Sala llena y expectante. En la cola para entrar, que recorría un larguísimo tramo de acera, había quien buscaba con insistencia y sin mucho éxito, alguna entrada sobrante. No es de extrañar, ya que esa noche la sala Custom recibía en concierto al gran Iván Ferreiro, ex-líder de los Piratas.  En esta ocasión, el vigués presentaba su último disco, Confesiones De Un Artista De Mierda, donde repasa su carrera musical regrabando con un nuevo punto de vista musical algunos de sus temas más memorables, tanto de su carrera en solitario como de su etapa pirata.

Con una puntualidad de reloj suizo, el gallego sale al escenario acompañado de su banda y comienza a sonar sin dilación Toda la verdad. Al ritmo de los versos “solo hay mentiras si con ello lo que quieres es decir toda la verdad” el público se va introduciendo tímidamente. Tras un par más de temas, Iván saluda a la sala rompiendo totalmente el hielo y creando un ambiente de complicidad y buen humor que durará las dos horas de concierto. Se le ve tranquilo y disfrutando del momento. Esta sensación de cercanía es bien recibida por los espectadores, que se entregan bailando y coreando las canciones.

En la primera parte, que abarcó temas como Paraísos perdidos, Mi furia paranoica o El viaje de Chihiro, se pudo ver una banda en muy buena forma y cuya coordinación y compenetración quedó demostrada en Mi Munchausen, que hizo saltar al público, llegando  a la culminación del tema como una explosión perfectamente ejecutada por todos sus miembros: Amaro Ferreiro a la guitarra acústica, Emilio Saiz a la eléctrica, Gael Pintos a la batería y Pablo Novoa en la eléctrica, teclados e incluso se atrevió un poco con la percusión.

Tras este primer momento álgido, el concierto se volvió algo más íntimo cuando todos se fueron del escenario dejando solo a Iván para interpretar al piano y con su particular voz rasgada Inerte, una preciosidad de tema que erizó la piel de muchos de los asistentes. Hubo tiempo para versionar a amigos. En este caso Iván dio a elegir al público entre tres de sus últimas versiones realizadas sobre canciones de otros grupos del panorama indie español. Aquí jugó con el hecho de encontrarse en la capital hispalense como explicó y se decantó por una versión del tema de los sevillanos Maga: Diecinueve.

Después vinieron temas esperados como Promesas que no valen nada, Años 80 o Rocco Sigfredi y otros que sorprendieron al público, pero fueron recibidos con entusiasmo como M,  Jet Lag o una divertida Tristeza con Iván interpretando los dos personajes de la canción con mucho arte.  Entre ellos, intercaló otro momento más lento acompañado sólo por su hermano Amaro y que aprovechó para tocar SPNB y Canción de amor y muerte, su otra nueva composición (obra de ambos) que confesó era la primera vez que la tocaban juntos desde su grabación en directo.

La recta final del concierto se acercaba y Ferreiro lo recordaba entre bromas al público al que llegó a decirles “me dais miedo”, por lo insaciables que parecían. Santa adrenalina, Turnedo, Días azules y Piensa en frío fueron la traca final del concierto seguidas de una merecida ovación y palmas con ritmo del sur como sólo en Andalucía se hace (un guiño más al público que tuvo el cantante). Finalmente, llegó el bis con El equilibrio es imposible y Mi coco, que dejaron a los presentes con la sensación de estar en una nube de satisfacción.

En resumen, un espectáculo lleno de emoción que no dejó a nadie indiferente, sin grandes experimentos musicales, pero una banda compacta, un Iván cercano, simpático y volcado con su público. En fin, un reencuentro tan esperado (al menos por mi) como satisfactorio después de haberlo vivido. Un concierto más que recomendable y que esperamos que “siga  haciendo magia que volverá para salvarnos…“.

1. Drive (Nicolas Winding) – Winding consiguió el premio al mejor director en Cannes por este extraño y magnético thriller, muy alejado del cine convencional, que abrumó a la audiencia por su apabullante poderío visual y su desconcertante mezcla de géneros (entre una versión moderna del noir, la épica del western y el romanticismo europeo). Un violento ejercicio de estilo que nos rememora la década de los ochenta bajo el prisma valiente, lucido e inclasificable de un director en plena apoteósis que firmó una de las películas más singulares del año. Llegó a las salas españolas la pasada semana y no se nos ocurre mejor película para las navidades.

2. Midnight In Paris (Woody Allen) – Allen eligió Paris como escenario de su nueva película y no fue ningún capricho. La ciudad constituye un elemento clave para esta nueva incursión en el realismo mágico, tras la deliciosa La Rosa Púrpura Del Cairo o la discreta Alice. Un guionista de Hollywood retrocede en el tiempo hasta el Paris de los años 20 cuando a medianoche sube accidentalmente en un coche de época. De este modo conocerá a los grandes artistas que revolucionaron la cultura mundial a principios del siglo XX; Buñuel, Hemingway, los Fitzgerald o Adriana De Bourdeos entre otros. Una reflexión sobre el paso del tiempo y la importancia de pasar página para poder escribir otras nuevas. O lo que es lo mismo, una nueva obra maestra del genio neoyorkino.

3. No Habrá Paz Para Los Malvados (Enrique Urbizu) – La película más memorable de su director, que ya había demostrado capacidad de sobra para rodar cine negro de calidad con La Caja 507 o La Vida Mancha. En esta ocasión, ahonda en el Madrid castizo para contar un intrigante y complejo entramado que cuenta con uno de los protagonistas más bizarros que conoce la ficción española, el policía Santos Trinidad. Le perdonamos no equilibrar el nudo del relato para estar al nivel de su potentísima apertura y su turbio final, pues No Habrá Paz Para Los Malvados es sin duda, el mejor exponente del cine negro español de los últimos años. Coronado y Urbizu, esa sociedad perfecta, bordó su tercera colaboración y entusiasmó en San Sebastian a pesar de no conseguir ningún premio.

4. Beginners (Mike Mills) – A España llegó a mediados de 2011, permaneció un par de semanas en cartelera y tuvo escaso eco en el gran público. Muchos se perdieron un melodrama atípico y nostálgico, salpicado de un sutil humor que aporta encanto a esta historia de muerte y desamor de carácter existencialista. Oliver (Ewan McGregor) relata, mediante encadenados flashback, como su padre (un inmenso Christopher Plummer) sale del armario a la edad de 71 años y el palidecer de este tras serle diagnosticado un cáncer irreversible. Paralelamente, nos cuenta su historia de amor, la de un chico reservado con dificultad para entablar relaciones de pareja. Durante el 2011, pocas películas han sido tan conmovedoras y profundas. Por la estupenda dirección de Mike Mills, por su excelente reparto, su poso entrañable y su delicado mensaje, tiene un puesto merecido en las películas del año.

5. Un Dios Salvaje (Roman Polanski)- Una opinión muy personal; Polanski (al igual que Clint Eastwood) está firmando sus mejores películas en plena vejez, siendo ya septuagenarios. Tanto El Pianista como Oliver Twist o El Escritor atesoran momentos excelsos, de puro y talentoso cine. El director polaco maneja los códigos cinematográficos con una habilidad de artesano y desde su retiro europeo goza del tiempo y la serenidad necesaria para dedicarse plenamente a sus películas. En su nueva obra se sumerge en el género teatral para hacer de un problema cotidiano todo un análisis de las reglas morales contemporáneas. Diálogos punzantes y un elenco de actores de primerísimo nivel (Kate Winslet, Christopher Waltz, Jodie Foster, John Reilly) para una cinta de obligado visionado.

6. Mientras Duermes (Jaume Balagueró) – Una película minimalista rodada con sobriedad, audacia y sentido del suspense y con el inestimable plus de contar con un extraordinario Luis Tosar en estado de gracia. Balagueró duda de la fiabilidad de la gente corriente e infunde el miedo en la más inocente cotidianeidad. Con retazos de Polanski o el propio Hitchcock, atesora alguna de las escenas más inquietantes del pasado año. Cine sin excesivos alardes, pero con una indiscutible eficacia que dignifica el cine español. De estas películas que te dejan agarrado a la butaca hasta el final.

7. X-Men: Primera Generación (Matthew Vaughn) – La cinta tapada del género superheróico. Ni Thor, ni Green Lantern ni El Capitán América, fueron los pupilos de Xavier los que nos brindaron los momentos más emocionantes del comic llevados a la gran pantalla durante este 2011. La cuarta entrega de los X-Men es una trepidante precuela que alterna una primera parte equiparable al mejor cine de espionaje, y una segunda, que se sumerge sin complejos en la aventura comiquera. Si lo aderezamos con el tenso pulso interpretativo entre James McAvoy (el profesor Xavier) y Michael Fassbender (Magneto) y con una saludable coherencia cronológica, el relato crece y se hace gigante. Un perfecto entretenimiento palomitero que encadilará a cualquier marvelita que se precie.

8. El Origen Del Planeta De Los Simios (Rupert Wyatt) -  No parecía que tras el -injustamente despreciado- remake de Tim Burton hubiera material simiesco como para lanzar una producción tan ambiciosa. Tampoco que el elegido para llevarla a cabo, Rupert Wyatt, con tan solo una película a sus espaldas (The Escapist, 2008), fuera el más indicado para semejante empresa. Sin embargo, la precuela de uno de los títulos más míticos de la ciencia ficción sorprendió a todos por ser uno de los productos veraniegos más excitantes que se recuerdan. La historia de Cesar, un primate que sale de un centro de investigación y consigue evolucionar gracias a la ciencia, te agarra y no te suelta. Tiene pulso, ingenio, gran sentido del espectáculo y cierto desasosiego, todo lo que se le puede exigir a una producción de tal calibre. Con unos tremendos efectos especiales, el climax final del puente Golden Gate es una de las escenas más memorables del cine de acción del 2011. El blockbuster del año.

A nivel nacional: El año ha sido de notable alto. Muchos autores consagrados han lanzado disco al mercado, y en muchos de ellos he encontrado canciones que considero imprescindibles en este año (Sr. Chinarro, Manel, Nacho Vegas, Antonia Font, Sidonie, Marea…). Como Bunbury se ha demorado tanto, no podremos analizar su disco este año. Así que los que más me han gustado ha sido estos:

* Extremoduro – Material defectuoso. Ya hicimos reseña por aquí. El Robe más pausado, nostálgico y poético sacó una especie de cara alegre de “La ley innata” (2008), que le han valido tantas críticas como elogios. Nosotros nos sumamos al carro de sus elogios por la personalidad musical imprescindible de Robe, porque sus versos nos fascinan y porque teníamos ganas de saber qué diría Robe sin la mala leche de antaño y en estado de enamoramiento. Pues esto. Y mola.

* Loquillo – Su nombre era el de todas las mujeres. También hicimos reseña. Aunque peca en ocasiones de sobreproducido, el experimento de Loquillo, muy en la línea de Balmoral, me ha seducido por su mezcolanza entre poesía y música. Los poemas musicados de Luis Alberto de Cuenca, que encajan perfectamente en el universo del Loco, hablan del amor y desamor en esa generación madura (entre el posfranquismo y la movida) que ahora, pasado el tiempo, es capaz de mirarse a las entrañas y narrarse con estas historias de hombres que aman a mujeres imposibles.

* The New Raemon, Francisco Nixon & Ricardo Vicente – El Problema de los tres cuerpos. El universo del pop independiente en español no sería hoy lo que es sin atender a estas tres importantísimas figuras de la escena. Un disco a seis manos (tres canciones por barba, nunca mejor dicho). El problema de los tres cuerpos no es, ni mucho menos, un problema. Es un disco de pop preciosista, enormemente producido con la ayuda de Ricky Falkner y canciones que rebosan una lírica reconocible y una musicalidad compacta. Especialmente destacados los temas de Ricardo Vicente (La Costa Brava), cuyos temas “Todos tus caballos de carrera” o “El Palacio de los Gansos”, me parecen de los temas pop del año.

A nivel internacional: El problema de evaluar los discos que salen fuera de España es que el panorama es tan amplio que es casi imposible escucharlo todo y tener una concepción global. Yo hace dos años que ni lo intento, antes era mucho más ingenuo. Escucho solo lo que me atrae o lo que cae en mis manos. Así, estos son los tres discos que más me han gustado:

* Bon Iver – Bon Iver. La gente decía, y con razón, que Bon Iver no iba a poder sacar un disco tan bonito como el de su debut, For Emma, forever ago. Pero lo hizo. El disco homónimo del grupo de Justin Vernon, es una auténtica delicia para los oídos. Ese pop-folk con arreglos imposibles ha adquirido aún más profundidad y las sensaciones musicales de su cantante y compositor son excelentes. Se le ve más seguro que nunca de su apuesta. Lo que el devastador single “Calgary” adelantaba, luego fue corroborado por el disco. Bon Iver ha parido diez canciones sobre diez localizaciones terrenales del planeta donde estacionalmente hace un frío que pela. Pero pese a su nombre y esa insistencia sobre lo invernal, su disco no es frío, es intenso, profundo, sobrecogedor y apabullante. Es, sin duda, el disco del año.

* Herman Dune – Strange Moosic. Les seguía ya la pista hace algunos años. Dicen que sus mejores discos ya los parieron, pero no puedo estar más en desacuerdo. A mi juicio, este Strange Moosic (que será el nombre de su futura discográfica) es el mejor disco del duo francés. El que se encuentra a medio camino entre el sonido más popular de la banda y sus influencias primigenias. Con David-Ivar en estado de gracia vocalmente, y un repertorio que igual le asemejan a Wilco que a Neil Young, los coros, estribillos y guitarras acústicas del último trabajo de Herman Dune te atrapan y te cambian el ánimo. Después de escucharlos, casi siempre, te sientes mejor. Y eso, como podréis imaginar, no tiene precio. Y si no os vale con eso, siempre lo podéis comprobar ustedes mismos.

* Wilco – The whole Love. La vuelta de Wilco a un nivel de notable alto y las actuaciones triunfantes que han tenido por España vuelve a colocar al grupo de Jeff Tweddy en la más alta de las consideraciones tanto para crítica como para público. Para colmo, en su último trabajo recuperan los largos desarrollos, los temas de pop redondos o las canciones folks de ataque directo al corazón. Lo comentamos por aquí, y lo repetimos ahora, Wilco ha vuelto. Y por lo que parece, para quedarse.

Ahora que nos sumergimos en el derroche navideño, es buen momento para recomendar una de las obras que escribió en su exilio en Lanzarote, La Caverna.

Cuenta la historia de un alfarero, ya sexagenario, que vende sus humildes artículos de barro a un gigantesco centro comercial, punto neurálgico de una ciudad engullida por el consumismo e inundada de productos inertes procedentes de gigantescas cadenas de fabricación.

Un buen día a nuestro protagonista, Cipriano Algor, le dicen que sus productos son caducos, que los clientes del centro comercial ya no están interesados en artilugios de barro y que el plástico, más barato e irrompible, se ha comido ese mercado. El Centro (en el libro escrito en mayúsculas para acentuar su solemnidad) solo se rige por parámetros económicos de eficiencia y durabilidad y de este modo, pone fin a la relación comercial entre las partes.

Y de la noche a la mañana, un viejo artesano que solo sabe modelar, se ve sin trabajo ni esperanzas en un mundo tecnificado, cruel y sin alma.

Y así comienza la primera parte del libro, que básicamente elabora un tratado sobre el hombre y el trabajo. La relación entre ambos, la necesidad de sentirnos útiles,  el autoconcepto. Una reflexión profunda sobre una de las actividades más básicas del ser humano.

La falta de trabajo condena a Cipriano Algor a vivir en El Centro (que también tiene viviendas), el paradigma del capitalismo, un sitio aséptico, moderno y mecánico diametralmente opuesto a las preferencias del viejo alfarero.

La segunda parte se centra más en los episodios familiares que suceden mientras intentan salvar su trabajo. De este modo, Saramago saca a la palestra las preocupaciones propias de un señor de avanzada edad; el ocaso de su vida, la posibilidad de un amor maduro, el tiempo en familia, los principios… es un retrato de una vejez humilde y trabajadora, descontextualizada en tiempos tecnoburocráticos (sus conversaciones con los operarios de El Centro son toda una crítica a un sistema deshumanizado).

Y el desenlace final, o la tercera parte, es la apoteosis del libro, un canto a la libertad -a salir de la caverna- y la actualización del autor del mito de la caverna de Platón. Recoge las palabras más metafóricas, sabias, hondas y emocionantes del libro.

En mi opinión es el final lo que salva al libro de ser, a pesar de su evidente y rica profundidad, un tostón de mucho cuidado. Y es que Saramago se regodea en su estilo, personalísimo e inigualable (sin apenas puntos, con narrador encubierto, diálogos separados por comas, con gusto por la enumeración…) y deja falto de dinamismo al relato. Quizá es que la propia historia demande esa lentitud por su carácter cotidiano y por atrapar al lector en esa rutina gris que rodea a Cristiano Algor.

En cualquier caso, es una obra menor en la bibliografía de una de las mentes más lúcidas de nuestra literatura contemporánea. Un ejercicio de estilo a la vez que una feroz crítica al capitalismo. Un libro a la medida de su protagonista; humilde y con oficio.

Vale. Os pongo en situación. Alberto Olmos es, bajo el pseudónimo de Juan Malherido, uno de los críticos blogueros literarios más famosos de la blogosfera. Su blog es un acierto, por los análisis y el acompañamiento de fotos eróticas. Éste es su blog. Y después de varias novelas, donde la más conocida sea, tal vez, Trenes hacia Tokio, se esperaba con ganas su nuevo trabajo. Se hablaba cada vez más de él, pero sobre todo, cada vez más de su escritura (lo realmente importante). También, por contra, se le tenían cada vez más ganas y acumulaba cada vez más detractores.

Cuando llegó a mis manos El ejército enemigo y cerré el lomo al leerlo, pensé que todos aquellos que esperaban un descalabro, una novela ignorada o, simplemente, una novela más, tendrían que esperar a otra ocasión. Ésta es una gran novela. Explico un poco el plot de la novela, y luego, a continuación, mis motivos para considerarla una gran novela.

A ver, El ejército enemigo es una novela que cuenta la historia de Santi, un publicista descreído con el mundo, excepcionalmente escéptico y por encima de reglas morales. O mejor dicho, si tiene reglas morales, pero obedecen al dictado del instinto sexual. El mismo personaje llega a hacer una reflexión acerca de lo importante que es satisfacerse sexualmente en la vida. Tanto que, fuera del trabajo, se convierte en el motor de casi todas sus acciones sociales. Bien, pues Santi, para oxigenarse suele tomar cervezas con Daniel, un amigo activista de ONGs, activo socialmente y con una visión mucho más moralista del mundo. En sus conversaciones siempre enfrentan, pero se terminan respetando. Cuando Daniel muere, en extrañas circunstancias, éste le deja un paquete que contiene una peculiar herencia.

De aquí parte la novela. En cuanto a estilo, uno le podría comparar directamente con Houllebecq o incluso con Beigbeder (que por cierto, no le gusta mucho a Juan Malherido). Pero, será porque no se trata de una traducción, a mí la prosa de Olmos me parece que juega con más efectividad alternando un lenguaje de la calle, con tecnicismos propios de cada personaje y reflexiones profundas. Incluso, cuando te pilla con la guardia baja, te lanza un venenoso dardo literario. Y funciona. La novela se lee con una fluidez exagerada, sin que por ello sea trivial y artificiosa.

Referente a la construcción de la trama y personajes, creo que hay mucho trabajo detrás. Incluso que obedece cierto rigor literario (las normas básicas de creación). Y en eso le reconozco mérito y disciplina. Por ejemplo, Santi tiene esos dos o tres detalles que hacen al personaje único. Me refiero a que, por ejemplo, lea palabras diferentes a las que realmente lee, anote todos los acontecimientos relevantes de su vida en cuadernos, o tenga esa obsesión sexual siempre presente, etc. Otro ejemplo, los giros narrativos están en el libro donde deben de estar. Cuándo parece que se va a quedar en un viaje interior a la moralidad del protagonista, se noveliza, cuando se noveliza, entra un nuevo espacio para el debate y le ortorga profundidad. No es casualidad el orden de El ejército enemigo. Tiene un juego de ordenamiento detrás, está tramado con mala idea, para ir urgándonos en la moral.

También me gusta el debate que propone. Esto contiene una vertiente doblemente peligrosa. Con la novela, el autor ha sido, en algunos foros, tildado de provocador barato (he leído mucho al respecto). Por otro lado, habrá incluso quién se vea abrumado o agredido moralmente. Yo creo que ni una cosa ni la otra. Simplemente es un personaje que dispone, primero, y propone, después, a través de lo que le sucede. Y como punto de partida del debate, el confrontar ese mundo de activismo social y Ongs (tan inmensamente criticable y desmontable en algunos casos como íntegro en otros) con el mundo publicitario, capitalismo puro y duro, e incluso entrelazarlos y acordonarlos, a mí me parece un acierto. Hacía tiempo que no pensaba al respecto. Con el libro, me he visto obligado a hacerlo. También se mete de lleno en el terreno de la personalidad del individuo. Aquí, la parte en la que Santi navega por la red, se convierte en otro barbecho de preguntas y dudas acerca de los límites del “yo íntimo”.

Tirando al final, existe un encabalgamiento en la trama que yo, o no he sabido percibir bien, o me parece muy forzado (el único pero grande que le veo al libro), pero a esas alturas ya me da un poco igual. Creo que la novela cumple su objetivo y consigue, en el lector, en MI LECTOR, gran parte de lo que se había propuesto. Te mantiene a la expectativa durante la acción, te hace pensar, te revuelve y luego te abandona a tu suerte. ¿No se trata precisamente de eso?

Blog del autor.

Sorprende que una película con un metraje tan largo y tan exigente con el espectador haya obtenido semejante respaldo. Porque Malick nos propone un arduo y metafórico viaje a través de los ojos de Jack, el mayor de los hermanos de una familia de clase media en la América de los años cincuenta. Sus recuerdos familiares se intercalan con bellísimas y espectaculares imágenes sobre la naturaleza más recóndita y cristalina, estableciéndose un paralelismo entre el despertar de esta familia -y los acontecimientos a los que se enfrenta- con la propia biodiversidad terrestre, siendo imposible escapar del interrogante religioso sobre el génesis humano.

Sin menospreciar el contenido, una reflexión sobre la familia y la abusiva jerarquía patriarcal, la nueva cinta de Malick es todo un ejercicio de estilo, donde los claros predominan sobre lo oscuro, la música adquiere una molesta solemnidad y la cámara subjetiva una significativa relevancia. Cuando la poesía se hace imagen aparece el Malick artista, capaz de hipnotizar al espectador con instantáneas únicas, sensaciones tan logradas que viajamos a nuestra infancia por pura afinidad evocativa.

Pero en su afan de explorar los límites del arte y las inquietudes humanas más profundas, El Árbol De La Vida puede pecar de onírica, de un exceso metafórico que conduzca al espectador al hartazgo y la renuncia. En su vanguardismo reside, por tanto, sus virtudes y sus defectos.

Malick se desvela como un ambicioso esteta, un intelectual que pretende analizar las relaciones paternofiliales y el camino a la vida adulta con la misma intensidad que despliega lo mejor de su instinto cinematográfico. Y quizás sea por eso, por su afan por acaparar todas sus metas sin concesiones a la sencillez, por abrir numerosas puertas sin cerrar ninguna y por su desmedido sentido lírico, por lo que El Árbol De La Vida naufrague. Porque son pocos lo momentos en los que la cinta se preocupa por el espectador, y muchos en los que el espectador debe autoexigirse para entender el enrevesado discurso de su autor.

Copio y pego la sinópsis oficial:

Año 2041. Un futuro cercano en el que los seres humanos viven acompañados de criaturas mecánicas. Álex, un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene con un encargo muy específico de la Facultad de Robótica: la creación de un niño robot. Durante diez años de ausencia, la vida ha seguido su curso para su hermano David y para Lana, quien, tras la marcha de Álex, ha rehecho su vida. La rutina de Álex se verá alterada de forma casual e inesperada por Eva, la increíble hija de Lana y David, una niña especial, magnética, que desde el primer momento establece una relación de complicidad con Álex. Juntos emprenderán un viaje que les precipitará hacia un final revelador.

Lo primero que me llama la atención es como han conseguido financiación para esta película. El director lo revela aquí. Tampoco es ningún secreto: televisiones, subvenciones, coproducción internacional y ayuda de la ESCAC, escuela superior de cine de Catalunya.

Luego, visto lo visto, el dinero está muy bien aprovechado. Para ahorrar costes, la acción se desarrolla en Santa Irene, un pueblo imaginario que se debe encontrar en algún lugar entre la montaña de Catalunya y Francia. Acotando el espacio y ahogándolo en la nieve, el espectador puede sentir la misma opresión que su protagonista, que se decidió a marchar dejando un proyecto de robótica a medio hacer. Ahora, se le recupera para terminar un proyecto. El de buscar un niño que sirva como patrón para generar un androide que haga las funciones de niño. Y ahí entra Eva, que es Claudia Vega en el mundo real y que está sencillamente, impresionante. Es casi imposible que no recuerde a la Natalie Portman de Beautiful Girl, por la escena del patinaje, la relación con Alex y todo eso.

Por lo demás, la cinta se sostiene con cuatro protagonistas que están a buen nivel: Daniel Brühl, Marta Etura, Lluis Homar y Alberto Ammann. Todos dignos en su papel. Quizás, los diálogos sean excesivamente escuetos y a veces simples, pero los protagonistas sostienen la cinta. Ésta, en contra de lo que pueda parecer, es una película de personajes. Muy bien Lluis Homar en el papel de Max, que consigue no caer en lo ridículo ni caricaturesco, pese al peligro del papel. Hay que ir con la mente abierta. No es ciencia ficción al uso, aunque puedan venderla como tal.

La cinta tiene, además, muchos y cuidados detalles que la engrandecen. Una elaborada ambientación, que hace posible la convivencia entre androides y humanos, unos efectos creíbles y bien armados, y un ritmo narrativo alto (a veces, demasiado alto). Para mí, el único fallo, es que la película, queriendo apresar la atención del espectador, hace uso de un Flashfoward innecesario, que anticipa demasiada información y le hace mucho daño a la película. No sé quién lo decidió así, pero a mi juicio, se equivocó.

Dicho esto, la reflexión de fondo. Es mentira que el cine español sea malo y que dependa de tres nombres (Almodóvar, Amenabar y Alex de la Iglesia). También que no haya alternativas y todo gire en el mismo tipo de película. En cartel, tenemos ahora tres ejemplos que hemos comentado aquí y que rompen esas teorías: “No hay paz para los malvados“, “Mientras duermes” y “Eva”. Thriller, suspense y ciencia ficción. El cine siempre fue un lugar donde, por más que se quisiera, el talento vivía por encima de todo. De nombres y de banderas. Buen cine hay en todos sitios, solo que hay que encontrar proyectos que reúnan a la gente adecuada, gente que le pone empeño, trabajo y talento a sus proyectos. Gente como, por ejemplo, el equipo humano que hace esta película, “Eva”, una buena, buenísima noticia para el cine Español.

Junto a Paco Plaza grabó [Rec], una de terror donde utilizó la cámara al hombro para rodar un escalofriante relato de zombies que habitaban un extravagante bloque de vecinos. Bajo una falsa telerrealidad asombró en Sitges y poco después convenció a los académicos españoles, que le otorgaron sendos goyas a la mejor actriz de reparto y al mejor montaje.

Pero aunque sorprenda, Balagueró -que luego firmaría una prescindible secuela de [Rec]- aun no había tocado techo. Lo toca estos días con la proyección de Mientras Duermes, una nueva incursión en el género de terror. Se trata de una cinta desnuda de efectos dirigida con premeditadae inteligente sobriedad. Balagueró reduce los espacios y juega de nuevo con claroscuros para contarnos el frío día a día de un portero de viviendas, -de una finca parecida a la de [Rec]- que hundido en sus anhelos, se obsesiona por conseguir a cualquier precio la felicidad que durante años le fue negada.

Luis Tosar, el actor español más en forma, vuelve a bordar un papel de lunático para dar absoluta credibilidad a una historia en la que también impresiona la naturalidad que desprende Marta Etura al interpretar el rol de Clara. Con un elenco de apenas una decena de actores y aplicando una notable economía de espacio, Balagueró restringe la acción provocando cierta claustrofobia -al más puro estilo La Habitación Del Pánico (David Fincher, 2002)- y aplicando certeros contrastes de forma (mediante música y luz). Exquisitos detalles técnicos que aportan ritmo narrativo y juegan con el pulso del espectador, siempre tenso, angustiado en esa doble vida de su protagonista.

Si alguna vez pensamos que el cine español jamás iba a estar a la altura de productos hollywodienses, desengañémonos, thrillers como este, con ese aroma clásico que tanto debe a Hitchcock o Polanski, se pueden contar con los dedos de la mano a uno y otro lado del charco. Es preciso juntar talentos de la talla de Balagueró, Rosso, Tosar o Etura y admirar el resultado para percatarnos de que no hace falta despifarrar mucho para obtener cine de calidad, solo hay que juntar las piezas adecuadas.

¿Y qué tiene este “En mi hambre mando yo“? Pues… como decirlo, más de lo mismo. El caso es que, debatiéndolo con mi entorno cercano digital y personalmente, de Marea lo que queremos es esto. Poemas musicados en el ámbito del rock&roll de la mejor manera posible. Algo más de ese mundo interior salvaje, de profesiones antiguas y lenguaje con injertos del amor y de la naturaleza. Queremos universo Kutxi, y queremos que, a ser posible, haya algunos estribillos fáciles de recordar y queremos también que se dignifique el rock y que suene bonito y limpio. Todo eso lo consigue Marea a las mil maravillas y Kutxi sigue haciendo letras de una calidad sobresaliente, muy por encima del 80-90% de grupos coetáneos. Pero… ¿Es suficiente? ¿No debería un grupo buscar nuevos horizontes o vale, simplemente, con hacer lo que les gusta? Kutxi ya ha dicho mil veces en las entrevistas que ellos están ahí por placer, que van a hacer lo que les salga hasta el final de sus carreras y que, por poner un referente, quieren ser los Barricada de su época. Marea, aunque las comparaciones sean odiosas, no ha optado por una vuelta de tuerca en su estructura o en su concepción de trabajo musical como sí lo ha hecho Extremoduro, sino que ha reincidido en sus virtudes, depurando al máximo el producto, quedando redondito y muy apañado. ¿Es eso reprochable? Pues depende de la exigencia de quién lo escuche. En mi caso, me cuesta reconocer que a Marea le perdono lo que a otros le reprocho, pero supongo que, sacando un disco después de cuatro años, no me da para el hartazgo, sino al revés, espero con ganas sus discos.

Y ahora ya dentro del disco, hay algunas notas a destacar. Dice un amigo que tienen influencias muy AC/DC y que han evolucionado sus riffs de guitarra. Puede ser, yo no lo reconozco en mis primeras escuchas, pero puede ser. Por otro lado, tiene tres o cuatro temas que bien podrían formar parte, con el tiempo, del repertorio típico de sus conciertos. Particularmente, Canaleros y Ojala me quieras libre, me parece que tienen todas las papeletas. Luego destaca alguna canción de amor tipo Los mismos clavos, de esas que podrías cantar a alguien para que se sienta especial. Y aqui incluyo, sobre todo, a El día que lluevan pianos. Y ya desde la óptica del que también escribe, uno no deja de sorprenderse de la calidad de Kutxi escribiendo, de esos quiebros en los versos musicales y la frase precisa. Cómo consigue aunar poesía y canción, sin que ninguna de las dos se resienta.

Y esto es lo nuevo de Marea. Quién busque nuevas emociones, ya puede salir disparado, quién, por el contrario, quiera deleitarse con una nueva entrega de versos al son del Rock&roll, sin duda, este es su sitio, uno de los lugares donde, actualmente, puede sentirse más cómodo.