El tomo, lo ha sacado panini a un precio más que razonable, (16,95), en tapa dura y con una calidad impecable. Lo que en USA se ha llamado Astonishing Spiderman & Lobezno es un proyecto guionizado por Jason Aaron (Lobezno, Punisher..) y dibujado por uno de nuestros dibujantes favoritos, Adam Kubert (en realidad, toda la familia Kubert nos gusta).

¿Y de qué va esta miniserie o novela gráfica? Pues es una historia de saltos temporales que implica a Lobezno y Spiderman y de la cual al principio no se sabe nada, y se van descubriendo detalles a medida que transcurren las páginas. El punto de partida es magnífico, Lobezno y Spiderman se encuentran en un mundo prehistórico, enfadados el uno con el otro, tratando con las especies animales que habitan la tierra. Al mismo tiempo que intentan buscar un remedio que les lleve de nuevo a su “era”, un meteorito amenaza con extinguir la vida en la tierra. Pero lo que en un principio tiene una ambientación prehistórica, luego se transforma, y ya al final del primer número podemos ver el primer salto temporal… a un futuro robótico. ¿Quién maneja estos saltos temporales y por qué? ¿Quién pone a prueba a los dos superhéroes? Pues se trata de averiguarlo.

Tras haberlo comprobado, y tranquilos, no hay spoilers, he de decir que me ha decepcionado bastante. Creo que la trama y justificaciones de la acción están al servicio de la espectacularidad visual y narrativa de Adam Kubert, excepcional cuando no tiene plazos de entrega y puede dedicarse, a su ritmo, a realizar el trabajo. Su trabajo gráfico bien justifica este tomo. Desde planos generales a momentos caricaturescos, otros más barrocos, y algunas flahs page que quitan el hipo. El trabajo de Jason Aaron sin embargo es más discutible. Aunque es cierto que domina muy bien los cliffhangers, y que mantiene la tensión en cada episodio, abusa del tono desenfadado de la serie, incluso teniendo en cuenta que, se supone, están lidiando con situaciones límites. A veces resulta demasiado forzado.

Sin embargo, hay algo que, según mi opinión, salva el experimento. Al final Aaron hace una reflexión, camuflada y en clave “metacómic”, sobre el sentido del espectáculo en las historias y cómo esto influye a sus personajes y sus historias. En el fondo, es una crítica a la industria del espectáculo, y en concreto, a la industria del cómic. Y lo hace utilizando sus códigos y logrando una miniserie espectacular, pero de vago contenido. El héroe desolado y la industria que no para, un gran guiño, que supongo intencionado.

En fin, un buen regreso a los tebeos de superhéroes, con una delirante historia de saltos temporales, dos personajes de indudable tirón comercial y una reflexión interesante sobre el uso de los personajes para satisfacer al público. A los puntos, me vale, pero se echa en falta un poco más de riesgo, dadas las condiciones de libertad con las que se pretender dotar estas novelas gráficas.

Hay obras que a uno le dejan muy mal sabor de boca, y no tiene nada que ver con que sea de mala calidad. El último cómic que he leído, “La vida secreta de los jóvenes”, de Riad Sattouf, pertenece a esa estirpe.

¿De qué trata este cómic? Pues bien, Sattouf, autor parisino al que le editaron este cómic cuando tenía justo 30 años, publicaba pequeñas historias, anécdotas, situaciones que sucedían en el marco de su vida y su entorno en una revista francesa, Charley Hebdo. En ellas, destripaba al ser humano y a lo peor de sí mismo, describiendo lo que veía y transcribiendo lo que oía en las calles, en el metro, en los bares… Eso es “La vida secreta de los jóvenes”. Conversaciones y situaciones elegidas especialmente para mostrarnos los límites del ser humano, su absurda y ridícula manera de comportarse, sus propias incongruencias, su amoralidad.

Y sí, el ser humano, retratado desde la multiculturalidad de París, puede demostrar en no pocas  ocasiones lo peor de sí mismo. Cierto es que el autor muchas veces se queda en lo cómico, pero la gran mayoría de páginas (son historias de una sola página) nos muestra lo individualista, crueles e hipócritas que somos en nuestro comportamiento como muchedumbre. Mirado en conjunto, “La vida secreta de los jóvenes” es un cómic doloroso, porque nos enseña lo que no nos gusta ver de nosotros.

Sattouf no hace filtros en su ataque, se ceba con todos, ya sean mendigos, pijos, inmigrantes, familias desectructuradas, adolescentes, viejos, da igual… a todos les atiza partiendo de la anécdota, de lo más mínimo. Y este retrato superfluo, por acumulación de páginas, coge algo de hondura. Lo peor de la sociedad occidental, está aquí recogido.

Personalmente, lo considero un cómic interesante, pero peca de ventajismo al elegir solo lo malo (hubiera sido interesante contraponer situaciones) para dejarnos mal cuerpo.  Obviamente, le faltaría una visión más amplia. No nació con ese objetivo, es cierto, pues su propósito ya lo cumple (solo hay que ver mi reacción), pero le exijo un poco más a un cómic de 15 euros por el que has hecho una inversión. Como toma de contacto con el universo Sattouf, eso sí, es un buen ejercicio, a este hombre no le gusta mucho el hombre y para la próxima vez, estaré mejor preparado.

Partiendo de esta base, los títulos mutantes que se han llevado a la gran pantalla (X-Men, X-Men 2, X-Men: La Decisión Final, X-Men Orígenes: Lobezno y X-Men Primera Generación) guardan una provechosa coherencia temporal. Respetan los personajes originales en la medida de lo posible -los rejuvenece o envejece según el contexto-, sigue las premisas (muy básicas) del comic e incluso comparten escenas entre sí.

X-Men Primera Generación sitúa la acción en los años sesenta, cuando un joven Charles Xavier perfecciona su telepatía y comienza a investigar la existencia de seres con poderes sobrehumanos relacionados con mutaciones genéticas. En esa misma época conoce a Erik Lehnsherr (Magneto), un ex-refugiado polaco que intenta averiguar el paradero del asesino de su madre, que no es otro que el malvado Sebastian Shaw. A partir de ahí se desarrolla la acción, con dos grandes grupos enfrentados, aquellos que siguen a Shaw para perpetrar su plan apocalíptico y los que apoyan a Xavier y la CIA en favor de una convivencia pacífica entre mutantes y humanos. Entre uno y otro, se encuentra Magneto.

Matthew Vaughn (Kick Ass) parte de un idea de Bryan Singer -la clásica confrontación entre mutantes y humanos- para contarnos un espectacular e intrépido relato en torno a una posible III Guerra Mundial que, si bien al principio recuerda a las películas de espías (tipo Bourne o James Bond), finalmente desemboca en un mano a mano entre héroes y villanos al más puro estilo Marvel, con secuencias de acción vertiginosas en las que, a pesar de nortarse el ordenador más de lo recomendable, trasladan al espectador a las páginas de cualquier comic de los X-Men. Son momentos de gozo y disfrute para cualquier seguidor de sus colecciones.

Dentro de su género, X-Men Primera Generación es una fantástica película que reúne todas las cualidades exigibles a un blockbuster veraniego, tiene chispa, tensión y efectismos a raduales, virtudes que se complementan con una elegante ambientación en los años sesenta y con su inusitada hondura en los diálogos (la relación Xavier-Magneto es tan profunda como en el comic).

Ahora que las películas superheróicas entran en una segunda fase (la del desarrollo de sus franquicias), una película como la de Vaughn sirve para augurar un porvenir saludable y duradero. Sin síntomas de agotamiento, y tras superar la presentación de sus personajes, es precisamente ahora, cuando la saga de los X-Men se pone interesante.

Pero una vez más, mis prejuicios fueron erróneos. “Namor, en las profundidades” es un cómic de género, inmiscuido en el camino que va del suspense al terror psicológico, con una estructura sólida y que se asienta en la antagonía ciencia-fe, fe-ciencia. Ese es el tema, ¿creer o no creer? El plot, que es muy sencillo y mil veces ha sido empleado hasta la fecha (quizás, este sea su punto más deficiente), habla de una expedición submarina que acude a la llamada de socorro de un submarino anteriormente perdido en las profundidades. Para liderar esta expedición, los responsables gubernamentales contratan al aventurero Randolph Stein, un experto en demostrar que la inexistencias de mitos y la peligrosidad de la mente humana como creadores de monstruos. Científico hasta la muerte, Randolph tendrá que enfrentarse con su tripulación, marinos de toda la vida que creen en la leyenda de Namor, el príncipe de Atlantis.

Pese a que suena a refrito y recuerda a Esfera, Alien o incluso Horizonte final, lo cierto es que el cómic me ha hecho pasar un buen rato gracias a una de las virtudes que siempre les valoro a determinadas obras: La paciencia. Este cómic se toma todo el tiempo del mundo para construir una tensión, una intriga, un conflicto y una solución. Y así, ves como este submarino va, poco a poco, metiéndose en la boca del lobo y enfrentando dos amenazas igual de terroríficas: La que tiene que ver con la influencia de las bajas profundidades en el ser humano (la presión del oxígeno, los miedos y ánimos alterados) y la propia amenaza de Namor, el gran protecto de Atlantis, que no dudará en hacer lo que sea para salvaguardar su pueblo.

Otro acierto del cómic: A Namor apenas se le ve, casi ni aparece. Pero sin embargo, está siempre presente. Cede el protagonismo pero sin perderlo del todo. Eso es un recurso enorme para generar tensión. Y lo consigue, uno llega a temer por esa expedición y hasta se pone nervioso. También destacaría la reflexión moral de fondo que trata el cómic, el cómo algunas ideas están tan interiorizadas que no las cambian ni las circunstancias, protegiéndose de cualquier manera. Es simple sí, pero es que el cómic saca partido a todas sus piezas encajándolas con coherencia y buen hacer. Hasta el dibujo me apasiona al final del mismo.

He leído muchas críticas hacia este cómic, algunas feroces. No creo que se trate de innovar ni que este cómic lo pretenda, tampoco es un ejercicio para recuperar a Namor de su ostracismo. Este cómic no está para eso, persigue otras cosas, tiene más de relato que de cómic de superhéroes. Y por lo que pretende y se aventura es por lo que tiene que responder, no por una cosa que no es ni quiere llegar a hacer. Y en ese sentido, el cómic responde óptimamente y funciona, y además, me hace entender nuevamente que de prejuicios no puede vivir el hombre. Un acierto.

Scriers.

Ya lo veíamos venir, la escasez de ideas de Holliwood y el boom de la novela gráfica, o tebeos, o cómics, como quieran llamarlo, iba a desembocar en la adaptación de algunos de los títulos más interesantes de los últimos años. Uno de ellos es Surrogates, la obra de Robert Venditti y Brett Weldele.

De la mano de Jonathan Mostow, director de “Terminator 3″ o “U-571″ (no es que sean los mejores antecedentes del mundo), Bruce Willis vuelve al primer plano de la ciencia ficción con una historia que se nos antojaba en su tiempo, fresca y bien conducida. El trailer deja entrever una ambientación mucho menos oscura, calles radiantes y limpias, un futuro no más cercano del que yo imaginaba el cómic y la “perfección” corpórea de una sociedad en la que la imagen prevalece sobre muchos otros valores.

La pregunta es… ¿Querrán “Hollywoodizar” el proyecto o respetarán la esencia y trascendencia filosófica del cómic? A mí desde luego la ambientación no me convence y tampoco del todo el trailer… Sin embargo, no puedo evitar sentirme atraído por la idea de que Surrogates será una película en poco tiempo. ¿Quién lo diría hace años a un seguidor de cómics? La crisis de guionistas y la baja calidad media de los proyectos, obliga a las grandes productoras a revisar las novelas gráficas u ofrecer remakes. Si esto se lleva con profesionalidad e inteligencia, pueden salir grandes películas, pero si se trata sólo de dinero…

SURROGATES trailer in HD

Scriers.

Will Eisner es, para el mundo del cómic, un personaje fundamental dentro de su propia bíblia, una de esas cabezas pensantes que desarrollaron las ideas básicas con las que se regiría la industria, y también con las cuales posteriormente se desarrollaron multitud de obras admiradas y respetadas. En su haber, Eisner es ultraconocido por la creación de Spirit y Mr. Mistic fundamentalmente, allá por los años 40 y 50 y por desarrollar la considerada primera novela gráfica de la historia del cómic, Contrato con Dios, un cómic casi autobiográfico de la vida del Bronx en los años 30 (allí vivió su infancia este autor).

Pese a haberlo leído ocasionalmente durante años (la obra de Eisner ha aparecido en muchos formatos y en diversos medios), lo cierto es que nunca me aproximé a su obra con esmero y quietud. Así que el otro día me decidí y adquirí por quince euros (un precio quizás excesivo para un formato que no llega a ser pasta dura) “Pequeños milagros”, una novela gráfica que aúna cuatro relatos sucedidos, como no, en el Bronx, y que combina costumbrismo con fantasía. Por eso precisamente, son pequeños milagros sucedidos en un ámbito cotidiano.

Las cuatro historias son diferentes entre sí, independientes, irregulares en cuanto al número de páginas e incluso en su estructura formal, así que más vale describir una a una cómo son.

La primera se llama “The miracle of dignity” y habla de lo relativo que son los conceptos absolutos, y como se deforman y se juega con ellos según nuestras propias circunstancias. Se refiere el autor a valores como la honestidad, el honor, la palabra, el bien, el mal… etc. Es la historia de un hombre que pasa del éxito al fracaso de manera reversible en muy poco tiempo y es una historia que te invita a la reflexión. Excelente.

La segunda se llama “Street magic”, una historia de apenas cuatro páginas que para mí encierra lo mejor de esta novela gráfica. Una historia original, que juega con las emociones del lector y resuelta con extraordinario talento. Probablemente, también, autobiográfica. Una historia que narra, desde la sencillez, la dificultad de integrarse en un barrio en el que impera la ley del más fuerte, un barrio peligroso, marginal y en el que sólo sobreviven los más capaces o aquellos que se las ingenian para salir indemnes. Excepcional.

La tercera se llama “A New Kid in the Block” y recuerda a las viejas fábulas de Washington Irving (ahora que lo pienso, la primera historia de este tomo también), se trata de la historia de un niño que aparece por el barrio sin saber hablar, escribir, expresarse… En definitiva que no tiene costumbres sociales adquiridas y que encierra una cruel historia. Esta historia es la más ambiciosa y también la más “Eisner”, dónde juega con las miserias y las bondades del ser humano hasta conseguir que sus personajes se construyan por sí solos su propia historia, llevado en volandas por sus características principales. Excelente también.

y la última, “Special wedding ring” es, sin duda, la que menos me ha llegado y la que veo más simplista e intrascendente. Cuenta el encuentro entre dos personajes singulares, y los condicionantes de su alrededor.

Lo más meritorio de este álbum reside en que su autor editó este álbum con 82 años, justo cinco años antes de morir. Desde mi punto de vista, el mundo de Eisner es grande, muy grande. ¿Por qué? Porque cuando te presenta a los personajes dentro de su propio universo, parece como si te adentraras en un mundo que ya está en movimiento, como si quisieras entrar dentro de un tranvía en marcha, con sus reglas sociales ya establecidas y cuyas causas y consecuencias son absolutamente naturales, producto de la forma en las que sus personajes entienden la vida ¿O acaso en el primer relato no se adivina ya que va a pasar con los personajes y qué consecuencias les esperan? Eisner encuentra su excelencia en presentarnos el mundo tal y como es, un mundo, desde luego, tal y como a él le tocó vivirlo, desde la óptica de contrastes que te puede dar una vida en el Bronx, dónde repito, las bondades y miserias del ser humano quedan al descubierto. Como paralelismo, se me ocurre que Giménez y su guerra civil son el Eisner y su Bronx en versión española. ¿Verdad?

Un álbum que bajo el pretexto de mostrarnos pequeños milagros no hacen otra cosa sino demostrar el milagro que fue tener a Will Eisner entre nosotros, el auténtico impulsor de la Novela Gráfica y uno de los pioneros en dignificar el mundo del cómic. Qué lástima que te fueses, maestro.

Scriers.

David Boring es un de las principales obras de Daniel Clowes, autor que pasó del anonimato a la popularidad debido a la adaptación cinematográfica de otra de sus creaciones, Ghost World. Desde entonces sus obras publicadas han gozado de un éxito considerable y ahora es un autor de culto alabado y respetado.

En tres actos, Clowes nos cuenta las andanzas de David Boring, un joven guardia de seguridad que deambula por la vida entre la apatía y la desidia. Comparte piso con Dot, una íntima amiga a la que cuenta sus secretos y sus impresiones sobre la vida. Un buen día recibe la visita de un amigo de la infancia, Withey, que llega para quedarse a vivir con ellos. Esa misma noche van a un bar, David y Withey acaban pasando la noche con unas chicas, cada uno por su cuenta. A la mañana siguiente aparece el cuerpo sin vida de Withey. A partir de ese momento, David y Dot se ven envueltos en una macabra y compleja historia que combina el amor, relaciones familiares, envidias, engaños, personajes extravagantes y situaciones inverosimiles. Todo envuelto en un halo constante de mediocridad y venganza.

Clowes utiliza una galeria de personajes muy estrambóticos y variados. Todos ellos desfilan por las páginas del comic con más pena que gloria, persiguiendo unos objetivos que casi nunca cumplen. El autor plasma así una gran cantidad de actitudes y hechos miserables que hacen ridiculizar al género humano hasta límites vergonzosos. Las innumerables referencias a las miserias humanas; asesinatos, envidias, venganzas, incestos… hacen al comic tan imprevisible como emocional. Es una de las peculiaridades de Clowes, la capacidad que tiene para trasgredir al lector con esos personajes tan descontentos con su existencia. Y otro aspecto importante, a lo largo y ancho de las viñetas la obra respira muchas páginas de sexo, de tensión sexual que hace mella en los personajes principales.

Todavía no se muy bien el porqué, pero la obra atrapa, te invita a seguir leyendo hasta el final. Quizás esas situaciones rimbombantes, inesperadas y por momentos absurdas sirven de buen hilo conductor hasta llegar al final. La narración de la obra es excelente y el dibujo…bueno.. el dibujo es… Clowes. ¿Cómo lo definiriamos?..mmm es por momentos estático pero a su vez ágil, sencillo pero no simple, a veces pseudoinfantil de aspecto pero a su vez adulto de definición. Bueno, en fin, es un estilo tan contradictorio como su propia obra o su propio autor.

Por lo tanto, David Boring no es un comic fácil de leer, tienes que ser poco escrupuloso a la historia de leer comic, simpatizar con situaciones un poco enfermizas y empatizar con el fracaso. Yo, personalmente he disfrutado mucho con el comic, pero no miréis con cara rara..jeje.

El tomo, editado por La Cúpula, se publicó originalmente en el año 2002 y va ya por su tercera edición, lo que nos puede hacer una idea de que funciona bastante bien a nivel comercial. Se convirtió en la mejor obra extranjera en el Salón del Comic de Barcelona, allá por el 2003. Clowes lleva ya años encandilando a crítica y público. Cada vez más venerado, este año editó ICE HEAVEN obteniendo unas excelentes críticas. Quizás su reseña aparezca por aquí de la mano de Scriers.

PD: Para quien esté interesado y quiera saber algo más del comic, he encontrado una página web con un curioso trailer sobre la obra, dejo el enlace aquí:
http://www.randomhouse.com/pantheon/graphicnovels/flash.html