Cuentan que está acabado, que su tiempo de inspiración huracanada ya pasó y ahora ni siquiera es capaz de llenar estadios. Que lleva años anclado en el esterotipo de caricatura dylanesca y sus apariciones públicas cada vez resultan más sonrojantes. Muchos aseguran que no volverá a firmar discos tan conmovedores como los que maravillaron a propios y extraños a finales del milenio pasado.

Probablemente tengan razón. O no. O quizás vuelva a sorprender y el día menos pensado escriba e interprete canciones como las de antaño, esas capaces de pegar un pellizco en la boca del estómago a la audiencia más sensible.

En la Industrial Copera de Granada apareció la versión hiperactiva de El Salmón. Entregado e impetuoso, arropado por un banda exquisita, Calamaro estuvo más generoso que afinado, siempre en constante experimentación vocal, autoversionándose sin complejos y combinando hiperactivamente guitarra y teclado según lo requiriesen las canciones.

Sin síntomas aparentes de desgaste, y en sorprendente buena forma física, rescató temas del baul de los recuerdos (‘¿Quién Asó La Manteca?’, ’7 Segundos’, ‘Ansia En Plaza Francia’…) y los combinó con éxitos incontestables para la satisfacción y el deleite de los allí presentes.

Un concierto notable, oficioso y profesional que amenizó un divertido Calamaro con palabras dedicadas a Enrique Morente, Joaquín Sabina o, descolocando por enesima vez a todos, Ortega Cano.

Quizás no vivamos sus mejores años, pero el argentino suma y sigue, siempre incesante en su particular homenaje al rock´n roll. A sus cincuenta años, este nervioso músico con mata de pelos agolondrados, sigue sabiendo elegir de entre un repertorio de más de 300 canciones, una veintena capaz de erizarte la piel, palpitar tu corazón y evocar imágenes pasadas, siempre emocionantes. Del músico acabado del que hablan por ahí, por Granada no hubo noticias.

Ocho ediciones más tarde, y en compañía de mis amigos más carnavaleros (y twitteando en directo con @LfGago), me he reconciliado con la gala y la he visto enterita, hasta que el jurado emitió su fallo pasada las cinco de la mañana.

Mi juicio es severo con el concurso. Desde hace años vengo diciendo que el nivel de las agrupaciones ha caído en picado, que ya no se escuchan cosas como las de antes, pasodobles que te dejen ensimismado en el sillón, que como Arés y el mejor Aragón no hay nada que se le parezca, que el Selu no es lo que era, el Yuyu ya ni participa y no salen chirigotas simpáticas a parte de ratitos puntuales del Canijo. Esa es mi visión desde la lejanía.

Hoy me reafirmo en mi superficialidad. Tras ver la gala final del concurso del Carnaval de Cádiz 2011 me queda el regusto de un concurso escaso de talento puro.

Matizo porque hay mucho que ver, cosas que merecen la pena. Los cuartetos han mejorado mucho -el tal Morera y sus compinches tienen mucho desparpajo y capacidad de improvisación- y Tovar y el Canijo son valores seguros que siempre tienen algo que decir. Pero el nivel general es muy flojo. Y quien no lo ve, es que no lo quiere ver.

Para empezar, las chirigotas se han confundido. Han visto el camino fácil, el de la parafernalia, la excesiva teatralidad y el chiste mascado. Los Joaquín Pamplinas han tirado la borda un excelente tipo buscando el aplauso fácil, abusando del viva mi Cádiz y sacándose de la manga las tres coplillas clásicas para que el público tararee y metérselos así en el bolsillo. Tan predecible y vacío como decepcionante. Podrían revisar chirigotas antiguas para darse cuenta que no hay que montar tanto escándalo para provocar carcajadas, que el ingenio y la ironía pueden más que cualquier chiste fácil por atractivo visual que tenga.

Los Niños Cantores eran otra historia. Para ellos era un premio ya el hecho de estar en la final, porque sencillamente, de nivel, escasito. De memoria también. Su tipo era escandalósamente parecido al de los Aleluyas.

El Canijo consiguió un primer premio merecido. Su tipo era ocurrente y aunque vuelva a regodearse en su protagonismo, tuvieron los mejores momentos de la noche en cuanto a chirigotas, con unos pasodobles enormes -el del cáncer me gustó mucho y el típico piropo forzado a Cádiz no tanto- unos cuples notables y un popurrit ocurrente. Solo un detalle: Canijo no tienes que pedir perdón por ser de Carmona hijo mío, tienes gracia suficiente como para ganarte un hueco en el Falla sin empalagar al personal.

Las comparsas salvaron una noche sencillamente mediocre en la que ningún coro nos interesó demasiado. Solo valoramos positivamente el tipo que sacaron los Allegro Molto Vivace, muy Fantasía, muy Disney. Los otros dos coros, sobre todo El Triángulo, abusaron de la jarana, de armar ahí encima del escenario un espectáculo dicharachero, verdulero, desordenado y finalmente, cansino. Otros que se confunden entre fuegos artificiales.

Tovar, Martín y Los Currelantes fueron imprescindible para que no me fuera llorando a mi casa y pensara que el Carnaval está clínicamente muerto.

Martín no me entusiasmó, pero demostró oficio y dio colorido y musicalidad a la noche. Sí, demasiado clásico, estamos de acuerdo. Pero a veces se agradece un poco de carnaval tradicional entre tanta parafernalia barata. A mi me gustaron, pero me mosqueó un poco que haya tenido que sacar el tipo de uno de los blockbuster hollywoodienses del pasado año. Seguro que no hace falta plagiar tanto para conseguir un buen tipo.

Los Currelantes me parecieron la gran esperanza del cambio. Al menos un poquito de savia nueva. Siii… tenían pocos integrantes y parecían por momentos una chirigota. Vale. Pero el tipo reivindicativo, el colorido circense, las voces afinadas, el sello personal de Bienvenido, el inmenso popurrit con algunas cuartetas maravillosas… bien merecían la pena. Y si hubieran ganado nos tendríamos que callar y aplaudir porque lo podrían haber hecho perfectamente.

No lo hicieron porque estaban Tovar y los suyos, y su maravillosa Juana La Loca. Fue un homenaje al cabaret, al teatro y… a la libre sexualidad. Un tema tabú que no ha salido en primera plana hasta el año 2011 y eso que somos todos muy liberales. Pues ahí estaban ellos, con un tipo trangresor y unas voces bonitas y afinadísimas, que acompañadas de un superdotado guitarra capaz de un punteo tremebundo, levantaron el patio de butacas hasta hacerlo cantar “Campeones, Campeones”.

Fue un justo ganador. Y posiblemente la mejor actuación de una final descafeinada con síntomas preocupantes.

Si la aparatosidad, el chiste gráfico y el piropo forzado se van a poner de moda, paren el carro que me bajo. El Carnaval es ingenio, es pluma y guitarra, verso y tres por cuatro, disfraz y baile. Es trabajo y sentarse a escribir y componer por algo más que el aplauso fácil del populacho. Es ir más allá. Es llegar hasta donde muchos otros fueron y ahora nadie es capaz de hacerlo.

Fallo del Jurado:

COROS

CUARTETOS

CHIRIGOTAS

COMPARSAS

Este fin de semana dio comienzo la nueva gira de Ariel Rot, en la que presentará su nuevo trabajo, Solo Rot, por gran parte de la geografía española. Quisimos ir a su primer concierto, en la sala Long Rock de Córdoba. Ariel es un seguro de buen rock & roll. El argentino tiene el oficio que le ha suministrado una larga y meritoria carrera, primero en Tequila y después en Los Rodríguez, alternando etapas en solitario como en la que se encuentra actualmente. No está entre mi ‘top-five’ de músicos preferidos, pero admiro su tenacidad, su legado y su virtuosismo con la guitarra. Y su elegancia, porque Ariel es un rockero de estética setentera, clásico y cercano. También parece haber tomado el elixir de la eterna juventud. 50 años y contar con ese aspecto da mucha envidia.

Pues bien, allá fuimos, a una coqueta sala que parecía un templo del rock & roll, decorada con imágenes de los Beatles, de Elvis, de los Stone… el escenario ideal para tal evento. Un recinto con aforo limitado para unas 300 personas que llenaron el lugar. Todo parecía indicar una noche mágica, pero no fue del todo así, se quedó en un buen concierto, que no es poco. ¿Por qué? Pues porque un concierto necesita funcionar bidireccionalmente, no de manera unidireccional. Y si el músico se entrega y el público no responde del mismo modo, el show desluce. Y eso pasó en Córdoba.

Crece la tendencia de asistir a los conciertos y verlos como aquel que observa un dvd musical. La propia naturaleza de la música invita a lo contrario, a bailar, moverse, cantar. Pero los cordobeses, a los que parecía molestarle el alboroto, tan solo despertaron con el “Mucho Mejor”, que tararearon con entusiasmo anticipándose al guión de la banda. Antes, el concierto fue seguido con languidez.

Ariel combinaba algunos de sus grandes temas (“Adios Carnaval”, “Baile de Ilusiones”, “Lo Siento Frank”…) con sus nuevas creaciones, y ojo, que el nuevo disco promete ser una colección de grandes canciones, en la línea de sus dos últimos trabajos. En su página web se pueden escuchar unos adelantos que pintan bien.

El bonaerense ha montado una banda joven pero del todo fiable, con un batería eficiente y guitarra y bajo ejerciendo de perfectos acompañantes para su portentoso dominio de la Fender. Sin olvidar a un teclista en estado de gracia. Solo cabe esperar que surja esa sincronización que otorgan los ensayos y la propia gira.

Como buen comienzo de gira, la banda acusó en algunos momentos su falta de rodaje, pero en cualquier caso, Rot y los suyos ofrecieron un concierto notable y elegante pensado para el lucimiento de su protagonista, que parecía encontrarse realmente cómodo sobre el escenario.

Ariel se mueve como pez en el agua en las distancias cortas, en recintos de media entrada donde puede demostrar a poca distancia su habilidad con las seis cuerdas. Las manos expertas de este Rodríguez son una garantía de cara al público. Esté dónde esté, y toque con quien toque y frente a quien sea, siempre cumple. Un ejemplo de constancia.

Alfonso Caballero Romero comenzó su andadura en un grupo punky llamado Desacato, pero al poco de comenzar la banda se disolvió y fue entonces cuando decidió emprender su carrera en solitario. Se llamaría Poncho K. Su maqueta, Mejor Solo… Que Mal Acompañado, sonó por los garitos sevillanos hasta hacerse reconocible. En la capital andaluza, era un secreto a voces que una nueva hornada de cantautores rock estaba floreciendo.

BMG-Ariola, que por entonces vendía millones de discos, había dado con la gallina de los huevos de oro con el fichaje y posterior boom de Estopa, que aunque estilisticamente pueda parecer lejano, la maqueta de los de Cornellá  no parecían tan diferente. Con Poncho K quisieron explorar un sector de la audiencia aficionada al rock urbano, al estilo de Extremoduro o Fito & Fitipaldis, que por entonces despuntaban en Dro. Para ello, financiaron el primer disco de Poncho K, No Quiero Empates, que salió a la luz en el año 2002, y que no obtuvo los resultados esperados.

Basicamente porque era un disco difícil de digerir aunque tuviera un componente de originalidad indudable. Poncho K consiguió mezclar rock de autor y momentos punk con música clásica, y es que a la mayor parte de los temas de su maqueta les agregó el sonido de la Orquesta Filarmónica de España. También colaboraron Albert Pla, Javier Limón o el Niño Josele entre un nutrido grupo de músicos que fue desfilando por un disco tan costoso como irregular.

Pero su inexperiencia a la hora de coordinar su primer disco -seguramente estuvo condicionado por las exigencias de la discográfica- la disimulaba con un descaro y arrojo impropios de su edad. Poncho tenía en mente irrumpir en la escena rock con un disco único e irrepetible. Por ello el añadido de la música clásica y la elaboración de unos textos que no eran sino un compendio de irreverencia juvenil, actitud macarra panfletaria y pluma de poeta. Poncho combinaba la rebeldía del recien llegado con la madurez del veterano.

De este modo, agarró su guitarra y ofreció varios conciertos promocionando su primer disco. Fue una minigira que lo llevó por las principales emisoras de radio y por pequeñas salas para dar a conocer su música. Conciertos acústicos. La guitarra y él, tan solo eso.

Poncho K no consiguió las ventas que esperaban en su compañía discográfica. Según diversas fuentes, No Quiero Empates apenas despachó 20.000 copias. Las malas ventas condicionaron su segundo disco, Destino De Pluma y Mano, que no contó con los medios necesarios ni en producción ni en difusión para el correcto devenir del mismo. Por ello acabó en El Diablo, aunque más tarde volviera con Sony.

En cualquier caso, del debut de Poncho K queda un buen puñado de canciones para el recuerdo. Blablabla, Duermes, Estoy, Me Voy, Sol Que Ausenta En Estiercol… son temas que calaron hondo en un sector muy determinado de público, aquellos jóvenes rockeros y punkis que apenas superaban la veintena y que conectaron con los textos poéticos de Poncho.

Esta fue la génesis de la carrera de Poncho K. El próximo martes el sevillano publicará su quinto trabajo de estudio, Una Historia Con Las Manos, disco que en cuanto a produccción pretende seguir la línea de su antecesor, el inspirado Cantes Valientes. En este enlace podéis escuchar un adelanto. Nada parece indicar que haya un giro de tuerca en su sonido, por lo que sus seguidores habituales estarán bien servidos. Sin embargo, la fórmula Montesinos evindencia síntomas de agotamiento. Necesita de viento fresco, savia nueva que potencie sus virtudes. De lo contrario, Poncho K corre el riesgo de estancarse.

Nota de Prensa sobre el nuevo disco:

El 13 de abril de 2010, Poncho K publica su nuevo álbum Una historia con las manos. Producido por Fernando Montesinos, este disco es por derecho la obra cumbre de la carrera de este compositor, su quinto álbum en el que eleva al grado máximo su esencio de “rock con pinceladas flamencas, poesía callejera”, como él suele decir.

Con una actitud de rock callejero, duro, independiente, y una altura en los textos muy poco habitual en la música española, Poncho K se ha asentado en un estilo del que se ha convertido en referencia, apoyado por un trabajo inagotable de conciertos y giras a pie de carretera. Poncho K es un creador elegido que derrocha inspiración en cada estrofa que pare sin conceder tregua a la mediocridad y eso es prestigio ganado canción a canción, noche a noche, verso a verso.

Canciones de Una historia con las manos:

1. Amor a cuentagotas “Que no, que ya no quiero un amor con cuentagotas. Mi paciencia no está rota, es que me cansé de dar abrazos a desconocidos… El cambio a una nueva etapa me renueva y me da otra expectativa más optimista ante la vida”, dice Poncho K de la canción.

2. Un golpe por seguir vivo “Destrocé la lección del abuelo buscando mi propia historia, aprendí a desmembrar entresijos leyendo un poco de historia… Para coger un nuevo camino tienes ke empezar por matar el pasado y buscar tu propio motivo”.

3. Una historia entre las manos “Déjame que te cuente una historia con las manos que te sepa a caramelo, que me estrelle con tu boca, que eyacule en tu barriga, que me siembre en tu agujero, que te grite como un cerdo… A un amor ke deja huella siempre se le escribe una canción”.

4. Manolito Caramierda “Prepara el cazo y amarillea la habitación, otro lonchazo le pone la pila y lleva en la mente la cara de 20 que en la clase es un pringao y está harto de escuchar: Manolito er Caramierda…
Una historia aparentemente cachonda pero ácida en el fondo, porque no está tan lejos como pensamos, aunque espero que lo llegue nunca”, dice Poncho K del tema.

5. Pistolas “Corro sin tregua y no escucho revueltas, si no paro es por los palos que me han vuelto majareta. Sé bastón en mi camino y faro que nunca encuentro… La búsqueda de mi yo después de una decepción“.

6. Con Laureles “Me gusta que que no duermas sola y a media noche desvelarme, pegarme un roce de espalda y acurrucarme, sabiendo que por la mañana me va a mirar con cara larga.”

7. El último sol “A la vuelta de la esquina estaba ayer corriendo como un descosido, pensando que se iba la vida, si ya no hay templos que me aguarden ni jaleo en este antro para tomarme otra copa.” mandolinas y voces a cargo de Rubén Pozo de Pereza “Una noche de parranda en la que se me vienen ráfagas de responsabilidad por la moral impuesta desde el principio de mis días”.

8. Punki gitano “Soy huracán de pasiones, rabia incandescente que no se conforma con mirar desde el otro lado del puente… Pasión desbokada por reivindicar una forma de kerer desde las mismas raíces”.

9. ¿El tren de la rendición? “Mientras se derrumba el mundo me lavo los dientes. No quiero oír más rumores que apaguen los soles de mi porvenir”, con la aparición de María Malapinta “Soy siempre yo el que marco mi vida sin patrones, sea komo sea”.

10. Estrépito “Buscando un pedazo de tierra que le de rienda suelta a mi rabieta, como un gallo peleón… La reflexión de una tarde cualkiera desde mis ojos diminutos mirando al mundo”.

11. El ojo en el ladrillo, una canción emocionante, un homenaje a Marcos Ana, poeta salmantino de 90 años y uno de los símbolos de la lucha antifascista, que al final del tema recita un fragmento de su poema Micorazón es patio: “Soñé que el mundo era un redondo espectáculo envuelto por el cielo, con ciudades y campos en paz, con trigo y besos, con ríos, montes y anchos mares donde navegan corazones y barcos. Pero el mundo es un patio donde giran los hombres sin espacio”.

He manifestado una y mil veces mi repulsa al dúo Varona-De Diego en cuanto a su labor de producción en los discos de Joaquín Sabina.

Rescato palabras que escribí hace unos meses: “Las grabaciones dirigidas por de De Diego y Varona no me entusiasman, me resultan desordenadas, sobreproducidas, carecen de sensación de conjunto y no siguen un patrón claro. Da la sensación, al escuchar sus discos, que Sabina ofrece una decena de colaboraciones para otros albumes. Es algo parecido a leer un libro de relatos. Puedes disfrutar de alguna una canción, pero no de la totalidad del disco“. Pues me reafirmo en lo dicho, punto por punto, y añadiría alguna crítica más, pero no es cuestión de ensañarme con la inseparable pareja de músicos del de Úbeda.

Considerando que en Vinagre y Rosas se han encargado de la producción de la mayoría del disco (salvo eso dos temas que firman los Pereza) mi impresión, en las primeras escuchas, sigue siendo más negativa que positiva. Sigo echando en falta empaque,  originalidad y atrevimiento en el apartado musical. Muchas canciones me parecen una actualización de otras editadas años atrás con ese efecto deja vu tan molesto.

Pero bueno, escuchar un disco con prejuicios es una falta de consideración a la hora de emitir juicios de valor sobre el mismo. Por ello, he estado varios días escuchando interesadamente Vinagre y Rosas, haciendo un esfuerzo por ignorar el asunto de la producción y ser honesto con mis sensaciones.

A día de hoy Vinagre y Rosas lo escucho con agrado y nostalgia a partes iguales. Lo primero que llama mi atención es la coautoría del mismo en la gran mayoría de canciones. El escritor Benjamín Prado, que firma junto a Sabina gran parte de los temas, no ha perdido la ocasión para contar como compusieron Vinagre y Rosas en su libro Romper una canción, escrito tras el fructuoso viaje a Praga de ambos.

Decía Sabina que con la vida de pareja tan calmada y feliz que actualmente lleva le era difícil componer canciones de desamor. Por ello se alojó en un hotel de la capital checa durante ocho días en compañía de su colega poeta con el único objetivo de facturar canciones.

Desde hace años, Sabina cambió sus malas compañías por la amistad y la complicidad de algunos modernos poetas hispanos; Benjamín Prado, Luis García Montero, Almudena Grandes o el malogrado Ángel González, al que dedican una entrañable rumbita.

El cambio de compañeros de fiesta nos trajo a un Sabina más reflexivo y sosegado que ahora cuida y mima cada verso como buen artesano, buscando la sonoridad de los sonetos y, por causa-efecto, desinvolucrándose del apartado musical, que delega constantemente en De Diego y Varona.

Yo personalmente echo de menos aquellos tiempos en que Sabina se codeaba con el gremio rockero, con rodríguez y cantautores afines. Fue durante gran parte de la década de los ochenta y los noventa. Era un Sabina mucho más cercano a su esterotipo de poeta canalla, crápula, irreverente y osado que ofrecía frases para el recuerdo en cualquier cruce con los medios de comunicación.Sus canciones eran más sencillas que las de ahora pero más cercanas al populacho. El 19 Días y 500 noches fue su cúspide creativa. Comenzó a cantar sin maquillar su voz rota y traicionó a sus habituales productores. Eligió como escudero a Alejo Stivel, reconvertido al mejor productor musical de aquel momento en materia de radiofórmula. La asociación, pese a parecer de antemano algo discutible, triunfó en todos los sentidos. Encandiló a crítica y público.

Desde entonces Sabina publicó un emocionante disco en directo (Nos Sobran Los Motivos), sufrió el “Marichalazo”, a duras penas superó el trance, publicó otro disco-collage con parches de aquí y allá (Dímelo En La Calle), editó un refrito del collage (Diario De Un Peatón) y plasmó su particular “nube negra” (Alivio De Luto). Musicalmente hablamos de una década olvidable salpicada por ciertas canciones (Peces De Ciudad por ejemplo)  que si hubieran recibido otro tratamiento y/o pertenecido a discos más elaborados serían himnos irrefutables del cancionero de Sabina.

Superado ya el bache y adentrado en los sesenta, del Joaquín Sabina calavera apenas queda rastro. Ahora es un señor dedicado a cultivar las palabras. Lleva una vida medianamente estable que le permite disfrutar más del día a día que de la noche a noche. Él mismo ha reconocido su peculiar metamorfosis.

Como consecuencia de ello, sus textos abogan más por la belleza formal que por la sentimental. Antes calaban más hondo. Arañaban el corazón del oyente porque los versos salían desde el conducto de las emociones propias. En Vinagre y Rosas esto no sucede porque Sabina escribe con corazonadas postizas. El mano a mano con Benjamín Prado tiene grandes e inspiradas composiciones que no acaban de encajar en el flaco de Úbeda. De hecho, las canciones más certeras acaban siendo las más autobiográficas (“Viudita de Cliqcout”, “Ay Carmela”). También las que tienen la producción de Pereza. Es decir, que por un lado acercarse a Pereza le ha sentado muy bien a sus canciones y por otro, escribir sobre la separación de Benjamín Prado de su pareja resulta un poco incómodo para el oyente. A mi me gusta escuchar las canciones de un Sabina que siente y padece en cada estrofa sin necesitar emociones prestadas.

Pero sigamos apostando por Vinagre y Rosas porque el esfuerzo merece la pena y el disco tiene momentos para el recuerdo. Por ejemplo el single, Tiramisú de Limón, un medio tiempo a base de reproches que se pega en nuestra cabeza como si un chicle al zapato se tratara y que nos muestra a un Sabina enérgico que valiéndose de la frescura de Pereza, firma un tema redondo. O Viudita de Clicot, un baúl de los recuerdos en clave de resumen con indudable genialidad en cada verso. O Vinagre y Rosas, en la que Sabina se marca una emocionante lenta con su nueva corista. Sin olvidar el gamberro Parte Metereológico al que solo le sobra ese ridículo estribillo. El resto de canciones, al igual que el título del disco, ofrece vinagre y rosas, pero no se vislumbra ninguna obra maestra.

Es decir, que Vinagre y Rosas no es mal disco, es simplemente un paso más de un Sabina que está mutando de músico-poeta a poeta a secas. Él mismo asegura que la actual será posiblemente su última gira en grandes pabellones, su última gira rockera. Con sesenta que importa la talla de los recintos, debe pensar. Ya demostró cuanto puede conseguir a finales de los noventa cuando llenaba estadios a uno y otro lado del charco.

Con la gloria saciada, el retiro es tan gradual como la sensación de que lo mejor de Sabina pasó. Tiempos mejores en los que al extraordinario jiennense no le hacía falta acudir a terceros para escribir canciones. Tiempos en los que de sus vivencias nacía un universo infinito de emociones capaces de enmudecer al más fiero de sus detractores.

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El caso es que la rumba cañi del Lichis gustó porque mezclaba a la perfección la voz canalla de este con el duende de la Jiménez, que recién separada se liberó de complejos y deleitó al personal con quejidos de rabia a su paso por cada escenario. Su caso no pasó desapercibido para las discográficas, y desde Muxxic le propusieron grabar un disco basado en el cancionero de Joaquín Sabina. Entre canallas andaba el juego. La Jiménez se sorprendió con un inesperado renacer: “No entiendo bien las razones porque ni yo ni nadie hemos provocado nada, ha surgido” explicaba en una entrevista.

Los hermanos García Pelayo (los mismos que despluman casinos) se hicieron cargo de la producción de un disco que iba a pasar por el filtro flamenco doce temas elegidos de la discografía de Sabina, entre los que había superioridad del 19 Días y 500 Noches, que por entonces había pegado fuerte y del que tomaron prestadas cuatro canciones. A las guitarras de Enrique Melchor y Gerardo Núñez (guitarristas de mucho recorrido) se le sumaron el jaleo y las palmas de las hermanas Heredia y el piano de Pareja-Obregon más la participación de otros muchos músicos del mundillo flamenco. Al proyecto se le sumaron, a modo de colaboración, el propio Sabina, su padrino de renacimiento (El Lichis) y los Estopa, que por entonces eran todo un filón comercial. Tres grandes personalidades para acompañar un disco más que notable.

El resultado fue un traje a la medida de María Jiménez, que anduvo toda la etapa de promoción del disco emocionada con su pequeña obra maestra. Y es que le salió un disco tremendo, que ponía en primer plano su voz cazallera, rota y pasional, que congeniaba de un modo natural con las letras malditas de Sabina. Por aquel entonces, la Jiménez pasaba una convulsa etapa de desamor, la prensa rosa había destapado las infidelidades de su marido (el actor Pepe Sancho) y su separación se firmó en plena época de grabación. Esta circunstancia afectó a la interpretación del disco, que fue recogida, a su estrafalario modo, en una llamativa portada en la que aparecía en un bar de mala muerte, vestida de pavo real, fumando, bebiendo y con el rimel corrido. Todo un retrato de su particular desamor. Al disco de relanzamiento lo tituló ‘Donde Más Duele’ y consiguió un disco de oro en apenas un mes. ¿Cómo fue posible? Pues porque la Jiménez, una de las voces más críticas con la piratería, ideó un plan anticopia ilegal sacando el disco al mercado a un precio de seis euros durante su primera semana en las tiendas. No sabemos si resultó o no rentable, pero María Jiménez volvió al primer plano de las revistas musicales y no tan musicales.  Desde entonces ha grabado otros tres discos, ha sido presentadora de un programa a lo Jesús Quintero titulado Bienventurados y ahora forma parte del jurado de Se Llama Copla.

Como personaje, María Jiménez siempre me ha dado algo de grima. Me resulta demasiado brusca, un poco grotesca y chabacana, pero en el fondo la considero una víctima de una vida en un segundo plano, tragando mucha saliva tras su fracasado matrimonio. Después ha sabido recuperarse de los palos sufridos y caminar hacia delante, con ímpetu. De su etapa más difícil nos dejó este disco, que como abogado del diablo que soy, reivindico por su garra, sinceridad y fuerza, y por el buen gusto de elegir a Sabina como principal compañero de viaje.

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Pasamos de un asunto escabroso, a otro. Vamos a intentar defender un autor… que no goza de la simpatía de los jóvenes y entendidos en el mundo de la música. Ni falta que le hace.

Empecemos por el principio. Esta reseña quizás no la haga yo, quizás la escriba unas manos que se pasan por las mías, la de aquel niño de la infancia, o el otro yo que gusta de las cosas sencillas, puras, hechas con la única intención de ser y no de demostrar nada. Cuando era pequeño, mi padre me martirizó con mucha música que no era de mi gusto. Él era una persona musicalmente entregada al pueblo, apostaba por la música popular, adaptada según qué temporada del año. Carnavales en febrero, Sevillanas en Feria, Villancicos es navidad… en el fondo es una de esas personas que preservan las buenas costumbres… aunque eso cree algún que otro trauma musical a sus hijos.

El problema se presentaba en esos domingos musicales dónde no existía consigna respecto a la época del año. Vamos, un 20 de abril, por ejemplo. Entonces, tiraba de archivo. Fijaros el panorama, mi favorito se llamaba Jose Luís Perales.

De este autor, posiblemente uno de los cantautores en España, o compositores, que más refleja el prototipo de cantautor de la época del franquismo. Pese a que pide Libertad (“Un velero llamado Libertad”), este se refugia en un estilo dulzón, entregado al amor y a historias cotidianas. La mayoría, rozando lo vergonzante. Muchas de las letras, escritas desde la pura ingenuidad o desde la simpleza más absoluta . Como si el destinatario precisara de historias sencillas, de mensajes claros, como si sobraran las metáforas complejas. Si habla de soñar, es “volar”, si habla de poetas, son trovadores, y… poco más.

Tampoco es destacable el acompañamiento musical, que es eso, un acompañamiento. Suelen ser melodías fáciles y pegadizas, nada de aportar riqueza, sencillamente, no estorbaban. A nivel instrumental, a veces se introducen trompetas o piano. Pero Jose Luís Perales basaba su éxito en su voz y sus historias.

Y quizás ahí radique el secreto. Que cuando me levantaba por la mañana, y estaba pensando en ir a jugar al fútbol o hacerlo con los muñecos, este señor me hablaba de cosas tan complejas como el amor, la libertad, o le cantaba una canción a una tierra, América. ¿Qué necesidad tenía nadie de hacer esas cosas? De alguna manera, ese mensaje tan directo, esas melodías chiclosas, se me pegaban. Y lo que es peor, el mensaje, me calaba.

Luego, por alguna maldición de un gurú desconocido, muchas de sus canciones se cruzaban en mi vida, daba igual que hiciera por esquivarlas. “Canción de Navidad”, fue cantada en un campamento en el concurso de Villancicos. “Dime” le gustaba a un amigo de la infancia, Jesús Higuero. “Un velero llamado libertad”, era la favorita de mi familia. O la que más escuché, desde luego.

En defensa de su persona, diré que Jose Luis Perales me parece una buena persona. Es un tipo solidario, dona los derechos de una canción de cada disco a la organización Aldeas infantiles. Se pregunta porqué el mundo no puede ser mejor, porqué la gente no se quiere más, porqué no existe la paz y lo refrenda en el mensaje de sus canciones (que luego puede, o no, calar en su oyente). Asegura que sin Manuela, su mujer de toda la vida, “estaría perdido”, y aunque eso no es nada nuevo, me enternece.

Así, aunque su música no sea precisamente mi favorita, realizaré un top cinco de mis temas favoritos, lo más conocidos, dejando este post, para que todos aquellos lectores hablen de esa música que asocian a momentos de su infancia, aunque no sepan explicar muy bien porqué les gusta.

Un velero llamado libertad. Una canto a la libertad (como Blowin in the wind), para esas sensaciones de libertad que te recorren cuando vas por la calle, o cuando vas… navegando. De hecho, del navegar, Perales forma metáforas sobre las idas y venidas de la vida, las olas que te hablan, la voz del océano que habla, ojos azules… como el mar. Es simple sí. La letra es verdaderamente sonrojante, pero bueno, creo que es su gran himno y una de mis favoritas.

América. O cómo reflejar a través de una canción, un continente entero. Con marcadas influencias latinas, timbales, flautas, etc, Perales reconstruye la historia y el espíritu del nuevo continente. Todo bajo una ritmo casi tropical, usando elementos de la naturaleza. La letra, por supuesto, absolutamente apropiada, llena de consonancias, habla de inmigración, de campesinos, de injusticias… ¡Y de nuevo Libertad! La han versionado muchos otros cantantes, entre ellos, algunos tan admirables como… Raphael.

Canción de Navidad. Los temas estrellas de Perales, se reflejan incluso en sus temas más específicos. En esta canción de Navidad, habla de la navidad desde un navegante, un caminante y un soldado. Habla de aquellos sitios dónde puede parecer difícil que llegue la navidad, y el sentido propio de estas fiestas. Dejarlo todo, es hora de estar en familia, no a la guerra y no a los hospitales. La Navidad te espera, toda la tierra se alegra, haz de tu barca un altar.

Y cómo es él. Tema absolutamente desolador. Dónde un hombre pide a una mujer que le confiese su amor por otro hombre. Que le hable de él. Qué le diga cómo consigue hacerla feliz. Una historia dolorosísima, a nadie le gusta que le hablen de otro amor, pero este narrador resulta un auténtico masoquista. Lo mejor es que, aunque pueda parecer un desamor entre una pareja y la aparición de otra persona, se dice en los foros que realmente está escrita desde el punto de vista de un padre con respecto al novio de una hija.
Especialmente emotivo, para mí, es cuando dice: “Pregúntale porque ha robado un trozo de mi vida, es un ladrón que me ha robado todo”.

Y dejo para el final, el que para mí es el mejor tema de Perales: Dime. Es un canto contra la agresividad del hombre, contra esas cosas inexplicables que hace el ser humano y que afecta a su planeta y a sí mismo. Un alegato de la justicia, un rechazo extremo hacia la injusticia por parte de un hombre envuelto en una crisis de fe, un hombre que le pide a Dios explicaciones y que no encuentra en sí mismo porqués. Sería, por así decirlo, la versión en castellano de “Losing my religion”.
La canción termina con unos coros de niños, bellísimos, que deja al “the Wall” de Pink Floyd en pañales, nunca se usó también la ingenuidad de unos niños, su pureza para contrastarla con una reflexión adulta. Esa dualidad imprime al tema una hondura extrema, una canción que deberían sonar en la conciencia de todo ser humano cada cierto tiempo. Enorme.

Scriers.

Tremenda la Banda Sonora de la película Watchmen. Una cuidadosa selección de canciones muy adecuadas para la temática del comic de Moore, que ya utilizó citas de músicos como Dylan en sus páginas. Los textos conectan con la atmósfera oscura y decadente de finales de los ochenta de esa ucronía en la que está ambientada Watchmen. Desolación, temor, pesimismo, desesperanza, y la sensación de que el mundo está cambiando. Eso plasmó Moore en sus páginas y eso han buscado, con buen gusto, en la Banda Sonora del film.

Se abre el disco con una versión de la canción Desolation Row a cargo del grupo My Chemical Romance, único tema grabado exclusivamente para esta Banda Sonora. La revisión del clásico de Dylan respira gran energía, con un estilo cercano al punk rock.

Le siguen una serie de clásicos incuestionables. La balada Unforgettable de Nat King Cole, una canción que data del año 1951 y que recuerda inevitablemente al sonido de los vinilos de la época. Sospecho que su inclusión tendrá que ver con algún pasaje de la película porque es una canción de amor, añeja y clásica, lejana de la esencia del comic. Muy en consonacia, por cierto, con You Are My Thrill, de Billie Holiday, otro de los cortes del disco.

Bob Dylan (The Times They Are A-Changin) y Simon & Garfunkel (The Sound Of Silence) son dos canciones imprescindibles que plasman perfectamente lo que vemos en las páginas de Watchmen. Solo hay que revisar la letra de ambas. Hola oscuridad/ mi vieja amiga / he venido a hablar contigo otra vez en la del dúo newyorkino, o el orden se está desvaneciendo rápidamente en la de Dylan.

Janis Joplin, Leonard Cohen, Jimy Hendrix, Nina Simone… la lista de grandes personalidades de la música norteamericana es interminable. Los temas ofrecidos excelentes, maravillosos, hay poco que decir sobre ellos porque se ha escrito todo ya. En todo caso, no se le puede negar un criterio exquisito a los responsables de la Banda Sonora de Watchmen. Un disco que termina con The Beginning Is The End el tema de Smashing Pumpkins que sirvió para acompañar al impactante trailer de la película.

Una excelente recopilación de canciones muy respetuosa con la esencia de la obra, y que merece la pena ser escuchada con detenimiento. Esperemos que la película siga en esta línea.

Tracklist

1. My Chemical Romance – Desolation Row
2. Nat King Cole – Unforgettable
3. Bob Dylan – The Times They Are A-Changin’
4. Simon & Garfunkel – The Sound Of Silence
5. Janis Joplin – Me & Bobby McGee
6. KC & The Sunshine Band – I’m Your Boogie Man
7. Billie Holiday – You’re My Thrill
8. Philip Glass – Pruit Igoe & Prophecies
9. Leonard Cohen – Hallelujah
10. Jimi Hendrix – All Along The Watchtower
11. Budapest Symphony Orchestra – Ride of the Valkyries
12. Nina Simone – Pirate Jenny
13. The Smashing Pumpkins – The Beginning Is The End Is The Beginning (Bonus Track)

ACTUALIZACIÓN

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Antonio Martínez Ares como personaje sólo es superado por su faceta como compositor de letras y de música. Fuera de su faceta artística, no tiene desperdicio. Se moja con todos los temas habidos y por haber, se posiciones, se crea amigos y enemigos componiendo letras hirientes, sociales, filosóficas, piropos y algunas políticamente incorrectas. Tiene una legión de incondicionales y un millón de enemigos y es una de las personalidades más reconocidas de los últimos veinte años de carnaval.

Tiene mérito desde casi todas las vertientes posibles. Rompió moldes entendiendo la comparsa como algo diferente. No se conformaba con el estilo clasista y fue incorporando sus propias ideas. Sus presentaciones, pasodobles, cuplés y popurrit tenían un marcado tono teatral, elevaba al máximo la caracterización de su personajes, las letras estaban unidas a la poesía por un lazo de hierro y los cuplés se acercaban a la chirigota, alejándose del estilo más moderado de las comparsas. En general, enriqueció la modalidad modernizándola y alrededor de su figura giró un torbellino de personajes, de críticas y de nuevos adeptos al carnaval. Lo cierto es que, le pese a quién le pese, es uno de los pocos autores que ha llevado a mucha gente a interesarse por los carnavales de Cádiz y por la música que allí se realiza. Y  también que, por mucho que lo han intentado, muy pocos han llegado a tener el afilado encanto de su prosa, su profundidad, su sentido reflexivo y todo, sin perder ese toque distintivo de Cádiz.

Para que os hagáis una idea de su obra, quiero dejar varios vídeos interesantísimos, dónde podréis debatir acerca de lo que muestran sus letras (normalmente, lo hace metiéndose en la piel de un personaje, o como monólogo interior).

Los Miserables 1993 – Me ha dicho el santo padre.

La Ventolera 1994 – Acércate Torito.

Calabaza – Lobo 1991

Los Piratas 1998 – Con permiso, buenas tardes.

La niña de mis ojos 2001 – Déjese de sermones.

Si estáis interesados en la opinión del autor sobre su propia obra, así como una extensa biografía, en este artículo podéis informaros mejor. Desde ahí, se puede acceder a una autobiografía publicada en el Diario de Cádiz, sencillamente genial.

Y es que, en este refugio al que acudo cada febrero y que se llama Carnaval, Martinez Ares es un talento único, un músico admirable y sobre todo, como dice el refrán, genio y figura, hasta la sepultura.

Scriers.

Hay canciones que significan algo más que una simple canción. Un momento, una sensación, un recorrido eléctrico que convulsa tu cuerpo… No se, algo sucede. Si lo vistiéramos con palabras ya no sería lo mismo.  Algo así me pasó a mí desde que escuché Dakota, de Stereophonics.

Es una canción clásica, directa, con su estribillo y sus estrofas. Nada sorprendente. Nada nuevo bajo el sol. Lo más críticos dirán que canciones como estas existen a montones. Pero sin embargo, para un servidor, lo tiene todo. Una pegadiza y repetitiva guitarra que se instala en la cabeza, una melodía que suena natural, nada alargada, una voz resquebrajada y desesperada, preguntándose si se reencontrará de nuevo con otra persona. Lo cierto es que la voz de Kelly Jones es una de las voces que más me seducen del panorama actual.

Llegado a este punto, este deseo de reencuentro con el pasado, esta añoranza es un tema bastante trillado en las canciones. Salvando las distancias, siempre diré que para mí es el “Cadillac Solitario” de Loquillo, en versión inglesa. De hecho, en el video se ven a los componentes del grupo viajando en un descapotable rojo, se ve un flashback y el recuerdo de una mujer hermosa, se termina con un estribillo y un grito de lamento. Realmente, tienen mucho en común. Puede tener mucho de “stereotipo”, pero lo cierto, es que la pose de la canción me gusta. A veces quiero ser roquero, buscar una mujer perdida en el tiempo y el espacio e ir en mi descapotable rojo.

Aprovecho la ocasión para decir que Stereophonics ha sacado un recopilatorio este mismo mes, bajo el nombre de “Decade in the sun, best of Stereophonics”. Consta de veinte canciones que, según los entendidos, le hace mucho bien al repertorio de la banda y son verdaderamente las que tenemos que tener. Y, a parte, es muy buen disco de rock. Pero por más que busque, por más que encuentre en Superman, You´re my star o Devil otras canciones suculentas, nunca será igual que la sensación que me invade al escuchar Dakota.

DAKOTA

Thinking about thinking of you
Summertime think it was June
Yeah think it was June
Laying back, head on the grass
Children grown having some laughs
Yeah having some laughs.

You made me feel like the one
Made me feel like the one
The one
You made me feel like the one
Made me feel like the one
The one

Drinking back, drinking for two
Drinking with you
And drinking was new
Sleeping in the back of my car
We never went far
Needed to go far

You made me feel like the one
Made me feel like the one
The one
You made me feel like the one
Made me feel like the one
The one

I don’t know where we are going now
I don’t know where we are going now

Wake up cold coffee and juice
Remembering you
What happened to you?
I wonder if we’ll meet again
Talk about us instead
Talk about why did it end

You made me feel like the one
Made me feel like the one
The one
You made me feel like the one
Made me feel like the one
The one

I don’t know where we are going now
I don’t know where we are going now

So take a look at me now

Scriers.