El sueño americano. El término acuñado por James Truslow Adams que entendía que la prosperidad depende de las habilidades del individuo y su trabajo personal olvidó el significado de la palabra felicidad (satisfacción, gusto, contento, según la RAE). Ignoró lo difícil que es conseguir la autorrealización o la felicidad con uno mismo dentro del orden social establecido. Durante décadas en EEUU se asoció el éxito laboral con el personal. Es más, la sociedad occidental sigue, quizás inconscientemente, defendiendo esta teoría, al menos en la práctica. Personas que, según los cánones reinantes, lo tienen todo, luego sufren una brutal angustia interior. Todd Solondz, siempre provocador en sus formas, dirigió en 1998 Happiness, una atroz sátira social que zarandeaba los cimientos del sueño americano. Lo hacía a través de una familia preocupada por las apariencias que veía desmoronarse su ídilica estampa al toparse con una realidad palpable, la de la frustración de sus componentes, su infelicidad, sus demonios interiores. De paso, Solondz trató con diabólica naturalidad temas tabú hasta entonces poco tratados en el cine. Luego, de forma indirecta, influyó en títulos tan dispares como American Beauty o Ice Heaven. Si no le llegó el éxito comercial fue porque Happiness rebasó reiteradamente la línea de lo políticamente correcto, porque el sórdido humor de su guionista y director no comulgaba con academicismos. Tras Happiness Solondz repitió fórmula una y otra vez hasta caricaturizarse a sí mismo y convertirse en un autor tan aclamado como odiado. Por contra, nunca superó esta ingeniosa película coral, un delirante y provocador relato sobre obsesiones ocultas, un audaz tratado sobre la infelicidad.

Enlaces Relacionados:

- Happiness en Dvdrip

Curiosidades:

- El cartel de la película es obra del dibujante Daniel Clowes, un autor muy en consonancia con la estética Solondz.

- Ganó el premio de la Crítica en el Festival de Cannes y fue designada como mejor película en el de Toronto.

- Philip Seymour Hoffman ya daba muestras de su talento interpretativo. Un secundario de lujo.

- La nueva película de Solondz parece ser “algo parecido” a una secuela de Happiness

Trailer en inglés:

Me he enganchado a otra serie. Soy insaciable. Esta vez he elegido Hermanos de Sangre (Band Of Brothers), la serie de la HBO coproducida por Steven Spielberg y Tom Hanks y que narra la historia de la compañía de paracaidistas Easy como parte del ejercito de los EEUU durante la Segunda Guerra Mundial. Básicamente, se trata de un producto de ficción bélica (basado en hechos reales, pero con licencias históricas) muy en la línea del film de Spielberg Salvar Al Soldado Ryan, pues repite la tonalidad del mismo. Incluso parte de un comiezo similar, el Desembarco de Normandía y la llamada Operación Overlord. El episodio piloto cuenta la formación e instrucción de la compañía Easy meses antes de afrontar el desembarco. A partir del segundo capítulo, y a modo de episodios autoconclusivos, nos cuentan diversas misiones  basadas en su mayoría en el libro Band Of Brothers del historiador Stephen Ambrose así como en entrevistas realizadas a militares veteranos.

En Hermanos de Sangre priman las formas. La factoría Hank-Spielberg parece haber dado instrucciones muy claras sobre cómo debe ser la estética de la serie. Por ello, a lo largo de sus diez capítulos, y a pesar de tener nueve directores diferentes, da la sensación de seguir un mismo patrón, el del hiperrealismo de la batalla. Un tremendo esfuerzo por aunar puntos de vista y recrear fielmente el enfrentamiento entre aliados y nazis. Lo que se relata es una contienda cruda, sangrienta y descarnada. Y de telón de fondo, la misma cuestión de siempre en este tipo de producciones; el sinsentido de la guerra. Porque asistimos, episodio tras episodio, al día a día de una compañía de soldados que va perdiendo efectivos conforme transcurren las batallas y como así, a través de sus contiendas constatamos la humanidad de estos peones de guerra. Maquinas de matar que pueden ser valientes y leales, pero que en combate, como humanos que son adoptan cualquier tipo de reacción: euforia, nervios, ansiedad, bloqueo, ira.. instintos que aparecen fruto de una situación anómala y deprimente como es la guerra y el estado de excitación máxima que provoca.

Hermanos de Sangre es un ejercicio de cine antibelicista que fue realizado por algunos de los mejores profesionales del medio. Los actores principales (Damian Lewis, Ron Livisgston, Matthew Settle, Michael Cudlitz o Neal McDonough) no eran muy conocidos para el gran público (una de las premisas de los creadores) pero la mayoría tenía a sus espalda un estupendo curriculum en cine y televisión. Los directores elegidos no se quedaban atrás, ya que Richard Loncraine o Mikael Salomon, por citar un par de ellos, tenían experiencia en proyectos de envergadura cinematográficos. Incluso Tom Hanks guionizó y dirigió algún episodio. De este modo, la impecable factura técnica y el notable reparto ayudan a dar credibilidad a una miniserie que puede considerarse como la más interesante dentro de su género.

Hablando con Fer, éste me decía que echaba de menos cierta continuidad, que el formato de episodios autoconclusivos restaba emoción a la historia. Yo en cambio, veo coherente el sistema utilizado, ya que el baile de directores sugiere adoptar una fórmula que da pie a firmar episodios redondos. Tan sólo he visto los cinco primeros. Suficientes para medir la calidad de una miniserie que merece mucho la pena y que invita al espectador a hacer un poco de historia e interesarse por aquello que pasó en las costas francesas.

En Vaya Tele la coronaron como la mejor serie del siglo XXI, encabezando una muy discutible lista. A su vez, ganó el Globo de Oro a la mejor serie televisiva y seis premios Emmys en diferentes categorías.

En cualquier caso, los que disfrutaron con Hermanos de Sangre están de enhorabuena, pues poco falta para el estreno de The Pacific, otra miniserie de Dreamworks y HBO que, siguiendo la fórmula de su predecesora, relatará la batalla de la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico. La historia será completamente independiente y la emitirá en España Canal Plus. Consta de diez episodios y ha tenido el privilegio de contar con el presupuesto más grande de la historia de la televisión para una miniserie (200 millones de dolares). Una garantía de éxito teniendo en cuenta los precedentes de Salvar Al Soldado Ryan y la propia Hermanos de Sangre. Hanks y Spielberg siguen facturando el mejor cine bélico del siglo XXI.

Enlaces Relacionados:

- Hermanos de Sangre en streaming

- Hermanos de Sangre en Descarga Directa

- Ficha de Hermanos de Sangre en Filmaffinity

- Gran análisis en La Segunda Guerra

Trailer en inglés:

Pero para describir la esencia del mismo es imprescindible hablar del lugar dónde ha sido concebido, Nashville. No es ningún secreto que Quique González se ha ido acercando progresivamente a la música americana, folk, blues, country… y que esa evolución se ha visto disco tras disco refrendada. Todo empezó con “Kamikaces enamorados”, continuó con “La noche americana” (más claro imposible) y encontró algunos ecos en “Avería y redención”. De ese affaire que se ha ido desarrollando en toda su carrera, y estoy seguro que Quique González escucha a músicos como Will Oldham, Andrew Bird, Josh Rouse, los Caléxico, Wilco y tantos otros, ha surgido un disco plagado de arreglos y detalles “a la americana”.

Da la sensación de que su autor ha querido, por una vez, darse el homenaje. Se ha ido a Nashville después de coleccionar un buen puñado de canciones y las ha grabado como hacen sus influencias, con grandes músicos detrás, aportando años de experiencia a cada instrumento y una redondez incuestionable. Con Brad Jones como productor y un elenco de músicos conocidos en el ámbito de la música de autor americana (Al Perkins, Will Kimbrough, Chris Carmichael, Pat Buchanan, Doug Lancio, Jen Coomer, Tyson Rogers…) , el disco suena  limpio, exageradamente bien arreglado y con mucho gusto. Cada guitarra, peda steel, batería, guitarra acústica, cada instrumento tiene una historia y un porqué, no hay elementos gratuitos.

Pero fijémonos en el disco. El tono vuelve a ser sosegado, se arrima más a “Kamikaces Enamorados” o “Salitre” que a “La noche americana” o “Avería y redención”, y sin embargo, tiene personalidad propia. Y he aquí uno de los méritos, Quique González ha sabido darle a cada una de sus aventuras discográficas personalidad propia dentro de un universo reconocible. Es decir, es él, pero es diferente, quizás sólo de una manera superficial, liviana, pero diferente al fin y al cabo.

En este disco, adquiere importancia las distancias cortas. Apenas hay guitarreo, ni riffs ni nada parecido. En todo el disco, sí, en todo el disco, existen los medios tiempos (quizás la más rockera es “Restos de Stock), todas las canciones son cercanas, su juego de seducción es lento, como un blues que te va embrujando. Sin embargo, se ha preocupado de que todas las canciones suenen distintas, son reconocibles por sí solas.

Otro aspecto a destacar es el de las letras. Quique González ha estado especialmente inspirado para este disco. Hay muchas frases para el recuerdo, muchos juegos de palabras, no resulta nada obvio, se desnuda y es valiente con algunas de sus exposiciones sentimentales, llegando a la ingenuidad o al extremo realismo. Dentro de un contexto en el que todo me parece de calidad, más o menos, “Daiquiri Blues”, “Cuando estés en vena”, “La luna debajo del brazo” o “Riesgo y altura” me parecen los temas más redondos.

Dejando a parte la fenomenal versión de Jose Ignacio Lápido, convenientemente rescatado por Quique González, “Algo me aleja de tí” al piano suena excepcional.

Y así, confesando a toro pasado que le cogí una época cierta manía al personaje de Quique González cuando se alió con Pereza para hacerse el malote y hablar siempre de chicas, de polvos de una noche y de noches de desenfreno (sólo hay que revisar sus entrevistas), con este disco, me reconcilio con su personaje y sobre todo, me convenzo de que lo de Quique González es una carrera coherente, de buen gusto, bien pensada y mejor ejecutada. El experimento Nashville, que le acerca más que nunca al cantautor americano, le ha salido redondo.

Quique González – Daiquiri Blues en descarga directa.

Scriers.

Basada en una novela de Robert J. Sawyer, FlashForward parte de un interesantísimo plot para dar rienda suelta a una historia de conspiraciones contra la humanidad que huele desde lejos a un final con explicación política. Ya veremos. La situación de partida resulta realmente atractiva: ¿qué sucedería si todos los habitantes del planeta perdieran la conciencia durante 137 segundos? ¿y si en dicha pérdida de conciencia cada cual pudiera divisar un momento del futuro? ¿y si ese momento futuro se correspondiera con lo que sucede justo dentro de seis meses?

Lo interesante de la coyuntura reside en como condiciona conocer el futuro a cada protagonista. Los que divisan un porvenir placentero se relajan y se dejan llevar por la situación, viven felices. Aquellos con una visión perjudicial son presos de la ansiedad por modificar su futuro, se replantean su propia existencia y luchan contra su propia infelicidad. Los hay aburridos con visiones intrascendentes y algunos, los que no perciben nada, temen que el futuro próximo no exista, pues están condenados a una muerte cercana. El modo de recrear esa obsesión, esa ansiedad social en la cual todos viven condicionados por un futuro que realmente no se sabe hasta que punto puede ser cierto es sin duda un tanto a favor de los guionistas. Los giros argumentales, estrategicamente dosificados, descubren un conciezudo trabajo a modo de puzzle. El rompecabezas de tener tantos frentes abiertos no resultará fácil de encajar, aunque revisados los primeros cuatro episodios, todo parece calculado, todo engancha.

Lástima que FlashFoward desprenda esa sensación de superproducción por encargo tan artificial, tan influenciada por éxitos anteriores. Repasemos su base; todo parte del caos para ir cobrando sentido paulatinamente. Por tanto, el inicio de la serie, así como muchos de sus enredos, podrían pasar sin complejos por una secuencia de Perdidos, con protagonista tozudo incluido. La fórmula se repite porque está comprobado su éxito, eso sí, con actuaciones más endebles. Demasiados esterotipos, demasiados clichés. Abrams buceaba en el lado oscuro de los protagonistas huyendo de predecibles prototipos y buscando la sorpresa mayúscula, Goyer no hila tan fino. El reparto, saturado de actores de teleseries, no convence, no emociona, no es creible.

Aprovechar el momento actual post 11-S (EEUU todavía intenta superar sus temores) con una trama que comienza con una catástrofe y que parece que nos guiará hacia un complot corporativo es otro de los cebos de esta superproducción que ha conseguido audiencias tremendas (12,41 millones de espectadores) en tierras norteamericanas. Lógico, la paranoia conspirativa es allí un temor arraigado.

De momento, la habilidad de los responsables de esta historia que camina entre la ciencia ficción y el género de catástrofes, me mantiene atento a sus próximos episodios. Pero la experiencia nos muestra que estos productos suelen sufrir un derrumbe tan repentino como su poderosa aparición. Prison Break, Héroes o El Mentalista sufrieron el desgaste del tiempo y la incoherencia de alargar en la parrilla algo que guión en mano nopodía sostenerse. Por explotar la gallina de los huevos de oro estos seriales acabaron olvidados y vapuleados por sus propios seguidores. FlashForward, cuya primera temporada estaba concebida para 13 episodios, ha sido ampliada a… 25!! Mal asunto.

El destino está escrito; dentro de seis meses la audiencia de la serie se reducirá a la mitad. Alargará su agonia un par de años y se cancelará por el descontento de su baja audiencia. Forzar el guión siempre fue un mal negocio, pero la avaricia y el resultadismo domina Hollywood. Todo se irá a pique. Es mi FlashFoward sobre FlashForward.

Enlaces Relacionados:

Descarga Directa de FlashForward en DvdRip

Pintaba bien, y era, además, la oportunidad perfecta de hacer una película seria, con un guión serio y un transfondo serio, sobre un personaje de Marvel. “Rendíos, críticos”, estaba dispuesto a exclamar.

Pues no. No sólo eso, sino que todo lo que rodea esta película dan mil y un motivos más a los detractores del cine de superhéroes para justificar sus motivos. Aquí, bajo la premisa de ser el origen de Lobezno (algo que en el cómic nunca se sabe a ciencia cierta), se mezclan situaciones, personajes y tiempos para realizar un film de acción espectacular a nivel visual, pero vacío como un agujero negro en su plano argumental y en el transfondo de la película.

Aquí, Logan y Creed, hermanos de sangre, sobreviven a todas las guerras de la historia hasta llegar a un cuerpo de soldados de élite dirigidos por el gobierno, dónde su estrecha moral y métodos sanguinolentos y asesinos, obligan a Logan (mucho más que un animal) a abandonar su disciplina. Con el tiempo, alguien regresa para asesinarlos a todos, y entre ellos, a la “novia” de Logan, una mezcla de su verdadero amor en los cómics, Mariko, con Jean Grey. Buscando venganza (al más puro estilo Jean-Claude Van Damme), Logan se deja convertir en Lobezno, en cuya transformación se esconde un terrible secreto. Lo suyo es un banco de pruebas para formar soldados indestructibles y construir el arma definitiva, Arma XI.

Existe tanta libertad creativa con respecto a los cómics, cómo situaciones forzadas en relación al argumento. La relación entre Creed y Logan, la ridícula y vergonzante historia del porqué de “Lobezno”, la aparición sacada de la manga (nunca mejor dicho) de Gambito, el final a lo “Mortal Combat”, el clon Carlos Sobera como director del proyecto Arma-X. La calidad de las interpretaciones no se pueden juzgar, es todo tan rápido y tan cuadriculado, que tienes que creértelo y da igual que los actores lo hagan de Óscar o rematadamente mal, el resultado iba a ser el mismo.

Por ejemplo, para justificar una vida plena de felicidad, un personaje (no diré cual) justifica su traición con la situación de su hermana. Para justificar el porqué de una actitud maléfica con respecto al mundo, primero, y los mutantes después, se acude de nuevo al arraigo familiar. La venganza como justificación de los asesinatos, y así. Todo tiene una explicación sencilla, plana, limitada.

Así, lo único salvable de la película, para los marvelitas o “Frikis”, como queráis, es la aparición de personajes que estamos cansados de ver en tebeos y ahora podemos recrear en la pantalla. Ver su adaptación, nos gusta. Nos gusta ver a La Mole, a Xavier, a Gambito, a Cíclope, incluso nos gusta ver algunos inventados.

Pero nada más, desde mi punto de vista, una adaptación fallida, por simple hasta el ridículo, por tener buenas cosas mal dispuestas, por su guión hecho desde los tópicos, el poco respeto al espectador adulto y por hacer de Lobezno un entretenimiento pasajero, una película más de superhéroes, pesada, larga, incorregible, indigesta… infumable.

Qué pena de ocasión perdida. Qué lástima teniendo Arma-X como filón narrativo y el mejor actor posible para que Lobezno sea un gran Lobezno. Bien detractores, aquí me tenéis, de rodillas y a vuestra merced. Ya podéis ajusticiarme.

Scriers.

Con Antes De Que Cuente Diez, el exvocalista de Platero y Tu habrá firmado ya su quinto trabajo. Cinco de estudio más un directo en once años, un ritmo ni demasiado rápido ni demasiado lento.

El primero de ellos, A Puerta Cerrada, era un disco realizado con los temas que compuso Fito en solitario y que no tenían cabida en Platero y Tu, canciones rockeras pero desenchufadas a ritmo de Soul, Swing o Blues. Eran temas casi íntimos que fue juntando hasta componer un disco de apenas diez cortes: “Lo que empezó sin ningún tipo de pretensiones se fue haciendo grande y acabó convirtiéndose en este disco” escribió en el libreto del mismo. La gente lo escuchó casi a hurtadillas (el sector más arraigado de Platero nunca aprobó semejante traición) y gustó, gustó mucho. Con el boca a boca de la juventud y el paso del tiempo llegaron a despacharse hasta 40.000 copias que fueron recibidas como un regalo caído del cielo por Dro, su discográfica, que adivinó un filón comercial en Fito.

Después de grabar Correos (con Platero) y el Extrechinato y tu (con Robe, Chinato e Iñaki), Fito confeccionó su segundo disco (para una minoría el mejor hasta el momento), Los Sueños Locos, un disco mucho más premeditado y con el que se intuía por donde evolucionaría Fito, cada vez más distanciado del sonido eléctrico de su grupo y empeñado en experimentar nuevos sonidos. En este momento ‘engañaba’ a sus más habituales, jugaba con ellos. Presentó un sonido más amable para los oídos pero que para no molestar en exceso aún guardaba retazos del rock propio del norte del país. Incluía además colaboraciones de grandes figuras como Robe Iniesta o Rosendo Mercado. Era algo así como un “quiero, pero todavía no despego” de Fito. Lo grabó en la Casa de Iñaki y funcionó bastante bien económicamente.

Pero no sería hasta Lo Más Lejos, A Tu Lado (por cierto, vaya pedazo de título) cuando Fito encontraría su personalísimo estilo que ahora lo caracteriza como un músico único e inimitable. Bajó un poco más los decibelios y tocó canciones que conectaron como amor a primera vista con el público, que se amplió hasta sectores inimaginables años antes. Fito sonó a todas horas en las principales emisoras del país. Todos tarareaban sus canciones, hasta nuestras abuelas. Y entonces cogió el cielo con las manos. Fue comercialmente un pelotazo y despachó más de 200.000 copias, algo que ni Extremoduro había conseguido. Después de semejante hazaña Fito tenía vía libre para hacer cuanto le diera en gana. Tuvo un capricho y se lo dió: se marcó un conciertazo espectacular en plenas fiestas de Bilbao (Vivo Para Contarlo) dónde reventó la ciudad con más de 70.000 personas coreando el show. Fue el Everest de Fito.

Años después, y tras un largo paréntesis para digerir el éxito y desengancharse de todo un poco, Fito se quitó la camiseta de rayas, la guardó en el armario y apareció con un look más fashion y estrenando banda. El ex Sangre Azul Carlos Raya, Candy Caramelo y El Niño Bruno se unieron al grupo del que se fue no se sabe bien porqué Batiz y el Animal. Joe Blaney, que había producido los mejores discos de Andrés Calamaro, se encargó de la producción en detrimento de Inaki Uoho Antón. Pero pese a los cambios Fito sonaba igual. La evolución se centraba más en la profesionalidad del sonido que en el propio sonido. Algunos temas siguen la tónica de canciones anteriores hasta tal punto que a uno le parece haberlas escuchado antes. “Da igual, lo hace tan bien..” pensé. Poco después tocaba mano a mano con Calamaro y eso perdonaba todos sus pecados.

Se acentúa el problema de la reiteración si observamos que Fito se guía por algunos patrones que, disco tras disco, se repiten. Suele grabar una versión, una instrumental y un single de pegada rápida y efectiva. A mi, particularmente, esto no me molesta porque espero como agua de mayo sus versiones y sus instrumentales. Su Deltoya es gloriosa, Quiero Beber Hasta Perder El Control invita a bailar a cualquiera que la escuche y Todo A Cien casi que supera a la original. No hay fallo, pero esa estructura tipo mosquea porque uno tiene la sensación de previsibilidad. ¿Es malo? buufff bueno, aquí entra el gusto de cada cual.

En mi opinión Fito camina al borde de provocar hastío en su público más exigente. Le decía yo a un colega: “es como si tienes una novia que folla de puta madre pero que siempre lo hace de la misma manera. Al principio te encanta, luego te sientes afortunado y al final te conformas con lo que hay. Pero acabas deseando que algún día te sorprenda con alguna invención“. Pues de esta forma tan mundana explico yo el caso Fito.

Su música me parece una bendición dentro del mainstream rockero español. Hoy día lo considero la figura más grande del rock en castellano en esta década que cerramos. Pero también sospecho que necesita una reivención, que no le vendría mal engañar al oyente, juguetear con sus expectativas, cabrearlo, explorar nuevos sonidos poniendo todo su talento como mejor credencial.

Creo que Antes De Que Cuente Diez es un buen disco, profesionalmente casi impecable. El sonido (pulido por un Joe Blaney que es más sabio por viejo) es tan limpio que abruma. Sus letras siguen buscando la frase brillante, marca distintiva de Fito (Yo me fui no se hacia donde, y yo solo me perdí / hay un niño que se esconde siempre detrás de mí) y reflejan su etapa de madurez personal, sus momentos más reflexivos vez superados sus problemas vitales.

En su favor juega que parece haber volcado más decibelios en el caldero (Tarde o Temprano, Que Necesario Es El Rock And Roll) como si quisiera así subir la intensidad del disco. En su contra, que hay algunos temas que fácilmente podriamos unirlos con los de discos anteriores para hacer canciones de más de 10 minutos. El parecido entre ellas resulta exasperante; ¿Qué os parece un Sobra La Luz-Conozco Un Lugar, un Medalla De Cartón-Antes De Que Cuente Diez o un Las Nubes De Tu Pelo- Me Acordé De Tí? Ninguna desentonaría con la otra, ¿verdad?

Si analizamos su primera escucha (aunque yo lo haya escuchado ya más de una decena de veces) tenemos un disco corto y reiterativo con un sonido impecable. Varios temas que tararearemos hasta cansarnos (Catorce Vidas Son Dos Gatos, Todo a Cien) y con los que nadie podrá reprochar nunca que no tiene un producto de calidad. Sin embargo, ¿es esto suficiente? En mi opinión, NO.

Enlaces Relacionados

- Antes De Que Cuente Diez en Megaupload

- Antes De Que Cuente Diez en Rapidshare

- Antes De Que Cuente Diez en Hotfile (II)

(enlaces procedentes del portal vagos.fm)

La HBO jugó sus cartas en 2004 y 2005 a través de una serie ambientada justo después de la Gran Depresión Norteamearicana de 1929, en el año 1934, dónde la pobreza es imperante, la crisis un criadero de perros dispuestos a matarse a bocados entre sí y las clases bajas se aferran a la religión como manera de sustentarse en una vida demasiado difícil. Los más ricos, por su parte, se aprovechan del ganado y todo se reduce a un “sálvese quién pueda”.

Pero lo más importante es, a través de quién, o quiénes, vas a experimentar el espectador ese transcurrir por el mundo, en un lugar y una época difícil. A Daniel Knauf, responsable de la serie, no se le ocurrió otra cosa que a través de un circo ambulante, CARNIVALE. Un circo tan típico como atípico, me explico, situado en su contexto, resultaba normal encontrarlo con esas características, ya que por entonces, no se trataba de grandes atletas y cómicos muy preparados, sino de rarezas sociales, personas marginales y perseguidos por la sociedad, que se dan cobijo dentro de su circo, y desarrollan habilidades con las que nacieron o que supieron manejar más adelante. Aquí encontramos un mentalista capaz de leer los sueños, una adivina que adivina a su manera, un enano, una encantadora de serpientes, un gigante, una mujer barbuda, un malabarista con fuego, etc. Un Circo auténtico, verdaderamente respetuoso con el concepto, original, con una vida nómada que invita a seguirlos.

Además, el punto de partida no puede ser más interesante. Ben Hawkins es un joven granjero cuya madre acaba de fallecer que goza de un poder particular, es capaz de dar vida a quién ya está a punto de perderla. Es capaz de sanar al herido, al enfermo, pero al hacerlo, su entorno natural pierde vida y color, las plantas se chamuscan, se erosionan los terrenos, todo parece establecerse según un sistema de balanzas. A partir de su rescate, comenzamos a marchar en el día a día del circo por todas las regiones de norteamérica.

Por otra parte, se le da un papel preponderante a la religión, a través de un enigmático sacerdote, potenciándose la dualidad entre el bien y el mal, y tratando como a un personaje más ese opio del pueblo por aquel entonces, las creencias religiosas.

La experiencia es, sencillamente, una gozada para los sentidos, a nivel de producción la serie consta de una factura sobresaliente, la recreación del mundo en plena depresión llega a agotar al espectador, partícipe de algunas condiciones verdaderamente lamentables de esa sociedad. Un viaje a descubrir, si no fuera por un gran handicap.

El estancamiento de los espectadores y los enormes gastos de producción, hicieron que la serie se dejara de emitir en su segunda temporada, con casi todas sus líneas argumentales por cerrar y con una gran cantidad de remiendas, personajes que iban y venían y una serie de reajustes que no le hicieron bien a la fantasía original pensada por Daniel Knauf.

Así, me encuentro en el mismo dilema que los muchos que comienzan esta serie a destiempo (no obstante, han pasado ya años): ¿Merece la pena la experiencia visual, el gran talento de sus creadores y lo atípico de la historia, como para seguir una serie destinada al fracaso? ¿Vale de algo seguir una serie de la que no vas a conseguir saber el final? ¿Es suficiente con la enorme calidad de cada episodio, aunque más tarde no puedas atar cabos? Afortunadamente, justo al terminar el tercer episodio ya tengo la respuesta concreta a mis preguntas: Sí.

PD: Por cierto, lo último que leí, es que estaban pensando en terminar Carnivale con una versión en… ¡Comic!

Por descarga directa.

Web oficial.

Scriers.

Aviones me supone una pequeña decepción. Algunas de las canciones del disco, que llevan grabadas desde finales del año pasado, fueron adelantadas en conciertos y/o en el dvd de Baires, y tenían buena pinta. El single -Violento Amor- llevaba sonando desde un mes antes en las emisoras y, pese a lo endeble de su texto, presentaba una melodía realmente conseguida, con unos falsetes made in Leiva bastante curiosos y un fenomenal slide acompañando. Me gustaba mucho. La canción de Amelie también era conocida entre sus seguidores y con Andrés podía lucir más. Hasta tal punto llegó el asunto que se rumoreaba que Aviones sería un disco doble y vendría a ser -atención- el particular Honestidad Brutal de Pereza, un trabajo de profunda y madurada gestión.

Sin duda las expectativas fueron solo eso, meras expectativas. La realidad las desmiente. Porque Aviones se quedó en un disco con 17 canciones con temas más íntimos -comienzo a odiar ese cliché- ysosegados, que dentro de la discografía de Pereza ni desentona ni sobresale. Es decir, que evoluciona poco. Algo, pero poco. Se nota, efectivamente, un cambio, ya que han sido ellos los que se han puesto al mando de la producción y la masterización del disco. Percibimos de este modo un trato más acústico y una selección más cuidadosa de los intrumentos, lo que al parecer ha sido la obsesión del Ruben y Leiva durante el proceso de grabación, pero a pesar de ser, en ese sentido, más arriesgado falta el acompañamiento de unos buenos textos.

Y es que si Pereza cuidaran los textos, seguramente Aviones sería un disco menos cuestionable. Scriers me comentaba con sorna que letras como “Nos conocimos en el Backstage / yo fumándome el peta de después…” o “Estuviste tan fina follando en la cocina” nunca la puedes tomar demasiado en serio. Y quizás tenga razón.

Quizás pedirle algo parecido al Honestidad Brutal sea poner el listón muy alto. Quizás estos chicos son sólo grandes melómanos con aptitud para los intrumentos. Fans irremediables de los Beatles y los Stones, que con estética de rockeros modernos, escriben canciones que parecen dirigidas a su plebe de groupies. O quizás sea el disco que a los que defendemos estos dos personajes, nos ponga los pies en el suelo, el trabajo que, aunque demuestre que no son tontos en esto del rock, destape sus limitaciones. Y eso me cabrea.

Me cabrea porque habré perdido la batalla de la reivindicación de Pereza. Ni la presencia de Andrés Calamaro en Amelie ni de Ariel Rot a las guitarras sacan el disco de una decepcionante normalidad. A ver, maticemos; Aviones se deja escuchar. Es más, si le das varias oportunidades acabas tarareando muchas de sus canciones y si afinas el oído se nota que hay mucho trabajo de estudio, pero no cubre las elevadas expectativas.

No se, me gustaria que los pocos lectores del blog alzaran su voz, y en los comentarios dejaran su opinión sobre Pereza y el papel que cumplen o creeis que tienen dentro de la escena pop-rock española. Si os apetece claro. Yo voy a escuchar el disco una vez más para meditar sobre si es este el mejor trabajo de su carrera. De momento me quedo con Aproximaciones.

Enlaces Relacionados:

Aviones en Descarga Directa Megaupload

Aviones en Hotfile

Aviones en Rapdishare

Pereza en Efeme (Entrevista)

Sería imposible seguir hablando de la película sin hacer referencia a su sinopsis. Como el mismo título indica, el relato trata sobre un hombre que mengua (decrece), que paulatinamente va perdiendo centímetros hasta convertirse en una sorprendente miniatura. Pero es un decrecimiento proporcionado, es decir, mantiene el cuerpo en perfecta armonía pero la escala de este disminuye. Bajo esta sencilla premisa, encontramos una historia que reflexiona sobre la propia existencia del ser humano, su lugar en el mundo e incluso en la sociedad, ya que denuncia la marginación que sufre una vez es consciente de su problema. En este sentido, el final de la película, tan agónico como intenso, descubre los momentos más brillantes de la cinta.

El gran mérito de la cinta es hacer verosimil el relato, tanto en el apartado técnico como en el desarrollo de la historia. Lo consigue de un modo asombroso, a través del correcto uso de las cámaras -jugando con el efecto óptico- y mediante recreaciones a tamaño real de objetos diminutos, que hace que ese mundo tan reducido e insignificante alcanza unas cotas de realismo impropias de la época en la que se rodó la película. Demostraron así, que los efectos especiales no solo dependen de la inversión económica, sino de la imaginación de los creadores.

El Increíble Hombre Menguante atrapa por su aroma clásico, su intensidad, su modo de retratar la desesperación de un hombre al que el mundo se le hace demasiado grande, toda una metáfora de la que se puede sacar mil y una lecturas, diferentes conclusiones.

Destacar también, a modo de curiosidad, que a ese final tan conmovedor le buscaron una continuación, escribieron un relato con la segunda parte del increíble hombre menguante, pero que este nunca vio la luz en el cine, y se quedó pues, en terreno literario. Desconozco si está publicado en España. También parece estar preparándose un remake de la película -en tono humorístico- a cargo de… Eddie Murphy y Brett Ratner, con lo cual se avecina un serio despropósito cinematográfico.

Revisiones al margen, este es un clásico de la ciencia ficción de revisión obligada.

Datos Técnicos

Director:  Jack Arnold
Intérpretes:  Grant Williams, Randy Stuart, April Kent, Paul Langton,Raymond Bailey, Billy Curtis,
Guión:  Richard Matheson y Richard Allan Simmons, según la novela de Matheson
Banda Sonora Original: Hans J. Salter, Herman Stein e Irving Gertz [sin acreditar]
Fotografía:  Ellis W.Carter
Efectos especiales: Clifford Stine, Roswell A. Hoffman y Everet A. Broussard
Producida por: Albert Zugsmith para Universal
Año de producción: USA 1957
Duración: 78′ B/N

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Vinagre y Rosas

Personalmente, las grabaciones dirigidas por de De Diego y Varona no me entusiasman, me resultan desordenadas, sobreproducidas, carecen de sensación de conjunto y no siguen un patrón claro. Da la sensación, al escuchar sus discos, que Sabina ofrece una decena de colaboraciones para otros albumes. Es como si te leyeses un libro de relatos, pues algo parecido. Puedes disfrutar de alguna una canción, pero no de la totalidad del disco.

Sin embargo, cuando el flaco se puso en manos de otros productores (Alejo Stivel o Fito Paez), sus canciones cobraron un sentido porque tenían un guión preestablecido, un plan a seguir. Stivel, con 19 días y 500 noches, apostó por un disco más oscuro, pidió a Joaquín que no maquillara su voz y ordenó las canciones con especial coherencia. ¿El resultado? su mejor disco, 13 canciones que tenían un sentido, algo que no había hecho nunca el de Úbeda.

Pero con el tandem De Diego-Varona sucede una y otra vez lo mismo, producen discos aleatorios, sin capacidad para unificar canciones en torno a un criterio. Esta Boca Es Mía y Yo, Me, Mi, Conmigo desaprovecharon los momentos más inspirados de Sabina por este problema. Contienen buenas canciones, algunas excelentes, pero huérfanas de patrón. Una salsa, un rap, un rock and roll.. todo metido en la misma batidora. Así es imposible. Una cosa es la versatilidad y otra que los discos sean el coño de la Bernarda. Y eso ha sido un lastre en su carrera que no tiene vistas de solucionarse.

¿Será igual Vinagre y Rosas? no tengo la esperanza de que Sabina, rozando los sesenta y reconvertido a poeta antes que músico -antes el músico ganaba al poeta-, de un giro radical en sus grabaciones, y menos con los mismos productores de toda la vida.

En cualquier caso, tenemos cierta expectación sobre su nuevo trabajo, del que ya puede haberse adelantado algo. Sabina cantó en la cadena Ser un tema dedicado a la figura su amigo, el fallecido poeta Ángel González, que pronto fue colgada en la red. He aquí el homenaje, del que se rumorea que puede formar parte del disco.

El resto del disco está grabándose, y su puesta a punto está prevista para finales de septiembre. De este modo, BMG podría lanzarlo a las calles en noviembre, de cara a las navidades. Joaquín ha contado con muchos de los músicos de la gira que llevó a cabo con Joan Manuel Serrat -si, la misma que sonaba a orquesta verbenera veraniega- para la grabación de este album.

Recta final por tanto para lo nuevo de Joaquín Sabina, esperemos que tanto este como sus músicos sean algo más atrevidos y nos ofrezcan un disco que no siga la misma no-línea habitual de sus grabaciones en equipo. Al flaco le quedan pocos discos y todos sus pasos en falso suponen desperdiciar un talento mayúsculo, problablemente el mayor -en cuanto a textos se refiere- que tengamos en este país.

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