Pero Jeff Tweddy, un alma inquieta, ha sabido reconvertirse en considerable poco tiempo, dos años. Wilco vuelve a la carga con The Whole Love, que distribuyen con su propia discográfica,  dBpm Records. Y el cambio de aires le ha venido a Wilco de maravilla, oxigenándose por completo y demostrando que a nivel musical hay pocos que le igualen. Por su capacidad melódica, sus filtradas y actualizadas influencias que van desde el folk hasta el country, la música rock américana o el pop más Beatles (las influencias de Lennon-McCartney son más que notables), Wilco se han convertido en un gran grupo de canciones.

Y esa es la principal diferencia que les veo respecto a sus anteriores discos. Si discos como Being There, Summertheet o Yankee Hotel Foxtrot eran discos que mostraban una unidad simbiótica a lo largo de todas sus canciones, The Album o The Whole Love son discos más de canciones, cada una con su propio universo. De buscar la melodía perfecta, la vocalización ideal, la letra justa. Y al contrario de su predecesor, The Whole Love tiene canciones muy logradas, que conectan e implican enseguida al oyente a nivel emocional. Le agitan y le suscitan algo.

Un solo ejemplo, el disco se abre y se cierra de manera espectacular. Comienza con Art of Almost, un tema de siete minutos al más puro estilo “A ghost is born”, pero más contemporáneo, con un toque de electrónica, distorsión y con esos desarrollos de guitarras tan Wilco. Y termina con la canción One Sunday Morning (Song for Jane Smiley´s Boyfriend), una canción muy folk de doce minutos de duración. Y eso, quieras que no, es una declaración de intenciones, Wilco hace un poco, lo que le viene en gana, actúa con seguridad y el conocimiento que le dan sus ya dieciséis años de carrera. Así, dentro, hay lugar para la introspección de Black Moon, el guitarreo festivo de Standing O, u otra vez, las reminiscencias Beatles.

Los de Chicago se han sabido mirar al espejo y seguir hacia delante con un disco que desmuestra las nuevas facetas de lo que musicalmente son ahora. Insisto, más un grupo de canciones que de proyectos corales. Con sus altos y sus bajos. En éste, The Whole Love, la calidad general es más que notable y supone un paso más en el camino de una carrera que ya lleva, según mi opinión, cuatro o cinco discos de factura incontestable. Algo que les hace, sin duda, mi grupo extranjero favorito de los que están en activo.

Cuentan que está acabado, que su tiempo de inspiración huracanada ya pasó y ahora ni siquiera es capaz de llenar estadios. Que lleva años anclado en el esterotipo de caricatura dylanesca y sus apariciones públicas cada vez resultan más sonrojantes. Muchos aseguran que no volverá a firmar discos tan conmovedores como los que maravillaron a propios y extraños a finales del milenio pasado.

Probablemente tengan razón. O no. O quizás vuelva a sorprender y el día menos pensado escriba e interprete canciones como las de antaño, esas capaces de pegar un pellizco en la boca del estómago a la audiencia más sensible.

En la Industrial Copera de Granada apareció la versión hiperactiva de El Salmón. Entregado e impetuoso, arropado por un banda exquisita, Calamaro estuvo más generoso que afinado, siempre en constante experimentación vocal, autoversionándose sin complejos y combinando hiperactivamente guitarra y teclado según lo requiriesen las canciones.

Sin síntomas aparentes de desgaste, y en sorprendente buena forma física, rescató temas del baul de los recuerdos (‘¿Quién Asó La Manteca?’, ’7 Segundos’, ‘Ansia En Plaza Francia’…) y los combinó con éxitos incontestables para la satisfacción y el deleite de los allí presentes.

Un concierto notable, oficioso y profesional que amenizó un divertido Calamaro con palabras dedicadas a Enrique Morente, Joaquín Sabina o, descolocando por enesima vez a todos, Ortega Cano.

Quizás no vivamos sus mejores años, pero el argentino suma y sigue, siempre incesante en su particular homenaje al rock´n roll. A sus cincuenta años, este nervioso músico con mata de pelos agolondrados, sigue sabiendo elegir de entre un repertorio de más de 300 canciones, una veintena capaz de erizarte la piel, palpitar tu corazón y evocar imágenes pasadas, siempre emocionantes. Del músico acabado del que hablan por ahí, por Granada no hubo noticias.

Y de un tiempo a esta parte, parecen usar su idiosincracia desde más allá del bien y el mal, dirigiendo sus carreras a convenciencia y actuando sin desgastarse, eligiendo bien sus apariciones públicas. El concierto celebrado en el “Tinglado 2″, cercano al puerto marítimo de Valencia servía para hacernos una idea del actual estado de sus directos, del estado también de sus carreras.

Para “brochear”  la tarde-noche (los conciertos comenzaron a esto de las siete de la tarde), La Habitación Roja, que es el grupo independiente de más renombre en Valencia, se encargaron de caldear el ambiente y poner al público, aún disperso, “a tono” para los posteriores platos fuertes. Serían las nueve de la noche, cuando Nacho Vegas saltó al escenario. Con tres dignísimos acompañantes, teclista, bajo y batería, Nacho Vegas conformó un show que aunaba en abanico su ya amplio repertorio. Lo mismo cantaba “Que te vaya bien, Miss Carrusel” que podía sorprendernos con otro tema más actual, “Dry Martini S.A” o “Crujidos”, o volvía a sus temas más hondos, “Nuevos planes, idénticas estrategias”, por poner algunos ejemplos. Digamos que Nacho Vegas apostó por un show coral, equilibrado y discreto. Lo cual está bien para todos aquellos interesados en toda su trayectoria o quieran conocerlo generalmente. ¿El problema? La absoluta falta de comunión con el público. El mosaico de espectadores oscilaba desde los más conocedores de sus obras, los fans de nueva hornada (en primeras filas), quién se sabía algún tema suelto y un amplio sector que estaban allí por la gratuidad del evento o calentando motores antes de Los Planetas. Así, todo quedó correcto y a la vez disperso, como cuando te presentan alguna chica con la que poco tienes que ver.

Por su parte, Los Planetas dieron un concierto mucho más personal y arriesgado, apoyado en una sólida conjunción de músicos y en el sonido (muy extrañamente) excelente del recinto. Los granadinos, con un J muy a la altura vocalmente, exhibieron buena música y sonaron como un todo, subiendo la temperatura y los decibelios del lugar. Los que se quejaban de la irregularidad de los de Granada no tienen ahora argumentos para frenar a un grupo que se lo toma como lo que es, un trabajo del que disfrutan. Y son excelentes profesionales.

¿Qué cantaron? Pues lejos de repetir hits en función Karaoke, como han sido muchísimos conciertos del pasado, el grupo apostó por discos menores y temas de la segunda fila. Rescataron temas del irregular “Encuentro con entidades”, algún temas del “Pop” y un comienzo basado en su último disco de comunión flamenca “La Leyenda del espacio”. Se guardaron, como es lógico, cierta artillería pesada para el final (“Un buen día” o “Pesadillas en el parque de atracciones”). Pero eso fue el final. Antes, se habían trabajado cuarenta y cinco minutos de atmósferas marca de la casa y canciones que, supongo, creen merecedoras de reivindicación.

Así, los dos conciertos fueron en cuerpo y forma, distintos, unidos quizás por un aspecto concreto que igual encanta que desencanta a los más antiguos del lugar: La música independiente española y sus grupos punteros se han profesionalizado al máximo, de manera compacta y creíble, y aunque eso le reste riesgo e imprevisibilidad, quizás hasta un punto de personalidad y originalidad, lo cierto es que la música que facturan está bien hecha, suena técnicamente mejor que nunca y está a la altura de cualquier coetáneo de fuera de nuestras fronteras.

Scriers.

El caso es que la rumba cañi del Lichis gustó porque mezclaba a la perfección la voz canalla de este con el duende de la Jiménez, que recién separada se liberó de complejos y deleitó al personal con quejidos de rabia a su paso por cada escenario. Su caso no pasó desapercibido para las discográficas, y desde Muxxic le propusieron grabar un disco basado en el cancionero de Joaquín Sabina. Entre canallas andaba el juego. La Jiménez se sorprendió con un inesperado renacer: “No entiendo bien las razones porque ni yo ni nadie hemos provocado nada, ha surgido” explicaba en una entrevista.

Los hermanos García Pelayo (los mismos que despluman casinos) se hicieron cargo de la producción de un disco que iba a pasar por el filtro flamenco doce temas elegidos de la discografía de Sabina, entre los que había superioridad del 19 Días y 500 Noches, que por entonces había pegado fuerte y del que tomaron prestadas cuatro canciones. A las guitarras de Enrique Melchor y Gerardo Núñez (guitarristas de mucho recorrido) se le sumaron el jaleo y las palmas de las hermanas Heredia y el piano de Pareja-Obregon más la participación de otros muchos músicos del mundillo flamenco. Al proyecto se le sumaron, a modo de colaboración, el propio Sabina, su padrino de renacimiento (El Lichis) y los Estopa, que por entonces eran todo un filón comercial. Tres grandes personalidades para acompañar un disco más que notable.

El resultado fue un traje a la medida de María Jiménez, que anduvo toda la etapa de promoción del disco emocionada con su pequeña obra maestra. Y es que le salió un disco tremendo, que ponía en primer plano su voz cazallera, rota y pasional, que congeniaba de un modo natural con las letras malditas de Sabina. Por aquel entonces, la Jiménez pasaba una convulsa etapa de desamor, la prensa rosa había destapado las infidelidades de su marido (el actor Pepe Sancho) y su separación se firmó en plena época de grabación. Esta circunstancia afectó a la interpretación del disco, que fue recogida, a su estrafalario modo, en una llamativa portada en la que aparecía en un bar de mala muerte, vestida de pavo real, fumando, bebiendo y con el rimel corrido. Todo un retrato de su particular desamor. Al disco de relanzamiento lo tituló ‘Donde Más Duele’ y consiguió un disco de oro en apenas un mes. ¿Cómo fue posible? Pues porque la Jiménez, una de las voces más críticas con la piratería, ideó un plan anticopia ilegal sacando el disco al mercado a un precio de seis euros durante su primera semana en las tiendas. No sabemos si resultó o no rentable, pero María Jiménez volvió al primer plano de las revistas musicales y no tan musicales.  Desde entonces ha grabado otros tres discos, ha sido presentadora de un programa a lo Jesús Quintero titulado Bienventurados y ahora forma parte del jurado de Se Llama Copla.

Como personaje, María Jiménez siempre me ha dado algo de grima. Me resulta demasiado brusca, un poco grotesca y chabacana, pero en el fondo la considero una víctima de una vida en un segundo plano, tragando mucha saliva tras su fracasado matrimonio. Después ha sabido recuperarse de los palos sufridos y caminar hacia delante, con ímpetu. De su etapa más difícil nos dejó este disco, que como abogado del diablo que soy, reivindico por su garra, sinceridad y fuerza, y por el buen gusto de elegir a Sabina como principal compañero de viaje.

Enlaces Relacionados:

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Y claro, uno no sabe hasta que punto hacer caso cuando rebrota uno de esos proyectos que el mes que viene se puede venir abajo. ¿Cuándo seguir la pista en serio? Muy sencillo, cuando sale algo como Varry Brava. Y es que, de los proyecto que les conozco, este es sin duda el más ecléctico, el más personal, el más íntegro y el más divertido. Yo… sinceramente, no sabría definirlos del todo. A veces me recuerdan a los 80 y Golpes Bajos, luego a grupos tipo La Costa Brava, Nudozurdo, en ocasiones música-disco tipo el experimento de La Casa Azul… Ellos sin embargo, parece que lo tienen claro. Por eso, y siguiendo la premisa que desde elclubdelosimposibles buscamos la manera de difundir el arte amateur, sea cual sea su concepción, daremos cabida a su nota de prensa, su primer videoclip (por cierto, muy original) y su maqueta-disco, que estará a disposición de todo aquel que quiera escucharlo.

En primer lugar, podrán escuchar su maqueta-disco (sinceramente, esto ni siquiera parece una maqueta), haciendo clic aquí mismo, su título es Ídolo.

Esta es la nota de prensa que han elaborado ellos mismos:

En verano de 2005, Óscar Ferrer (voz) y aarönsáez (guitarra y teclados), vacilaron con la idea de crear una banda en la que no faltaría baile, diversión, éxito, glamour, champagne, chicas, jacuzzis, hoteles de 5 estrellas y dinero. La unión de Fran Gas (batería y Fede Gas (bajo) en la primavera de 2009 hizo que el proyecto llegara a ser una realidad. Semanas después Vicente Illescas (guitarra) entró a formar parte del grupo. Varry Brava se situó entre Murcia y Madrid y comenzó a andar a pasos agigantados.

Ya de entrada, te sorprenderá el nombre, puede gustarte o no, lo cual ya crea debate. Puedes odiarlos o venerarlos. Puedes bailarlos o simplemente pasar de ellos. La cuestión es que están dando que hablar, y no precisamente a escondidas. Varry Brava es un nuevo concepto musical, fuera de los topicazos musicales, con temas inspirados en el pop español de los ochenta (Radio Futura, Golpes Bajos…), la música disco, el funk, el romanticismo italiano (Lucio Battisti, Franco Battiato) y sin olvidar al movimiento indie más actual, todo ello aderezado por la peculiar voz de Óscar Ferrer y una puesta en escena ciertamente irreverente y atrevida. De momento tienen una sensual portada que recogerá el trabajo de unos temas que prometen comenzar a sonar en las pistas de baile. Y es que sus aspiraciones son claras, divertirse y hacer divertir.

Varry Brava ha obtenido en tan solo tres meses el primer premio del III Certamen de Pop-Rock de Orihuela, ser los ganadores del concurso ‘Ones to Watch’ de MySpace-Vodafone como grupo del mes a nivel nacional; ser elegidos con su primer videoclip “Radioactivo” como video de la semana en SolMúsica, (cadena que va a comenzar a emitir su video); ser elegidos por el público entre más de 1800 bandas como finalista del LevisAwards, lo que les llevará en Noviembre a telonear a Dorian en la Sala Apolo de Barcelona; estar entre los primeros puestos de blogs musicales de todo el país; a ser remezclados por The Leadings (grupo murciano del momento) cuya versión de “No gires” ya suena en todas las salas de Murcia; y a autoproducir su primer LP: “Ídolo” que presentarán en Murcia el próximo sábado 17 en la Sala B a las 23:00 h.

Porque tú quieres ser Varry Brava.

Y éste es el Making Off de la grabación del disco:

¡Ah, y la portada del disco (¿de qué me sonará esa chica?)!

Su próximo concierto el día 7 de Noviembre, en Barcelona, teloneando a Dorian nada menos. Yo quiero ser Varry Brava.

Scriers.

El caso de Jackson es peliagudo. Un chico que sorprendía por su desparpajo popero y su indiscutible genialidad bailando que se vio marcado por un padre autoritario y maltratador que lo dejó con mil y un traumas. Y así actuó luego, de forma extravagante, perdido en su obsesión infantil y sus actitudes de niño caprichoso. Había perdido la cabeza. En la famosa entrevista de hace años en un canal americano se pudo ver un juguete roto, carne de cañón para psicoanalistas. Además, fue acusado de pedofilia, uno de los delitos más repugnantes que existen, seguramente chantajeado por padres chupasangres o vaya usted a saber. Pero extravagancias a parte, nadie le puede discutir su reinado, su trono en el mundo del pop. Jackson fue un grande en el único terreno dónde tuvo que sentirse realmente cómodo y liberado, en la melodía del pop. En ese sentido será imposible reemplazarlo. Se fue un mito ochentero, como tantos otros. El cielo se está quedando sin estrellas.

Hoy les traigo un videoclip en el que participa un enorme amigo mío. Felicidades porque ha quedado bien bonito.

Llegaréis, seguro, a esas 1.000 visitas que pronosticais.

Al Respirar

Te he dejado en el sillón
Las pinturas y una historia en blanco
No hay principio ni final
Sólo lo que quieras ir contando.

y al respirar
intenta ser quien ponga el aire
que al inhalar
te traiga el mundo de esta parte

Te he dejado en el sillón
Las pinturas y una historia en blanco
yo me marcho a otro lugar
puede que el viaje sea largo.

La burbuja en que crecí
Nos vendió comodidad
Y un nudo entre las manos.
yo escogí la ambigüedad
tú el fantasma y lo real
todo en el mismo barco

Y al respirar
Propongo ser quien ponga el aire
que al inhalar
me traiga el mundo de esta parte.

Y al respirar
tan fuerte que se rompa el aire
aunque esta vez
si no respiro es por no ahogarme
Intenta no respirar
Intenta no respirar….

Y al respirar
Propongo ser quien ponga el aire
que al inhalar
me traiga el mundo de esta parte.

Y al respirar
tan fuerte que se rompa el aire
aunque esta vez
Quizá será mejor marcharse
Intenta no respirar
Intenta no respirar

Y como abanderado del buenrollismo, de la música sin fronteras, con influencias un poco de todas partes, Macaco no hace más que lo que tenía que hacer. Seguir esa senda, crear estribillos pegadizos, ritmos bailables y hacerse siempre reconocibles. Y eso es, ni más ni menos, lo que consigue Macaco con su nuevo disco, Puerto Presente.

Ahora, el factor sorpresa ya brilla por su ausencia y el asunto se vuelve previsible, Macaco ha creado una serie de frases que parecen destinadas a su propio público, los “rastaguays”, hippies, buenrollistas y demás estereotipos, a los que encima yo hago caso. Ojo, sin ningún ánimo despectivo. Es más, creo que es el disco que más me gustará del grupo. Da gusto reproducir este disco durante un viaje a la playa, se agradece por sus ritmos cálidos, por sus coros, su abrazo musical. Ponerlo de fondo en una congregación de colegas y escuchar frases como “Somos, una marea de gente, todos diferentes, remando al mismo compás”, que dice en Mensajes del agua, no puede sino hacer sonréir. No son las únicas alusiones al poder de la naturaleza, del amor, de los sentimientos… del mundo libre. Más ejemplos: “Si el mundo está roto, tu carcajada me pone en píe”, dice en la pegadiza presentación, “Nunca es demasiado tarde, para comerte la vida de un solo bocao”, Puerto Presente, en dos escuchas se agarra a tu cerebro como una garrapata en las orejas del perro. Y así, podríamos exponer más ejemplos, Moving o Amor marinero. Mi tema favorito se llama “La ley del uno”, una batería de preguntas acerca del amor con una narración magnífica de Jon Sistiaga, uno de los mejores reporteros de guerra del país.

En esta ocasión, la fusión está menos presente que en antaño y muchas canciones sigue el mismo patrón: Medios tiempos, entre el funk, pop, reggae y pequeños retazos de hip hop, algunas frases y narraciones intercaladas (Aquí aparecen los actores Javier Bardem y Alberto San Juan como narradores), positivismo, marcado acento vitalista, y ruiditos, muchos ruiditos. Sintetizadores, timbales, tratamiento por ordenador asegurado.

Y es que Macaco, se ha líado la manta a la cabeza y ha resuelto: Será el grupo emblema de su movimiento, adoptará su pose más cercana al Che y vociferará su mensaje vitalista, naturista y mestizo hasta cualquier rincón del universo que se deje, multiplicará su mensaje de otra vida más auténtica, más natural… Pero lo hará desprendiéndose de la capacidad de sus músicos para buscar tierra virgen, bajo los patrones que ya conocemos, sin riesgo, sin sorpresas, sin esa capacidad elástica que caracterizó al grupo en sus comienzos, es decir, directos irremediablemente hacia el éxito.

Descarga directa Macaco – Puerto Presente.

Crítica en Ojos de papel, con la que comulgo bastante.

Scriers.

Vamos, al cuello… que a mi me encanta la canción