la sensación de estar en una nube de satisfacción.

En resumen, un espectáculo lleno de emoción que no dejó a nadie indiferente, sin grandes experimentos musicales, pero una banda compacta, un Iván cercano, simpático y volcado con su público. En fin, un reencuentro tan esperado (al menos por mi) como satisfactorio después de haberlo vivido. Un concierto más que recomendable y que esperamos que “siga  haciendo magia que volverá para salvarnos…“.

Cuentan que está acabado, que su tiempo de inspiración huracanada ya pasó y ahora ni siquiera es capaz de llenar estadios. Que lleva años anclado en el esterotipo de caricatura dylanesca y sus apariciones públicas cada vez resultan más sonrojantes. Muchos aseguran que no volverá a firmar discos tan conmovedores como los que maravillaron a propios y extraños a finales del milenio pasado.

Probablemente tengan razón. O no. O quizás vuelva a sorprender y el día menos pensado escriba e interprete canciones como las de antaño, esas capaces de pegar un pellizco en la boca del estómago a la audiencia más sensible.

En la Industrial Copera de Granada apareció la versión hiperactiva de El Salmón. Entregado e impetuoso, arropado por un banda exquisita, Calamaro estuvo más generoso que afinado, siempre en constante experimentación vocal, autoversionándose sin complejos y combinando hiperactivamente guitarra y teclado según lo requiriesen las canciones.

Sin síntomas aparentes de desgaste, y en sorprendente buena forma física, rescató temas del baul de los recuerdos (‘¿Quién Asó La Manteca?’, ’7 Segundos’, ‘Ansia En Plaza Francia’…) y los combinó con éxitos incontestables para la satisfacción y el deleite de los allí presentes.

Un concierto notable, oficioso y profesional que amenizó un divertido Calamaro con palabras dedicadas a Enrique Morente, Joaquín Sabina o, descolocando por enesima vez a todos, Ortega Cano.

Quizás no vivamos sus mejores años, pero el argentino suma y sigue, siempre incesante en su particular homenaje al rock´n roll. A sus cincuenta años, este nervioso músico con mata de pelos agolondrados, sigue sabiendo elegir de entre un repertorio de más de 300 canciones, una veintena capaz de erizarte la piel, palpitar tu corazón y evocar imágenes pasadas, siempre emocionantes. Del músico acabado del que hablan por ahí, por Granada no hubo noticias.

Tenía una deuda pendiente con Amaral; tenía que dedicarles de una vez por todas un artículo hablando de ellos.

Para quien no les conozca, Amaral es un dueto zaragozano que mezcla con mucho éxito los sonidos más pop, rock y folk. Pero… espera… ¿hay alguien en la sala a quién no le suene su nombre? Mucho me temo que no.

Amaral es posiblemente el grupo de pop/rock (dejemos los matices de estilo latentes en nuestras mentes para no tener que andar repitiéndome) de más éxito y relevancia en España en los últimos 10 años y casi con toda probabilidad los más honestos de toda las listas de radiofórmula. Honestos por su música, por su modestia y por su gratitud.

Si hay algo que me gusta en un grupo es que aprecie, conozca y valore a los grandes músicos de nuestra historia y Amaral no deja de hacerlo empequeñeciéndose ellos y teniendo siempre a los grandes por encima, en el lugar donde les corresponde. Y personalmente creo que luego eso se refleja en su música y en su carácter.

Además de todo, mi pasión por Amaral ha ido in-crescendo en los últimos años en los que he redescubierto su música y en los que lo he situado en mi pódium de lo mejor del panorama español. Vaya por delante que también es cierto es que también les tengo especial estima por motivos puramente románticos.

Si bien el Gato Negro Dragón rojo me parece un disco irregular donde gusta el Dragón pero no el Gato consiguieron volver a emocionarme y enamorarme una vez más con su disco Granada en el que versionaron 5 temazos de grupos importantes en la historia de Granada (si contamos con ‘Al Sur de Granada’ que se publicó a posteriori en el tributo a Miguel Ríos) adaptándolo a su particular sonido. Sus 4 primeros discos son joyas y sus directos sencillamente arrolladores. Si no habéis tenido la oportunidad de verles en concierto o de escuchar sus dos primeros trabajos, desde aquí los recomiendo.

Y es que a la cabeza de todo esto está Eva Amaral; la mejor voz femenina del país. Una mujer en apariencia vergonzosa, tímida y algo feucha, pero que en los escenarios se reconvierte en todo un vendaval y en derroche puro de energía y entrega. Le acompaña Juan Aguirre; discreto, reservado, y con una extraña pose a la hora de tocar la guitarra, que sin ser un virtuoso en su instrumento como su compañera, es capaz de conseguir imprimirnos un sonido altamente identificable a sus guitarras y a su forma de tocarlas.

Bajo su firma, aparte de una buena colección de discos plagados de grandes éxitos comerciales se han grabado muchas colaboraciones y versiones que en ocasiones han transformado a su favor.

Y así, un 29 de Enero, Amaral se presentaron en Londres, donde agotaron entradas para las dos fechas que tenían previsto. Yo aproveché la coyuntura para formar una expedición a la capital británica, conocer la ciudad, regalarnos un capricho a la pareja, verles tocar de una forma relativamente íntima, y hacerlo todo acompañado de grandes amigos. Casi nada.

Gracias al Brugal facturado y a la gente de Rock sin Subtítulos que nos permitieron poder entrar los 7 en la Sala a pesar del Sold-Out pudimos disfrutar de un concierto casi perfecto. Perfecto en casi todo sus aspectos; luces, sonido, escenario, repertorio, duración,… menos el ambiente, que una vez más consiguió achantarme en lo que para mí es una completa desinhibición. Por favor, lo digo por enésima vez; rancios, quietos, antipáticos, cansados, gilipoyas y  aburridos, por favor, absténganse de las primeras filas, porque yo pretendo gritar, saltar, darlo todo… y ni tus caras de guasa porque le grite a Amaral un cariñoso ‘ole tu coño’ me van a hacer cambiar de opinión. Suerte que después de mucho insistir, la gente de nuestro alrededor se animó y pudimos vibrar como niños en los últimos temas, donde verdaderamente se llegó al casi-extasis.

El repertorio se hizo muy corto, aunque en realidad estuvieron casi 2 horas tocando. Abrieron con la rabiosa y templada Concorde para hacernos un recorrido por toda su discografía desde el primer al último disco, sin faltar casi ningún clásico imprescindible y dejando tiempo de sobra para deleites de voz de Eva y tres temas nuevos que pronto se editarán en su nuevo álbum.

1- Concorde
2- Kamikaze
3- Moriría por vos
4- Las puertas del infierno
5- No sé qué hacer con mi vida
6- Resurrección
7- Esperando un resplandor
8- Cómo hablar
9- Hacia lo salvaje
10- Días de verano
11- Esta noche
12- Un día más
13- Como un martillo en la pared
14- Sin tí no soy nada
15- Estrella de mar
16- El Universo sobre mí
17- En sólo un segundo
18- Alerta
19- Big Bang
20- Revolución

Fue un concierto puramente eléctrico, con muchísima garra por parte de todos los músicos, y con un repertorio que invitaba a ello y si Eva ya posee cierto magnetismo y aire místico en su puesta en escena, el que ella se ocupe de manera más que aplastante de pandereta, armónica y theremin es el auténtico remate. Este último instrumento me sorprendió gratísimamente que lo sacaran al escenario.

Fueron especialmente enérgicas las 7 últimas canciones, la fiesta final, donde se dio todo con un nivel altísimo; Juan acabó tocando de rodillas, Eva cantando amargamente en el suelo, Iván con unos coros que quitaban el hipo para ser una voz masculina,…

El público, aparte de lo comentado, era mayoritariamente español casi en un 90%, muchos afincados en Londres buscando lo que en España no hay y otros, como nosotros, que iban al concierto y a pasar el fin de semana en la ciudad del Támesis.

Después del concierto, acompañó una Spanish Party en la misma sala donde pudimos disfrutar de canciones del orgullo patrio para todos los gustos, bebernos algunas cervezas a 4 libras y terminar de agotar las pocas fuerzas que nos quedaban.

Me quedo con la sensación de haber visto un concierto muy especial para Amaral, lejano a estadios llenos y dónde creo que hubo mucho vínculo y agradecimiento por parte de la banda. Creo que hubo una maravillosa comunión entre el grupo, tan honestos como acostumbran, y el público.

No sé si ahora mismo me pierde el éxtasis del concierto o el aprecio que le tengo a esta banda, pero creo que hay que apoyar a Amaral por su música, por su buen hacer y porque se lo han currado muy mucho para estar donde están. Espero que nos sigan brindando grandes temas y sigan la senda que ellos mismos se han marcado.

* Gracias a Juan de theflyfactory.net por las fotografías y a laiapf80 y a meggben por los videos.

Mi relación con Los Delinqüentes ha sido como una campana de Gauss. He de reconocer que en sus inicios me parecía un grupo cateto y bajunero. Pasó el tiempo y mientras su éxito crecía mi opinión se iba invirtiendo. La mezcla de sabores en un mismo catavinos les hacía muy grandes. Me engancharon sus fusiones de flamenco, rock, bulerías y funky, y para colmo muy divertidos, muy buenos músicos y con Jerez por bandera.

Pero con la llegada de su fama descontrolada mi animadversión por sus canciones de setas, canutos de colores, bichos, carriles y compadreo fue creciendo a pasos agigantados. Nunca me ha dejado de gustar su música, pero no puedo decir lo mismo de su actitud en entrevistas, en conciertos y en aquello que pasara fuera de los escenarios donde desde mi opinión han reflejado una imagen de pasotas, de canallas, de que no les importa una mierda lo que pase a su lado o en su ciudad mientras ellos puedan cantar y ponerse hasta las cejas de setas y estar ‘agustisimisimo’. Creo que les hace perder crédito, pero bueno, no todo en la música tiene que ser trascendentalismo, aunque lo eche de menos en la voz de los Delinqüentes.

El caso es que  su música sigue siendo única, y aunque en los últimos tiempos se han tirado más al tributo de sus ídolos musicales como Beatles, Dylan, Frank Zappa o genios del blues, lo cual se agradece, también han dejado un poco de lado su cara más flamencota y arraigada a nuestra tierra y que tan bien saben hacer.

Cuando conocí el título de su nuevo CD ‘Los hombres de las praderas y sus bordones calientes’ no se hacía más que confirmar mi teoría de que hacía tiempo que habían sobrepasado todos los límites del buenrollismo que lo separan del verdadero ridículo.

Pero llegó el disco, le di al play y empecé a recordar porqué me gustaban tanto Los Delinqüentes. Me encontré un disco que se encontraba a caballo entre la rama más flamenca y la más juerguista.

No me esperaba mucho de este disco, pero debo reconocer que me ha gustado y mucho. Muchos verán la “intrusión” de Tomasito como completamente prescindible, sin embargo a mí me parece que su papel en el disco es genial  y que conectan perfectamente él con Diego, con Marcos, con Paco, con Rafael, y con todo el elenco de músicos que forman el tablao de Los Delinqüentes.

‘Manifiesto de lo borde’ es una pequeña vacilada con grandísimo gusto de flamenco-blues a manos del Ratón y de Paco Lara. Con una intro así es difícil dejar de escuchar el disco. ‘La Cacerola’ puede que no sea la mejor elección de single, pero me gusta; me gusta porque ponen de manifiesto todo lo que vamos a escuchar en los 12 cortes restantes; una fiesta flamenca que bien podría haberse grabado en el callejón de La Carmela en la plaza del Arenal ahora que los zambomberos nos echamos a la calle a cantar la historia de nuestra tierra.

Cabe decir que la mayoría de temas son versiones o bien de los Delinqüentes, o bien de Tomasito o bien de otros músicos de su interés. En el caso de ‘La Cacerola’ es una versión de un tal ‘Loco Romántico’ que no conocía hasta la fecha.

‘El bandolero’, ‘Uno más’ y ‘Camino del hoyo’ siguen por la misma senda y cumplen bastante bien.

‘La resaca’ es un tema extraño, y creo que por eso me gusta tanto. La melodía que nos traen (versionada de un músico cubano) me llama mucho la atención. El corte ‘que fli que fla’ al principio choca, pero después lo veo muy bien integrado en el tema.

‘Dónde crece las setas’ me gusta más que la versión original aunque personalmente es uno de estos temas a los que me refería antes y que no me las puedo tomar en serio con tanto clavel, polen, setas, colores, carriles y fumadas varias.

‘Kiss Off’ para mi es el gran tema del disco. Una versión de Violent Femmes que los Delinqüentes ejecutan a la perfección con una cuenta progresiva que le da muchísima fuerza.

Que Los Delinqüentes se hayan planteado regrabar ‘El Aire de la Calle’ es un paso muy valiente que muchos verán casi una injuria contra la historia del grupo. Canción estrella del grupo, profunda, tragicómica, intensa y que eriza la piel. Pues bien, un 10 por Los Delinqüentes. Remedios Amaya cumple con nota y les queda una versión bastante fiel a la original en lo que a la música se refiere con la potencia de voz de la artista sevillana.

‘La pura concepción’ es un divertido tema swing que me ha recordado a algún corte de Sabina. Es una versión de un músico sevillano conocido por Silvio.

‘El abuelo Frederick’ ahora grabada por nada más y nada menos que El Capullo de Jerez gana en todo. Pierde el aire rockero pero gana el flamenco. Me quedo con esta, sin duda y con el palmeo de la segunda mitad de la canción.

‘El voltereta’ ya la conocíamos de antes por ser compuesta para el cortometraje de Alexis Morante. Reconozco que es de las canciones que más me gustan del disco.

‘El hombre que hay en mi’ es el destrozo que le brindan a Dylan y que siempre debe haber en cualquier disco de versiones. Qué pena que el disco tenga 14 temas y no 13.

Casi acabamos con Singin’ in the rain un cierre festivo para un disco festivo… pero nos queda aún un soniquete fabuloso que es el broche perfecto para este disco tan cerca del flamenco.

En definitiva, un disco que seguro que disgustará a más de uno pero que creo que tiene un cometido y una concepción muy clara; un disco sencillo, donde poner toda la carne en el asador y sin florituras. Un tributo a su discografía, a la de Tomasito y a la de otros artistas que forman parte de la música de Los Delinqüentes.

A ver si para el próximo disco nos traen a El Chusco de Jerez y su Fuego por Dentro. Personaje de nuestra ciudad que merece un hueco con Los Delinqüentes.

Es sólo un rumor, pero los hechos demuestran que sus últimas apariciones juntos quedan lejanas en el tiempo. Una lástima que dos músicos con tantos puntos en común se distancien tanto.

Porque ambos han dibujado un recorrido análogo marcado por una enérgica irrupción, una coherente estabilidad y una necesaria renovación. Y en esa coyuntura se encuentran, en aventurarse a nuevos retos sonoros.

La transformación más evidente es la de Albertucho, que ya había amagado con una mutación sonora. Para crear su cuarto disco, Palabras Del Capitán Cobarde, acudió a Juan De Dios, un músico curtido en sectores poperos, últimamente mano derecha de Xoel López. Comentaba Albertucho que había descubierto el (sobrevalorado) Fin De Un Viaje Infinito y le había entusiasmado la producción. Que para este nuevo trabajo pasaron horas conectados al Spotify, que se ha deleitado con los clásicos indiscutibles (Dylan, Waits…) y ha indagado en nuevas facetas sonoras. De este modo, aparca el rock de autor poético y áspero marca de la fábrica por una producción más meticulosa, letras aún más introspectivas y un aire americano latente en cada canción. Suena coherente, aventurado y libre de complejos. Sólo chirría un single (“La Primavera”) que suena mejor en directo y una infame colaboración de El Canijo de los Delinqüentes (que colabora porque Diego Pozo toca en todo el disco) innecesaria y desafinada como pocas. El resto encandila porque Albertucho está encantado de mudarse la piel, seguro de que este nuevo camino le hace crecer como músico. En su versión más folk rock convence, y lejos de ser una propuestas cobarde, se distingue por ser el paso más osado de toda su carrera.

En la otra acera se encuentra Poncho K, que publicó su quinto disco días antes y del que ya hicimos referencia en el blog. Decía en el artículo que nada hacía indicar que Una Historia Con Las Manos variara su producción conforme a Cantes Valientes. Estaba en lo cierto, sigue la misma tónica que su antecesor: una voz en primer plano, guitarras graves, sonido limpio y la poesía tosca que todos conocemos… nada sorprendente si no fuera porque se intuye a un autor más calmado que se atreve con varias canciones de aspecto novedoso; la flamenca “Laureles” y la infantil y ácida “Manolito Caramierda”. Lo demás es un compendio entre las virtudes y defectos del sevillano. Al que le gustaba le va a seguir gustando y quien no lo trague, este disco no le va hacer cambiar de opinión. Nos quedamos entonces con cortes como “Amor A Cuentagotas”, “Pistolas” o “Un Golpe Por Seguir Vivo”, que representan la esencia pura de Poncho K en un disco propicio para incondicionales.

Albertucho y Poncho K, estandartes del rock de autor sevillano en este nuevo siglo, suman y siguen. Su madurez artística representa la consolidación de sus respectivos proyectos y la confirmación de ser dos mentes inquietas y creativas, que siempre en movimiento, ofrecen con seguridad canciones dignas. Todo un logro en los tiempos que corren.

Este fin de semana dio comienzo la nueva gira de Ariel Rot, en la que presentará su nuevo trabajo, Solo Rot, por gran parte de la geografía española. Quisimos ir a su primer concierto, en la sala Long Rock de Córdoba. Ariel es un seguro de buen rock & roll. El argentino tiene el oficio que le ha suministrado una larga y meritoria carrera, primero en Tequila y después en Los Rodríguez, alternando etapas en solitario como en la que se encuentra actualmente. No está entre mi ‘top-five’ de músicos preferidos, pero admiro su tenacidad, su legado y su virtuosismo con la guitarra. Y su elegancia, porque Ariel es un rockero de estética setentera, clásico y cercano. También parece haber tomado el elixir de la eterna juventud. 50 años y contar con ese aspecto da mucha envidia.

Pues bien, allá fuimos, a una coqueta sala que parecía un templo del rock & roll, decorada con imágenes de los Beatles, de Elvis, de los Stone… el escenario ideal para tal evento. Un recinto con aforo limitado para unas 300 personas que llenaron el lugar. Todo parecía indicar una noche mágica, pero no fue del todo así, se quedó en un buen concierto, que no es poco. ¿Por qué? Pues porque un concierto necesita funcionar bidireccionalmente, no de manera unidireccional. Y si el músico se entrega y el público no responde del mismo modo, el show desluce. Y eso pasó en Córdoba.

Crece la tendencia de asistir a los conciertos y verlos como aquel que observa un dvd musical. La propia naturaleza de la música invita a lo contrario, a bailar, moverse, cantar. Pero los cordobeses, a los que parecía molestarle el alboroto, tan solo despertaron con el “Mucho Mejor”, que tararearon con entusiasmo anticipándose al guión de la banda. Antes, el concierto fue seguido con languidez.

Ariel combinaba algunos de sus grandes temas (“Adios Carnaval”, “Baile de Ilusiones”, “Lo Siento Frank”…) con sus nuevas creaciones, y ojo, que el nuevo disco promete ser una colección de grandes canciones, en la línea de sus dos últimos trabajos. En su página web se pueden escuchar unos adelantos que pintan bien.

El bonaerense ha montado una banda joven pero del todo fiable, con un batería eficiente y guitarra y bajo ejerciendo de perfectos acompañantes para su portentoso dominio de la Fender. Sin olvidar a un teclista en estado de gracia. Solo cabe esperar que surja esa sincronización que otorgan los ensayos y la propia gira.

Como buen comienzo de gira, la banda acusó en algunos momentos su falta de rodaje, pero en cualquier caso, Rot y los suyos ofrecieron un concierto notable y elegante pensado para el lucimiento de su protagonista, que parecía encontrarse realmente cómodo sobre el escenario.

Ariel se mueve como pez en el agua en las distancias cortas, en recintos de media entrada donde puede demostrar a poca distancia su habilidad con las seis cuerdas. Las manos expertas de este Rodríguez son una garantía de cara al público. Esté dónde esté, y toque con quien toque y frente a quien sea, siempre cumple. Un ejemplo de constancia.

Alfonso Caballero Romero comenzó su andadura en un grupo punky llamado Desacato, pero al poco de comenzar la banda se disolvió y fue entonces cuando decidió emprender su carrera en solitario. Se llamaría Poncho K. Su maqueta, Mejor Solo… Que Mal Acompañado, sonó por los garitos sevillanos hasta hacerse reconocible. En la capital andaluza, era un secreto a voces que una nueva hornada de cantautores rock estaba floreciendo.

BMG-Ariola, que por entonces vendía millones de discos, había dado con la gallina de los huevos de oro con el fichaje y posterior boom de Estopa, que aunque estilisticamente pueda parecer lejano, la maqueta de los de Cornellá  no parecían tan diferente. Con Poncho K quisieron explorar un sector de la audiencia aficionada al rock urbano, al estilo de Extremoduro o Fito & Fitipaldis, que por entonces despuntaban en Dro. Para ello, financiaron el primer disco de Poncho K, No Quiero Empates, que salió a la luz en el año 2002, y que no obtuvo los resultados esperados.

Basicamente porque era un disco difícil de digerir aunque tuviera un componente de originalidad indudable. Poncho K consiguió mezclar rock de autor y momentos punk con música clásica, y es que a la mayor parte de los temas de su maqueta les agregó el sonido de la Orquesta Filarmónica de España. También colaboraron Albert Pla, Javier Limón o el Niño Josele entre un nutrido grupo de músicos que fue desfilando por un disco tan costoso como irregular.

Pero su inexperiencia a la hora de coordinar su primer disco -seguramente estuvo condicionado por las exigencias de la discográfica- la disimulaba con un descaro y arrojo impropios de su edad. Poncho tenía en mente irrumpir en la escena rock con un disco único e irrepetible. Por ello el añadido de la música clásica y la elaboración de unos textos que no eran sino un compendio de irreverencia juvenil, actitud macarra panfletaria y pluma de poeta. Poncho combinaba la rebeldía del recien llegado con la madurez del veterano.

De este modo, agarró su guitarra y ofreció varios conciertos promocionando su primer disco. Fue una minigira que lo llevó por las principales emisoras de radio y por pequeñas salas para dar a conocer su música. Conciertos acústicos. La guitarra y él, tan solo eso.

Poncho K no consiguió las ventas que esperaban en su compañía discográfica. Según diversas fuentes, No Quiero Empates apenas despachó 20.000 copias. Las malas ventas condicionaron su segundo disco, Destino De Pluma y Mano, que no contó con los medios necesarios ni en producción ni en difusión para el correcto devenir del mismo. Por ello acabó en El Diablo, aunque más tarde volviera con Sony.

En cualquier caso, del debut de Poncho K queda un buen puñado de canciones para el recuerdo. Blablabla, Duermes, Estoy, Me Voy, Sol Que Ausenta En Estiercol… son temas que calaron hondo en un sector muy determinado de público, aquellos jóvenes rockeros y punkis que apenas superaban la veintena y que conectaron con los textos poéticos de Poncho.

Esta fue la génesis de la carrera de Poncho K. El próximo martes el sevillano publicará su quinto trabajo de estudio, Una Historia Con Las Manos, disco que en cuanto a produccción pretende seguir la línea de su antecesor, el inspirado Cantes Valientes. En este enlace podéis escuchar un adelanto. Nada parece indicar que haya un giro de tuerca en su sonido, por lo que sus seguidores habituales estarán bien servidos. Sin embargo, la fórmula Montesinos evindencia síntomas de agotamiento. Necesita de viento fresco, savia nueva que potencie sus virtudes. De lo contrario, Poncho K corre el riesgo de estancarse.

Nota de Prensa sobre el nuevo disco:

El 13 de abril de 2010, Poncho K publica su nuevo álbum Una historia con las manos. Producido por Fernando Montesinos, este disco es por derecho la obra cumbre de la carrera de este compositor, su quinto álbum en el que eleva al grado máximo su esencio de “rock con pinceladas flamencas, poesía callejera”, como él suele decir.

Con una actitud de rock callejero, duro, independiente, y una altura en los textos muy poco habitual en la música española, Poncho K se ha asentado en un estilo del que se ha convertido en referencia, apoyado por un trabajo inagotable de conciertos y giras a pie de carretera. Poncho K es un creador elegido que derrocha inspiración en cada estrofa que pare sin conceder tregua a la mediocridad y eso es prestigio ganado canción a canción, noche a noche, verso a verso.

Canciones de Una historia con las manos:

1. Amor a cuentagotas “Que no, que ya no quiero un amor con cuentagotas. Mi paciencia no está rota, es que me cansé de dar abrazos a desconocidos… El cambio a una nueva etapa me renueva y me da otra expectativa más optimista ante la vida”, dice Poncho K de la canción.

2. Un golpe por seguir vivo “Destrocé la lección del abuelo buscando mi propia historia, aprendí a desmembrar entresijos leyendo un poco de historia… Para coger un nuevo camino tienes ke empezar por matar el pasado y buscar tu propio motivo”.

3. Una historia entre las manos “Déjame que te cuente una historia con las manos que te sepa a caramelo, que me estrelle con tu boca, que eyacule en tu barriga, que me siembre en tu agujero, que te grite como un cerdo… A un amor ke deja huella siempre se le escribe una canción”.

4. Manolito Caramierda “Prepara el cazo y amarillea la habitación, otro lonchazo le pone la pila y lleva en la mente la cara de 20 que en la clase es un pringao y está harto de escuchar: Manolito er Caramierda…
Una historia aparentemente cachonda pero ácida en el fondo, porque no está tan lejos como pensamos, aunque espero que lo llegue nunca”, dice Poncho K del tema.

5. Pistolas “Corro sin tregua y no escucho revueltas, si no paro es por los palos que me han vuelto majareta. Sé bastón en mi camino y faro que nunca encuentro… La búsqueda de mi yo después de una decepción“.

6. Con Laureles “Me gusta que que no duermas sola y a media noche desvelarme, pegarme un roce de espalda y acurrucarme, sabiendo que por la mañana me va a mirar con cara larga.”

7. El último sol “A la vuelta de la esquina estaba ayer corriendo como un descosido, pensando que se iba la vida, si ya no hay templos que me aguarden ni jaleo en este antro para tomarme otra copa.” mandolinas y voces a cargo de Rubén Pozo de Pereza “Una noche de parranda en la que se me vienen ráfagas de responsabilidad por la moral impuesta desde el principio de mis días”.

8. Punki gitano “Soy huracán de pasiones, rabia incandescente que no se conforma con mirar desde el otro lado del puente… Pasión desbokada por reivindicar una forma de kerer desde las mismas raíces”.

9. ¿El tren de la rendición? “Mientras se derrumba el mundo me lavo los dientes. No quiero oír más rumores que apaguen los soles de mi porvenir”, con la aparición de María Malapinta “Soy siempre yo el que marco mi vida sin patrones, sea komo sea”.

10. Estrépito “Buscando un pedazo de tierra que le de rienda suelta a mi rabieta, como un gallo peleón… La reflexión de una tarde cualkiera desde mis ojos diminutos mirando al mundo”.

11. El ojo en el ladrillo, una canción emocionante, un homenaje a Marcos Ana, poeta salmantino de 90 años y uno de los símbolos de la lucha antifascista, que al final del tema recita un fragmento de su poema Micorazón es patio: “Soñé que el mundo era un redondo espectáculo envuelto por el cielo, con ciudades y campos en paz, con trigo y besos, con ríos, montes y anchos mares donde navegan corazones y barcos. Pero el mundo es un patio donde giran los hombres sin espacio”.

Ola Podrida es uno de esos grupos. Yo los conocí hace casi dos años. Les compré un disco y disfruté de un concierto muy especial. Luego se establecieron como mi banda novel y folk favorita (este año son Monsters of folk), y más tarde aún, les perdí la pista. Ahora me he vuelto a enterar casi por casualidad de que sacan nuevo disco al mercado, Belly of the Lion.

La primera característica es que es un disco corto y compacto, de la misma naturaleza que su predecesor, el homónimo Ola Podrida. Y la segunda, a grandes rasgos, es que los mismos rasgos que llamó la atención hace algunos años, se repite completamente en este trabajo. Gran trabajo melódico y vocal, sonidos casi ambientales, riqueza o sobriedad instrumental siempre bien entendida, diferentes matices en la bateria y un pelo de distorsión. También podemos hablar de las sensaciones que provoca: placidez, melancolía, armonía… etc. Todo lo que diga a partir de ahora sería repetirme.

La banda que ha logrado reunir David Wingo sigue en plena forma, y suena compacta, hecha a conciencia, con un sonido característico (que es a lo que aspira un grupo joven, a hacer su sonido reconocible). Ese sonido, el de Ola Podrida, es, definitivamente, un sonido que me cautiva. En su cronograma del disco, siempre, pero con algunos repuntes en determinadas canciones. Esta vez, los temas que más me gustan son “The closest we will ever be” y “Roomful of sparrows”.

Y es que hay igual que hay besos (perdonad la ñoñería) que uno calcaría, de manera que fueran siempre idénticos, con los discos puede pasar lo mismo. Y a mí, sinceramente, me da igual que Belly of the lion suene muy parecido a Ola Podrida. Me resultan igualmente bellos.

PD: Por cierto, para explicar tan peculiar nombre de la banda, os dejo la explicación que alguien que decía ser miembro de la banda hacía en un blog en castellano.

“¡si sabemos! en las 80s en dallas, tx (de donde somos), había un mall llamado “olla podrida” donde vendía varios tipos de arte. sin embargo, toda la gente de dallas, los que no hablaban español, referieron a ese lugar como “ola podrida” porque no sabián como pronunciar los dos “l”. ahora es otra cosa ya que se han presentado tortiLLas y quesadiLLas en todos partes.
pero, para preservar esa memoria y para forzar que la gente diga nuestra nombre de la forma antigua, quitamos uno de los dos “L”.
hasta luego”

Ola podrida.

Seguimos apoyando a esta banda amiga allá por donde toquen. Hoy lo hacen en Madrid, en la gran capital. Todo aquel madrileño que no tenga plan y le apetezca escuchar algo de rock n’ roll fresco, que no dude en cogerse un metro hasta el Bernabeu y en disfrutar esta noche de un gran concierto que seguro que bindan.

Si alguien asiste podría contarnos su experencia y sensaciones después del concierto. Suerte a Hoja de Ruta y a seguir cumpliendo el sueño. Un abrazo Jose, un abrazo Rafa.

Era mi segundo concierto en Alicante, el primero multitudinario. Fito y su banda (y La Cabra Mecánica) consiguieron congregar en Mutxamel a una enormidad de personas, reunidas en un recinto abierto perfectamente acondicionado para la ocasión. Es digna de mencionar la laboriosa preparación del evento, con todos los detalles bajo control: el suelo plastificado, la barra del bar y sus moneditas con el careto de Fito, el espectáculo visual, los decibelios…un despliegue impresionante.

Y es que los conciertos de Fito son desde hace tiempo un exorbitante show para todos los públicos dónde pueden compartir espacio seguidores de la antigua guardia, la juventud de los nuevos tiempos y padres de familias con sus niños a cuestas. Toda persona es bienvenida, sea cual sea su procedencia. Lo Más Lejos a Tu Lado propició que el bilbaíno formara parte de la cultura popular actual, pese a quien le pese.

Ante tal panorama, y con un reiterativo nuevo disco bajo el brazo, Fito y sus Fitipaldis dieron un concierto cuya puesta en escena y gran parte del repertorio no difiere mucho de su gira predecesora de Por La Boca Vive El Pez. Ha cambiado músicos y algunos matices pero el grueso Fito-Raya-Alzola sigue ahí, resistiendo el peso del show y puliendo el sonido fitipaldis, ya muy característico por sus formas.

Las canciones nuevas (‘Me acordé de ti’, ‘Tarde o Temprano’, Que necesario es el rock&roll’…) se erigieron protagonistas al ser temas con gran acople al directo y excelente respuesta por parte del público alicantino, que a pesar de ello, fue frío y comodón, y le costó en exceso congeniar con los músicos. Los forzados bises destaparon que Fito ha ganado público, pero que este es menos apasionado que el de antaño.

Nada se salió del guión en Mutxamel, el reloj fitipaldis funcionó a la perfección y demostró profesionalidad y un estado de forma envidiable. A día de hoy, la banda de Fito puede ser tranquilamente la más compacta de nuestro país; precisa, compenetrada, potente.

Lástima que el factor sorpresa solo diera para destacar la revisión de ‘Al Cantar’ -que produjo la sonrisa de unos cuantos nostálgicos- y/o la participación de El Lichis en ‘Barra Americana’. Soplos de aire fresco insuficientes para el que espere un giro de tuerca. El resto fue un sin cesar de hits que forman parte del cancionero popular; ‘Soldadito Marinero’, ‘Por La Boca Vive El Pez’, ‘Corazón Oxidado’, ‘Acabo de Llegar’..

Actualmente quien va a un concierto de Fitipaldis sabe lo que tiene: rock and roll, un ambiente agradable y festivo, más un espectáculo sonoro y visual que bien vale la (cara) entrada. Pero quien busque emociones fuertes o un cambio de registro no lo va a encontrar. Los años gamberros quedaron atrás, de la improvisación y la espontaneidad no queda ni rastro. Hoy todo funciona tan preciso como un reloj suizo. Así nadie puede sentirse engañado.