Ah, ¿pero todavía no la habías visto? Pues no. ¿Y qué decir? Pues que es un clásico bien considerado como tal. Un clásico no por el nombre del director, o por los actores, el escenario o la época, que lo son. Es un clásico porque tiene todos los ingredientes necesarios para serlo. Se supone que es una comedia, pero una comedia tremendamente dramática, que habla de las dos preocupaciones-ocupaciones básicas del ser humano: El trabajo y el amor. Está rodada en blanco y negro gracias a su director, que lo quiso así. Esto, sumado a la fotografía, aporta a la película un tono gris, melancólico, nostálgico, muy apropiado con la temática.

El argumento es sencillo: A un trabajador de una gran empresa de seguros, que encarna Jack Lemmon, en la que trabajan multitud de empleados amotinados todos en el mismo edificio, sus  compañeros de  trabajo le piden su apartamento para usarlo como nido de amor, cuando tienen una relación extramatrimonial. Lo que al principio son cuatro empleados que se benefician, va aumentando y se complica hasta que llega a escena su jefe, el cual no duda en usar el apartamento con su amante. Todo será aún más enrevesado cuando descubra que la chica que trae el jefe es la misma de la que él está enamorado.

A la película le hacen grande, a mi entender, cuatro asuntos fundamentales:

1) Los diálogos. El guión es, sencillamente buenísimo. Tiene una serie de reflexiones implícitas de gran calado. Me quedo con algunas de las perlas que suelta Shirley MacLaine, cosas cómo, “¿Por qué tenemos que enamorarnos?”. “Hay víctimas y aprovechados, es el sino de cada uno y no tiene remedio”. “¿Cuántos días son necesarios para desintoxicarse de la persona amada?” En realidad, su personaje es de una visceralidad que abruma. Y lo es gracias a la pluma de Billy Wilder, apoteósico en sus reflexiones, irónico. A Shirley la deja reconociendo su miedo a la soledad, la dependencia sentimental de un monstruo, esperanzada sin motivo, optimista y soñadora de quimeras, el trabajo de la actriz es realmente memorable. La actuación de Jack Lemmon interpretando a Buxter no se queda atrás, uno siente la misma impotencia y cariño por ese calzonazos de las finanzas, ese tipo de “los que no saben decir que no”, ese pelele laboral y social en el que se convierte toda la película y al que le roban la dignidad.

2) El humor dramático. Aquí el humor no viene sólo. Viene embadurnado en ironía, en sarcasmo, y en definitiva, en drama. Las situaciones llegan al esperpento. Y no se esquiva, no se vayan a creer, el director se regodea. El bueno de Willy Wilder te vence a los puntos, va zurrándote sin compasión hasta dejarte en la lona, tendido.

3) El amor. Me creo todo cuánto me dice esta película. Me creo lo bueno y lo malo. Me creo que te enamoras de quién no te conviene. Me creo que un día el azar te pone esa persona por la que suspirabas en el mismo camino, me creo que liberarte de un amor es como liberarte de una cárcel de lodo. Me creo que los finales pueden ser felices y amargos, y de que la amargura al éxito, hay una franja muy estrecha de la que nadie sabe el camino. El amor según Wilder me conquista, me atenaza, me rompe y me revive.

3) La crítica social. Y aquí está el aspecto más espeluznante de “El Apartamento”. La película ha envejecido bien. La empresa de seguros, bien podría existir hoy enmascarada bajo nombres como “Telefónica”, “Vodafone” o alguna de estas, los empleados que se aprovechan, son los famosos “trepas”, el Jefe… Bueno, ¿qué les voy a contar de los jefes de hoy en día? En realidad es una señal verdaderamente triste que esta película nos siga reflejando. Quizás hoy en día sea incluso más duro que antaño. Quizás Jack Lemmon permaneciera para siempre en ese gran zulo de oficinas y quizás su apartamento estuviera aún ocupado con su jefe, que estaría acostándose con su amor. Quizás, en el fondo, ver esta película nos haría mucho bien si no fuera porque nos vemos fidedignamente reflejados en ella.

Ver cinta Online.

Ganó 5 Oscars en 1960, mejor Director, mejor Película, mejor Guión Original, mejor Montaje y mejor decoración en blanco y negro.

Scriers.

Una lástima porque desvirtua las grandes sensaciones que produce su primera entrega. Rec 2 no aprueba la reválida. ¿Por qué?. Pues porque es difícil tomársela en serio. Todo huele a encargo comercial y resulta demasiado artificial. Porque pierde frescura. Porque a pesar de seguir el mismo patrón de su predecesora (cámara al hombro en primerísima persona y trama plagada de incógnitas) para contar una historia similar sin caer en lo reiterativo, esta se desmorona debido a sus ridículos esterotipos. Hágamos un recuento; tres chavales insensatos, un cura con un exagerado acento del este, un GEO argentino (¿por qué ahora proliferan los personajes argentinos en la ficción española hasta parecer obligatorio?), el jefe GEO responsable, un vecino entusiasta, un bombero asustado… diferentes roles en personajes poco creíbles o demasiado caricaturizados. La conversación inicial del cura con los GEOS ya comienza a mosquear y despertar dudas. El resto sigue la misma tónica. Tiene que llegar Manuela Velasco, una actriz de corta trayectoria, para levantar el vuelo de un reparto poco convincente. Si a este handicap le añadimos que el factor sorpresa lo ha perdido, el interés por esta nueva historia decae.

No obstante, Balagueró y Plaza tienen mucho mérito. Han continuado la historia situando la acción dos horas después de lo acontecido en esa tétrica casa de vecinos de un modo razonable. El porqué de lo que ocurre en ese edificio tiene cierta coherencia, decantándose por SPOILER lo sobrenatural y/o religioso FIN SPOILER. Una aceptable explicación acompañada de un gran trabajo técnico y digital.

Tiene oficio esta pareja de directores. Lástima que no logren crear tantos momentos de tensión como en la primera entrega. En esta ocasión se basan más en brutales golpes de sonido (e imagen) que en originar una atmósfera inquietante y angustiosa. A ver, Rec 2 acojona, pero no aterra. Si además los personajes no ayudan a creer en lo que te están contando, todo resulta más difícil.

Cuando conocí que Rec iba a tener continuación me extrañó (aunque Eterno Viajero me comentó que es una secuela muy lógica por su éxito comercial). Me pregunté a mi mismo como serían capaces de seguir con aquella espléndida historia de terror. Pensaba a su vez en lo complicado de la empresa. Tenía claro que yo no quería volver a ver ese edificio ni en pintura. Me aterraba tanto. A regañadientes entré en el cine entre el canguelo y la emoción. La genial introducción te despierta el gusanillo. Pero dura poco, unos veinte minutos. Ahora ese edificio no me da tanto miedo.

Enlaces relacionados:

- Crítica en El País

- En La Butaca

Esta semana se estrena en España The Damned United, una película cuyo máximo atractivo reside en su peculiar temática, el fútbol. Ocurre que escasean las cintas sobre el deporte rey. Como gran y poderosa industria, Hollywood ha destinado más títulos (algunos excelentes) al fútbol americano o el baloncesto que al soccer, como allí lo llaman. Obviamente, ha tenido que ser una producción británica la encargada de filmar una cinta dedicada plenamente al mundo futbolístico. Tom Hooper, un director londinense especializado en tv-movies, es el encargado de dirigir esta película sobre los 44 días que el entrenador Brian Clough pasó al frente del mítico Leeds United (actualmente, y debido a las deudas económicas, hundido en la tercer división del fútbol inglés) allá por 1974.

The Damned United indaga en la peculiar vida de los entrenadores, en sus manías, sus rencillas, sus filias y fobias. Muestra también lo sacrificado de llevar una vida atípica y nómada. Es un retrato bastante certero de las dificultades que puede encontrar un entrenador que asume un reto para el que solo vale un resultado: el triunfo. Las exigencias crecen al mismo ritmo que las cuentas bancarias y las ansias de poder de estos entrenadores cuyos puestos suelen depender directamente de los resultados. De este modo, el film reflexiona sobre la gestión del éxito en la vida de los profesionales del fútbol, la soledad y esa oportunidad constante de renacer y empezar de cero.

La ambientación está muy conseguida y a través de unos actores excelentes (salvo esos jugadores pasados de peso), llegas a creerte esa Inglaterra forofa de los años setenta con los campos lluviosos y encharcados. Michael Seen, que ya me había impresionado en Frost Contra Nixon, vuelve a bordarlo en el papel de Clough, un entrenador algo bocazas y excéntrico al que el fútbol le da un duro revés invitándole a reflexionar y establecer prioridades.

Quizás por acercarse de un modo tan cercano al fútbol y ser tan respetuosa con la historia (hay frases que son 100% verídicas) se vuelva una película aburrida para aquellos que no simpaticen con este deporte. En mi caso, sin llegar a cautivarme, me despierta mucho interés, y con ese humor negro tan inglés, me provoca varias sonrisas.

Se debe tener en cuenta que una película sobre fútbol es, a nivel técnico, extremadamente compleja de llevar a cabo. ¿Cómo metes a 70.o00 personas en un estadio para grabar dos escenas?. Pues utilizando imágenes de partidos reales y numerosos trucos de montaje, que aunque sean evidentes, no desentonan en absoluto en el conjunto. Por tanto, Hooper sale airoso del complicado reto.

Al conocer el caso de Clough, uno siente curiosidad por la historia futbolística de la Premier League, que, si uno comienza a investigar tiene episodios realmente fascinantes. Ya sabemos que allí viven el fútbol con auténtica pasión y que ese fino humor de las isla acompañó a figuras como Michael Robinson, George Best o el mítico Bobby Robson, entre otros. Sin duda, se podrían hacer varias películas con alguno de estos personajes.

The Damned United consigue lo que ninguna película hasta la fecha, una descripción fidedigna y realista de los entresijos del mundo futbolístico. Al menos de aquellos años ochenta, donde todavía no era la enorme industria multimillonaria actual. Luego podremos debatir si las escenas tienen en mayor o menor medida el pulso narrativo y ritmo necesario para atrapar al espectador, pero el resultado final de este The Damned United (que podría traducirse como el equipo condenado o maldito) me parece más que digno, de una obligada revisión para cualquier aficionado al deporte rey.

PD: Relacionándolo con el post anterior, como disfrutaría con una película sobre Cruyff.

Enlaces Relacionados:

- Brian Clough en la Wikipedia

- Películas sobre fútbol

- Descarga Directa en Argentina Warez (DvdRrip, V.O.S)

- Ficha en filmaffinity

Trailer:

Comenté por aquí, y de eso hace un año casi justo, las excelencias de una obra no superhéroica, pero desarrollada en el entorno del superhéroe de moda (por encima de Spiderman y Batman), Lobezno. Una de sus obras clave, es Arma X, y la nueva película de Hugh Jackman nos fue vendida como su paralelismo en versión gran pantalla. Nos iban a hacer la película de Lobezno y encima iba a tratar del proyecto Arma-X, o lo que es lo mismo, Logan iba a ser aislado del mundo superheróico y trasladado a un entorno opresivo dónde conseguir exponer sus poderes al límite, elongar esa fina capa que separa al hombre del animal.

Pintaba bien, y era, además, la oportunidad perfecta de hacer una película seria, con un guión serio y un transfondo serio, sobre un personaje de Marvel. “Rendíos, críticos”, estaba dispuesto a exclamar.

Pues no. No sólo eso, sino que todo lo que rodea esta película dan mil y un motivos más a los detractores del cine de superhéroes para justificar sus motivos. Aquí, bajo la premisa de ser el origen de Lobezno (algo que en el cómic nunca se sabe a ciencia cierta), se mezclan situaciones, personajes y tiempos para realizar un film de acción espectacular a nivel visual, pero vacío como un agujero negro en su plano argumental y en el transfondo de la película.

Aquí, Logan y Creed, hermanos de sangre, sobreviven a todas las guerras de la historia hasta llegar a un cuerpo de soldados de élite dirigidos por el gobierno, dónde su estrecha moral y métodos sanguinolentos y asesinos, obligan a Logan (mucho más que un animal) a abandonar su disciplina. Con el tiempo, alguien regresa para asesinarlos a todos, y entre ellos, a la “novia” de Logan, una mezcla de su verdadero amor en los cómics, Mariko, con Jean Grey. Buscando venganza (al más puro estilo Jean-Claude Van Damme), Logan se deja convertir en Lobezno, en cuya transformación se esconde un terrible secreto. Lo suyo es un banco de pruebas para formar soldados indestructibles y construir el arma definitiva, Arma XI.

Existe tanta libertad creativa con respecto a los cómics, cómo situaciones forzadas en relación al argumento. La relación entre Creed y Logan, la ridícula y vergonzante historia del porqué de “Lobezno”, la aparición sacada de la manga (nunca mejor dicho) de Gambito, el final a lo “Mortal Combat”, el clon Carlos Sobera como director del proyecto Arma-X. La calidad de las interpretaciones no se pueden juzgar, es todo tan rápido y tan cuadriculado, que tienes que creértelo y da igual que los actores lo hagan de Óscar o rematadamente mal, el resultado iba a ser el mismo.

Por ejemplo, para justificar una vida plena de felicidad, un personaje (no diré cual) justifica su traición con la situación de su hermana. Para justificar el porqué de una actitud maléfica con respecto al mundo, primero, y los mutantes después, se acude de nuevo al arraigo familiar. La venganza como justificación de los asesinatos, y así. Todo tiene una explicación sencilla, plana, limitada.

Así, lo único salvable de la película, para los marvelitas o “Frikis”, como queráis, es la aparición de personajes que estamos cansados de ver en tebeos y ahora podemos recrear en la pantalla. Ver su adaptación, nos gusta. Nos gusta ver a La Mole, a Xavier, a Gambito, a Cíclope, incluso nos gusta ver algunos inventados.

Pero nada más, desde mi punto de vista, una adaptación fallida, por simple hasta el ridículo, por tener buenas cosas mal dispuestas, por su guión hecho desde los tópicos, el poco respeto al espectador adulto y por hacer de Lobezno un entretenimiento pasajero, una película más de superhéroes, pesada, larga, incorregible, indigesta… infumable.

Qué pena de ocasión perdida. Qué lástima teniendo Arma-X como filón narrativo y el mejor actor posible para que Lobezno sea un gran Lobezno. Bien detractores, aquí me tenéis, de rodillas y a vuestra merced. Ya podéis ajusticiarme.

Scriers.

La Buena Vida (Andrés Wood, 2008) – Descarga Directa

Andrés Wood, cineasta chileno que despuntara hace más de una década con su debut Historias de fútbol, firmó el pasado año esta película que adopta la fórmula de vidas cruzadas que tanto tirón tuvo en Estados Unidos hace unos años y que siempre vuelve a escena por las posibilidades de revisión que el ofrece el formato. En esta ocasión, presentan a cuatro personas que sobreviven al duro día a día de Santiago (de Chile) con más desesperanza que ilusión. Son relatos amargos y bien conducidos que retratan círculos sociales muy diferentes: El jóven y despechado músico que aspira a triunfar tocando el clarinete, la trabajadora social divorciada que no consigue ganarse la confianza de su embarazada hija adolescente, el peluquero que no logra darle una sepultura digna a los restos de su padre o la pobre indigente que, con un niño a cuestas, vaga sin rumbo por la calles son casos muy dispares que Wood utiliza para tratar el querer y no poder, el anhelo de los seres humanos por aquello que ansiamos, que tenemos cerca y que finalmente no conseguimos. De las vidas retratadas queda la humanidad que se respira en todas y cada una de las escenas de la película, actores que se meten como un guante en la piel del personaje y que, con una credibilidad superlativa, realzan unas historias que bien podría ser la de cualquiera de nosotros. De esta gran labor actoral deberían tomar buena nota una gran parte de las películas hispanas, siempre tan irreales y con intérpretes a los que cuesta demasiado trabajo tomarse en serio. Ganó el Goya 2008 a la mejor película de habla hispana y convenció a un buen sector de la crítica. Pero a pesar de la calidad que atesora, La Buena Vida (no confundir con la homóloga española de David Trueba) me trae de nuevo (e inevitablemente) el debate sobre este tipo de películas: ¿Está caduco y/o agotado el formato de vidas cruzadas? ¿Pueden dar más de sí? ¿Se puede llegar, con imaginación y un guión elaborado, a una auténtica obra maestra o se tienen que conforman con notables relatos hiperrealistas? ¿Es Babel la mejor película del género? Os invito a dar una respuesta.

Heroína (Gerardo Guerrero, 2004) 

Me parece uno de los temas sociales con más filón cinematográfico de cuantos existe en España. Recuerdo que hace años vi un impactante documental sobre la droga en Galicia. Trataba sobre un equipo de fútbol amateur gallego cuyos componentes fueron cayendo (uno a uno y sin piedad) en las garras de la drogadicción. Gerardo Guerrero admite que tras verlo imaginó una película describiendo la angustia por la que pasan los familiares de estas víctimas del narcotráfico: “Vi Marea Blanca, los once jugadores habían muerto por la droga. Aluciné de cómo surgió el tema de la drogadicción en los 80 y el desconocimiento que había“. Guerrero, que se vale de una memorable Adriana Ozores en el papel de Pilar, una de las madres afectadas por la droga que propulsó la asociación (en la realidad Erquete) que luchaba contra los narcos y ofrecía asesoramiento a las familias. Heroína es un relato crudo y realista sobre aquella generación perdida, la desinformación de una juventud que se vió tentada por un dinero fácil (ayudaban a descargar y traficar) y pérdida en un mundo de la droga del que no se sabía gran cosa. Muchos cayeron porque no conocían aquello que se estaban metiendo: ““Fue un enamoramiento total, habíamos encontrado la solución para paliar todo lo desagradable de la existencia. Nos sentíamos invulnerables: ni siquiera sufríamos enfermedades comunes. Eramos superhombres. Pasaron años antes de comprender que aquello tenía trampa” decía Antonio Vega, recientemente fallecido, en una entrevista. La generación de los ochenta no supo lidiar con la droga y la heroína acabó ganado la batalla.

Reflexiones al margen, la película es algo irregular. Tras un certero y descarnado comienzo, la trama se centra demasiado en la batalla legal de esta madre con las autoridades, dándote la sensación de que estás viendo alguna de estas películas de juicios interminables. Engancha y te ves interesado porque Adriana Ozores está espléndida y da toda la credibilidad posible a su personaje, pero no es el caso de muchos de sus secundarios, excesivamente caricaturizados. El tira y afloja en la relación madre e hijo y la capacidad de perdón de esta parecen los puntos más jugosos de Heroína porque reflexiona acerca del amor maternofilial, la culpa, la vergüenza o la redención. Falta una mayor linealidad en la historia (parece una serie televisiva que funciona por capítulos) y sobra algún episodio (como el de la cárcel) demasiado ñoño. Pero, aún con sus limitaciones me parece un producto digno, de lo mejor de la filmografía de Guerrero. Cobra mayor interés si se complementa con el documental Marea Blanca y si después se debate acerca de la responsabilidad de padres, autoridades y los propios afectados en el hundimiento de toda una generación.

Hierro 3  (Kim Ki-Duk, 2004)    -  Descarga Directa

Con Hierro 3 el espectador debe jugar con las reglas que propone Kim Ki-duk, no le queda otra opción. Uno debe aceptar los larguísimos e inverosímiles silencios, las incoherencias espacio-físicas de muchas de sus escenas o incluso el que no se aclare algunos cabos sueltos. Su aguante se verá recompensado con una gran película. Podemos disfrutar de su poesía visual, la originalidad del relato o el imprevisible final. Kim Ki-duk no solo pone en tela de juicio la propiedad privada, sino que ahonda en la soledad, la marginación social, la violencia de género o la corrupción policial. Una amplitud temática rodada con elegancia y frialdad sobre un relato, que basado en casos reales (¡glups!), reunió elogios de la crítica y obtuvo el León de Plata en Venecia en 2004. Desde ese momento Ki-duk, que ya había sorprendido en Europa con Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera, se convirtió en el ojo derecho de gran parte del gremio, pero hasta el momento no ha logrado repetir el nivel de esas dos obras cumbres que lo llevaron al estrellato. Ambas merecen ( y mucho) la pena.