Hace poco reseñábamos Generation Kill, la serie sobre la Guerra de Iraq realizada por la dupla David Simon y Ed Burns basada en los artículos del periodista de la Rolling Stone Evan Wright. En ella, descubrimos un razonable discurso antibelicista que profundizaba en las motivaciones de los soldados americanos por estar allí presentes y en su indignación final, reflejada en ese memorable epílogo que cerraba la serie en su séptimo episodio.

En The Hurt Locker (En Tierra Hostil), Kathryn Bigelow también hace uso de los relatos de un periodista, Mark Boal, pero ella elude el mensaje ético-político, y relata las andanzas de un grupo de artificieros en la guerra de Irak, preocupada principalmente en contar la historia con tensión e intriga y hacer veraz ese Iraq tramposo y adverso que deben controlar los militares americanos. En este sentido, en lo concreto de su propuesta, la directora californiana da en el clavo y tan sólo muestra indicios morales al denunciar el uso de los niños en la contienda. Por lo demás, nos encontramos ante una solvente cinta de acción contextualizada en el desasosegante y temible laberinto urbano de Bagdad. Y ese es otro de los aciertos de esta película, como gracias a una inquietante recreación de las ciudades iraquíes (edificios derruidos y resquebrajados, aridez, escombros, trampas mortales…) y un indudable talento narrativo, Bigelow involucra al espectador obligándolo a mantenerse alerta en un notable ejercicio de cine de acción. Sin embargo, su estructura formal a modo de pequeños episodios, le resta fuerza al relato, con un resultado final no exento de altibajos.

No será la de Bigelow la película definitiva sobre la Guerra de Iraq, pues sobre este episodio de la historia reciente queda mucha tela que cortar, pero si una digna ganadora del Oscar (mucho mejor que su antecesora, la sobrevaloradísima Slumdog Millionaire) que, sin duda, servirá para reivindicar el talento de su directora, descartando para siempre la absurda teoría de la discriminación positiva. En The Hurt Locker no hay favoritismos, sino trabajo bien hecho.

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Paul Thomas Anderson es uno de esos cineastas modernos que siempre intenta, con mayor o menor fortuna, imprimir un sello distintivo a cada una de sus películas. A sus prometedores comienzos con Sidney o Boggie Nights le sucedió su gran obra maestra, Magnolia, la que tranquilamente puede considerarse la obra coral más interesante de cuantas haya facturado Hollywood. Poco después sorprendía a propios y extraños con la delirante e hipnótica Punch-Drunk Love, que recibió un hostil varapalo por parte de la crítica. Cal y arena en la obra de un director singular, que con su último estreno, Pozos de Ambición, vuelve a demostrar una personalidad única e irreverente a la hora de hacer cine. En esta ocasión deja al espectador perplejo con un durísimo relato sobre la explotación petrolifera en EEUU durante las primeras décadas del siglo XX. Anderson teje una oscura trama sobre la avaricía y la desconfianza humana contextualizándola en los áridos paisajes de Texas, y cediendo lo galones a un exagerado Daniel Day-Lewis, cuya cara de pocos amigos se perpetúa a lo largo de las casi dos horas y media de película. Sobreactuaciones al margen, la ambientación de la cinta recuerda inequívocamente a la de la serie Deadwood, no solo por el hecho de acentuar el realismo sucio, sino también por su recreación del Oeste y la falta de escrúpulos en las escenas de conflicto. Crudeza extrapolable al carácter de Daniel Plainview, un petrolero en busca de fortuna preso de sus ansias de poder, obsesionado por no dejarse pisotear. A través del deterioro de su vida personal, tan emergente como su patrimonio, Anderson indaga en otras muchas cuestiones tales como las relación paternofilial, la corrupción empresarial o el fanatismo religioso. Pero en su intento por facturar una descarnada adaptación de la novela de Upton Sinclair, Anderson se olvida de conmover, se obceca en su protagonista descuidando a los secundarios e individualizando al extremo el relato. Es curioso que un maestro en repartos corales cojee en esta faceta, dejando lo que podía ser una interesante reflexión sobre el choque de aspiraciones vitales en un torpe y sanguinario retrato sobre la codicia.

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Los Panters de Dillon son historia para el entrenador Taylor. Una vez cesado por la junta directiva, se hace cargo de un equipo que debe de renacer de sus cenizas partiendo de cero. El nuevo conjunto, los Lions de Dillon, se ubican al este de la ciudad y no dispone ni de jugadores con experiencia ni de campo de juego. Su reconstrucción será la premisa de la que parte Friday Night Lights en su cuarta (¿y penúltima?) temporada.

Taylor tiene la difícil misión de formar a un grupo de inexpertos jugadores procedentes de los barrios marginales de la ciudad, educarlos y armar un equipo capaz de ganar algún partido. Pero no se acaban ahí sus problemas, pues su mujer, directora del colegio de los Panters (su antiguo equipo), se verá pronto en la encrucijada de soportar críticas que la acusan de actuar por el bien de su marido. Su hija Julie deberá elegir su destino, ¿universidad o la cárcel que aparenta ser Dillon?. Mientras, Matt Saracen, alejado de los campos de football, explorará su faceta artística y tendrá que hacer frente a inconvenientes muy serios que pondrá en tela de juicio su escala de prioridades. Otros personajes como la familia Riggins y Landry Clarke continúan estando entre los protagonistas de un reparto que sabe reciclarse con medio elenco nuevo. De este modo, la presentación de sus nuevos personajes, algo forzadas, será la tónica de los primeros episodios de una cuarta temporada que irá creciendo poco a poco hasta tener varios capítulos antológicos. No será la mejor sesión, pero deja momentos emocionantes. Escenas que demuestran que la serie ha sabido renovarse y madurar, pues aunque el matiz teenager sigue latente, las cuestiones planteadas son definitivamente más adultas, coqueteando con el existencialismo adolescente y abordando la complejidad de las relaciones institucionales y otras temáticas ya clásicas como el racismo, las costumbres americanas o el arraigo paternofilial.

En definitiva, un paso hacia delante de una serie que en España no ha calado por motivos varios; su marcado acento americano, el poco disimulado carácter teenager y el protagonismo de un deporte que no se practica en nuestro país como es el fútbol americano. Lastres demasiado grandes como para hacerse un hueco entre una audiencia tentada con infinitas posibilidades televisivas. Aún así, y para los que no se hayan decidido, linkeo estas nueve razones para ver Friday Night Lights. Todo sea porque cada vez seamos más los que apoyen las andanzas del entrenador Taylor y sus nuevos Lions de Dillon.

PD: Para los seguidores acerrimos, atentos a las sutiles referencias a personajes que han pasado por la serie porque están escondidas y son realmente curiosas.

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Desde La Vendedora De Rosas no había vuelto a ver cine colombiano. Este conmovedor relato sobre la inmigración me reconcilia con el cine sudamericano y me abre los ojos ante la realidad de aquellas personas que cambian de país en busca de una vida mejor. Simón Brand, antiguo realizador de videoclips y anuncios publicitarios, dirige con excelente pulso narrativo esta crónica sobre la supervivencia que describe la historia de un chico colombiano que, cegado por amor, se embarca en un terrorífico viaje con el propósito de cruzar la frontera de EEUU y empezar de cero con la compañía de su novia Reina. Brand bifurca la trama, y nos cuenta alternativamente la durísima travesía (a través de flashback) y el post viaje, el quehacer de Marlon una vez llega a New York. Y esta separación presente-pasado funciona porque al espectador le despierta una doble curiosidad; cómo consigue llegar a su destino y que le depara el futuro. Un devenir para el que se encuentra totalmente sólo, sin papeles y con lo que lleva encima. Paraiso Travel es una historia dura, realista, y por momentos violenta, amenizada con pinceladas de humor y un simpático cariz extravagante. Pese a la tozudez de su protagonista, resulta imposible no empatizar con este pasional joven y sentir como propios sus pequeños triunfos y grandes fracasos. Una película a reivindicar que tras el asunto de la inmigración, nos invita a reflexionar sobre el amor ciego, el tráfico de personas o el sueño americano, dejando un sabor amargo y un extraño desasosiego.

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- Paraiso Travel en Descarga Directa (DvdRip)

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El sueño americano. El término acuñado por James Truslow Adams que entendía que la prosperidad depende de las habilidades del individuo y su trabajo personal olvidó el significado de la palabra felicidad (satisfacción, gusto, contento, según la RAE). Ignoró lo difícil que es conseguir la autorrealización o la felicidad con uno mismo dentro del orden social establecido. Durante décadas en EEUU se asoció el éxito laboral con el personal. Es más, la sociedad occidental sigue, quizás inconscientemente, defendiendo esta teoría, al menos en la práctica. Personas que, según los cánones reinantes, lo tienen todo, luego sufren una brutal angustia interior. Todd Solondz, siempre provocador en sus formas, dirigió en 1998 Happiness, una atroz sátira social que zarandeaba los cimientos del sueño americano. Lo hacía a través de una familia preocupada por las apariencias que veía desmoronarse su ídilica estampa al toparse con una realidad palpable, la de la frustración de sus componentes, su infelicidad, sus demonios interiores. De paso, Solondz trató con diabólica naturalidad temas tabú hasta entonces poco tratados en el cine. Luego, de forma indirecta, influyó en títulos tan dispares como American Beauty o Ice Heaven. Si no le llegó el éxito comercial fue porque Happiness rebasó reiteradamente la línea de lo políticamente correcto, porque el sórdido humor de su guionista y director no comulgaba con academicismos. Tras Happiness Solondz repitió fórmula una y otra vez hasta caricaturizarse a sí mismo y convertirse en un autor tan aclamado como odiado. Por contra, nunca superó esta ingeniosa película coral, un delirante y provocador relato sobre obsesiones ocultas, un audaz tratado sobre la infelicidad.

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Curiosidades:

- El cartel de la película es obra del dibujante Daniel Clowes, un autor muy en consonancia con la estética Solondz.

- Ganó el premio de la Crítica en el Festival de Cannes y fue designada como mejor película en el de Toronto.

- Philip Seymour Hoffman ya daba muestras de su talento interpretativo. Un secundario de lujo.

- La nueva película de Solondz parece ser “algo parecido” a una secuela de Happiness

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El culto al cuerpo. Un síndrome del siglo XX elevado a su máxima potencia durante el XXI. Una preocupación que encierra mil y un complejos, la mayoría relacionados con el autoconcepto. A simple vista, Gordos podría parecer una película sobre esta obsesión, pero por extraño que parezca, es una cinta que habla sobre personas pasadas de peso ninguna de las cuales tiene un verdadero trastorno debido a sus diferencias con la báscula, si no que su exceso de kilos procede de un laberinto de inquietudes personales, de la zozobra del día a día y la ansiedad por superar sus temores. Ese es el punto de partida de la segunda película de Daniel Sánchez Arévalo; el ser humano, sus filias y fobias. La obesidad es una insana excusa para valorar este tipo de cuestiones.

Y que mejor que centrarlo en una consulta psicológica, donde siguiendo terapias grupales, cada personaje presenta su caso en público intentando explicar el porqué de su sobrepeso. Sánchez Arévalo, que ya había demostrado su dominio narrando relaciones mundanas en AzulOscuroCasiNegro, incide en grabar una película sobre personajes, una trama de vidas cruzadas en la que mezcla el costumbrismo, la comedia, el drama y el humor negro. La compleja telaraña de relaciones que hila adquiere credibilidad gracias a su excelente reparto, comandado por un histriónico Antonio De la Torre y secundado con audacia por Verónica Sánchez o Leticia Herrero entre otros rostros conocidos.

Gordos fascina por su variopinto elenco de personajes y por esa atmósfera decadente e irónica que envuelve el desarrollo de los acontecimientos, siempre esquivo de amables epílogos. En un 2009 cargado de lanzamientos de renombre (Ágora, Los Abrazos Rotos, Rec2, El Baile De La Victoria…), el mejor trabajo hispano llegó con esta enrevesada e inclasificable trama de ofuscaciones cruzadas. Toda una rareza que indaga sobre nosotros mismos y que recomendamos desde este, vuestro rincón imposible.

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- Gordos en Dvdrip

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Gordos en Días de Cine:

Me he enganchado a otra serie. Soy insaciable. Esta vez he elegido Hermanos de Sangre (Band Of Brothers), la serie de la HBO coproducida por Steven Spielberg y Tom Hanks y que narra la historia de la compañía de paracaidistas Easy como parte del ejercito de los EEUU durante la Segunda Guerra Mundial. Básicamente, se trata de un producto de ficción bélica (basado en hechos reales, pero con licencias históricas) muy en la línea del film de Spielberg Salvar Al Soldado Ryan, pues repite la tonalidad del mismo. Incluso parte de un comiezo similar, el Desembarco de Normandía y la llamada Operación Overlord. El episodio piloto cuenta la formación e instrucción de la compañía Easy meses antes de afrontar el desembarco. A partir del segundo capítulo, y a modo de episodios autoconclusivos, nos cuentan diversas misiones  basadas en su mayoría en el libro Band Of Brothers del historiador Stephen Ambrose así como en entrevistas realizadas a militares veteranos.

En Hermanos de Sangre priman las formas. La factoría Hank-Spielberg parece haber dado instrucciones muy claras sobre cómo debe ser la estética de la serie. Por ello, a lo largo de sus diez capítulos, y a pesar de tener nueve directores diferentes, da la sensación de seguir un mismo patrón, el del hiperrealismo de la batalla. Un tremendo esfuerzo por aunar puntos de vista y recrear fielmente el enfrentamiento entre aliados y nazis. Lo que se relata es una contienda cruda, sangrienta y descarnada. Y de telón de fondo, la misma cuestión de siempre en este tipo de producciones; el sinsentido de la guerra. Porque asistimos, episodio tras episodio, al día a día de una compañía de soldados que va perdiendo efectivos conforme transcurren las batallas y como así, a través de sus contiendas constatamos la humanidad de estos peones de guerra. Maquinas de matar que pueden ser valientes y leales, pero que en combate, como humanos que son adoptan cualquier tipo de reacción: euforia, nervios, ansiedad, bloqueo, ira.. instintos que aparecen fruto de una situación anómala y deprimente como es la guerra y el estado de excitación máxima que provoca.

Hermanos de Sangre es un ejercicio de cine antibelicista que fue realizado por algunos de los mejores profesionales del medio. Los actores principales (Damian Lewis, Ron Livisgston, Matthew Settle, Michael Cudlitz o Neal McDonough) no eran muy conocidos para el gran público (una de las premisas de los creadores) pero la mayoría tenía a sus espalda un estupendo curriculum en cine y televisión. Los directores elegidos no se quedaban atrás, ya que Richard Loncraine o Mikael Salomon, por citar un par de ellos, tenían experiencia en proyectos de envergadura cinematográficos. Incluso Tom Hanks guionizó y dirigió algún episodio. De este modo, la impecable factura técnica y el notable reparto ayudan a dar credibilidad a una miniserie que puede considerarse como la más interesante dentro de su género.

Hablando con Fer, éste me decía que echaba de menos cierta continuidad, que el formato de episodios autoconclusivos restaba emoción a la historia. Yo en cambio, veo coherente el sistema utilizado, ya que el baile de directores sugiere adoptar una fórmula que da pie a firmar episodios redondos. Tan sólo he visto los cinco primeros. Suficientes para medir la calidad de una miniserie que merece mucho la pena y que invita al espectador a hacer un poco de historia e interesarse por aquello que pasó en las costas francesas.

En Vaya Tele la coronaron como la mejor serie del siglo XXI, encabezando una muy discutible lista. A su vez, ganó el Globo de Oro a la mejor serie televisiva y seis premios Emmys en diferentes categorías.

En cualquier caso, los que disfrutaron con Hermanos de Sangre están de enhorabuena, pues poco falta para el estreno de The Pacific, otra miniserie de Dreamworks y HBO que, siguiendo la fórmula de su predecesora, relatará la batalla de la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico. La historia será completamente independiente y la emitirá en España Canal Plus. Consta de diez episodios y ha tenido el privilegio de contar con el presupuesto más grande de la historia de la televisión para una miniserie (200 millones de dolares). Una garantía de éxito teniendo en cuenta los precedentes de Salvar Al Soldado Ryan y la propia Hermanos de Sangre. Hanks y Spielberg siguen facturando el mejor cine bélico del siglo XXI.

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- Hermanos de Sangre en streaming

- Hermanos de Sangre en Descarga Directa

- Ficha de Hermanos de Sangre en Filmaffinity

- Gran análisis en La Segunda Guerra

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Desde hace un par de meses vengo comprando la revista El Semanal que acompaña al ABC. Se puede adquirir sin el periódico y por 1,50 euros (creo que cuesta) te llevas a casa un magazine de actualidad y un dvd. Normalmente las películas no suelen ser gran cosa, pero de vez en cuando se cuela alguna que puede sorprenderte. Títulos como Monster Ball o Bailando Con Lobos bien merecen la pena tenerlos, por si algún día apetece revisarlos.

La pasada semana acompañaba a la revista Cotton Club, una película de Francis Ford Coppola que no conocía, pues la extensa filmografía de este supera la veintena de títulos y mis conocimientos cinéfilos. El caso es que descubrí una divertida película que homenajea a la música de la década de los 20 y los 30 en EEUU.

Al hilo de impresionantes shows musicales, Coppola cuenta la evolución de uno de los night club de jazz más distinguidos de Harlem (New York), un club regentado por mafiosos que se sirve de artistas negros para entretener a un público blanco. Era la época de la Ley Seca norteamericana.

No existen protagonistas claros, sino que narra las andanzas de un elenco de variopintos personajes a través del tiempo. Lo hace con ritmo y elegancia, sin que el film decaiga en sus más de dos horas de duración. La teatral puesta en escena y una magistral dirección artística teletransporta al espectador a esa noche americana donde cohabitaron artistas, gangsters, cabareteras y demás fulanos nocturnos, todos ambiciosos por ascender en su escala social. El brillante reparto, comandado por un correcto Richard Gere y una tremenda Diane Lane, cuenta también con Nicolas Cage, el mismo Tom Waits o Gregory Hines como nombres reconocibles de una larga e interminable lista de actores y extras.

Coton Club fracasó en Hollywood. Dividió a la crítica y pasó con más pena que gloria por la taquilla. De los 50 millones de dolares de presupuesto apenas recuperó 25. Coppola, que había invertido mucho de su tiempo, trabajo y dinero, comprobó atónito como uno de sus proyectos más personales no obtuvo la recompensa esperada. Sus pérdidas económicas lastraron sus bolsillos y tuvo que recuperar la inversión con la tercera entrega de El Padrino. Además, anduvo todo el rodaje discutiendo con su productor, Robert Evans, pues el presupuesto se disparó tanto que la productora comenzó a mosquearse. Según Evans, el hecho de que Coppola rechazara el guión inicial llevado a cabo por Mario Puzzo y otros pocos que vinieron después, disparó los costes de producción. Además. movilizar y coordinar a tantos extras resultó enormemente caro. Las malas lenguas cuentan (y parece ser verdad) que Evans acudió a inversores que resultaron ser mafiosos reales. El caso es que Coppola tardó en recuperarse del duro traspié y Hollywood no volvió a confiar en él.

El revés sufrido pudo tener varias explicaciones. La más compartida es que Coppola no se decantó por ningún género. Quiso hacer un conglomerado de ellos y la mezcla resultó inverosimil. Musical, drama, cine negro, comedia. Todos y ninguno. Quizás le faltó emoción y le sobró ambientación. Se empachó de teatralidad y olvidó pulir a los personajes. O simplemente el público no entendió una propuesta tan poco convencional.

Sin embargo, a toro pasado, Cotton Club envejece con dignidad. Posiblemente si en los tiempos que corren apareciera una película de estas características arrasaría en taquilla. Ya lo hizo Chicago y tampoco mejora las prestaciones del film de Coppola. Caprichos del destino.

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Una de las mejores actuaciones de la película

La historia de como Coppola rodó Cotton Club.

A día de hoy Michael Mann es uno de los grandes directores de la industria hollywoodiense. Desde que firmara El Último Mohicano su filmografía crece con películas sólidas sin apenas fisuras. Enémigos Públicos constata este hecho. Mann suma y sigue. En esta ocasión lo hace retratando la vida de John Dillinger, un ladrón de bancos que alcanzó cotas de popularidad inimaginables en la norteamérica de los años 30. Se empeña en recrear con mimetismo esos Estados Unidos posteriores a la Gran Depresión. Para ello, cuida enormemente la estética de su rodaje con aclarados tonos sepias y esconde la cámara en lugares poco habituales, utilizando la técnica del documental. En ocasiones, esa misma técnica entorpece al espectador, al borde del mareo. En otras, sale airoso. En cualquier caso, Mann arriesga, que no es poco. Sin embargo, argumentos similares lo hemos visto varias veces en la última década (Atrápame Si Puedes, American Gangster, Infiltrados…) y cuesta no pensar en ellos al visionar Enemigos Públicos. Esa tendencia de Hollywood a reincidir en el cine de género tras un éxito comercial llega a molestar. La década que se nos vá es la década de los gangster y los vampiros. Menos mal que puestos a reincidir el tandem Mann-Deep se antoja como una de las mejores combinaciones posibles, dejando al margen al inexpresivo Bale, por debajo de las expectativas. La enésima persecución policiaca tiene pulso, intriga y tensión, y sujeta en el asiento al espectador. A día de hoy, el cine de este autor es de lo más recomendable del año. Y más si su último trabajo no tiene nada que envidiarle a otros títulos suyos como Heat o El Dilema.

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