Este fin de semana dio comienzo la nueva gira de Ariel Rot, en la que presentará su nuevo trabajo, Solo Rot, por gran parte de la geografía española. Quisimos ir a su primer concierto, en la sala Long Rock de Córdoba. Ariel es un seguro de buen rock & roll. El argentino tiene el oficio que le ha suministrado una larga y meritoria carrera, primero en Tequila y después en Los Rodríguez, alternando etapas en solitario como en la que se encuentra actualmente. No está entre mi ‘top-five’ de músicos preferidos, pero admiro su tenacidad, su legado y su virtuosismo con la guitarra. Y su elegancia, porque Ariel es un rockero de estética setentera, clásico y cercano. También parece haber tomado el elixir de la eterna juventud. 50 años y contar con ese aspecto da mucha envidia.

Pues bien, allá fuimos, a una coqueta sala que parecía un templo del rock & roll, decorada con imágenes de los Beatles, de Elvis, de los Stone… el escenario ideal para tal evento. Un recinto con aforo limitado para unas 300 personas que llenaron el lugar. Todo parecía indicar una noche mágica, pero no fue del todo así, se quedó en un buen concierto, que no es poco. ¿Por qué? Pues porque un concierto necesita funcionar bidireccionalmente, no de manera unidireccional. Y si el músico se entrega y el público no responde del mismo modo, el show desluce. Y eso pasó en Córdoba.

Crece la tendencia de asistir a los conciertos y verlos como aquel que observa un dvd musical. La propia naturaleza de la música invita a lo contrario, a bailar, moverse, cantar. Pero los cordobeses, a los que parecía molestarle el alboroto, tan solo despertaron con el “Mucho Mejor”, que tararearon con entusiasmo anticipándose al guión de la banda. Antes, el concierto fue seguido con languidez.

Ariel combinaba algunos de sus grandes temas (“Adios Carnaval”, “Baile de Ilusiones”, “Lo Siento Frank”…) con sus nuevas creaciones, y ojo, que el nuevo disco promete ser una colección de grandes canciones, en la línea de sus dos últimos trabajos. En su página web se pueden escuchar unos adelantos que pintan bien.

El bonaerense ha montado una banda joven pero del todo fiable, con un batería eficiente y guitarra y bajo ejerciendo de perfectos acompañantes para su portentoso dominio de la Fender. Sin olvidar a un teclista en estado de gracia. Solo cabe esperar que surja esa sincronización que otorgan los ensayos y la propia gira.

Como buen comienzo de gira, la banda acusó en algunos momentos su falta de rodaje, pero en cualquier caso, Rot y los suyos ofrecieron un concierto notable y elegante pensado para el lucimiento de su protagonista, que parecía encontrarse realmente cómodo sobre el escenario.

Ariel se mueve como pez en el agua en las distancias cortas, en recintos de media entrada donde puede demostrar a poca distancia su habilidad con las seis cuerdas. Las manos expertas de este Rodríguez son una garantía de cara al público. Esté dónde esté, y toque con quien toque y frente a quien sea, siempre cumple. Un ejemplo de constancia.

Corría el año 2001 cuando en diversos foros musicales surgió la figura de Poncho K, un jovencísimo músico sevillano que contaba por entonces con apenas veinte años, y que, con una voz áspera y textos metafóricos y poéticos, sorprendió a propios y extraños, no sólo por lo precoz de su aparición, sino por lo cercano de su sonido a grupos relevantes como Extremoduro o Gérmenes.

Alfonso Caballero Romero comenzó su andadura en un grupo punky llamado Desacato, pero al poco de comenzar la banda se disolvió y fue entonces cuando decidió emprender su carrera en solitario. Se llamaría Poncho K. Su maqueta, Mejor Solo… Que Mal Acompañado, sonó por los garitos sevillanos hasta hacerse reconocible. En la capital andaluza, era un secreto a voces que una nueva hornada de cantautores rock estaba floreciendo.

BMG-Ariola, que por entonces vendía millones de discos, había dado con la gallina de los huevos de oro con el fichaje y posterior boom de Estopa, que aunque estilisticamente pueda parecer lejano, la maqueta de los de Cornellá  no parecían tan diferente. Con Poncho K quisieron explorar un sector de la audiencia aficionada al rock urbano, al estilo de Extremoduro o Fito & Fitipaldis, que por entonces despuntaban en Dro. Para ello, financiaron el primer disco de Poncho K, No Quiero Empates, que salió a la luz en el año 2002, y que no obtuvo los resultados esperados.

Basicamente porque era un disco difícil de digerir aunque tuviera un componente de originalidad indudable. Poncho K consiguió mezclar rock de autor y momentos punk con música clásica, y es que a la mayor parte de los temas de su maqueta les agregó el sonido de la Orquesta Filarmónica de España. También colaboraron Albert Pla, Javier Limón o el Niño Josele entre un nutrido grupo de músicos que fue desfilando por un disco tan costoso como irregular.

Pero su inexperiencia a la hora de coordinar su primer disco -seguramente estuvo condicionado por las exigencias de la discográfica- la disimulaba con un descaro y arrojo impropios de su edad. Poncho tenía en mente irrumpir en la escena rock con un disco único e irrepetible. Por ello el añadido de la música clásica y la elaboración de unos textos que no eran sino un compendio de irreverencia juvenil, actitud macarra panfletaria y pluma de poeta. Poncho combinaba la rebeldía del recien llegado con la madurez del veterano.

De este modo, agarró su guitarra y ofreció varios conciertos promocionando su primer disco. Fue una minigira que lo llevó por las principales emisoras de radio y por pequeñas salas para dar a conocer su música. Conciertos acústicos. La guitarra y él, tan solo eso.

Poncho K no consiguió las ventas que esperaban en su compañía discográfica. Según diversas fuentes, No Quiero Empates apenas despachó 20.000 copias. Las malas ventas condicionaron su segundo disco, Destino De Pluma y Mano, que no contó con los medios necesarios ni en producción ni en difusión para el correcto devenir del mismo. Por ello acabó en El Diablo, aunque más tarde volviera con Sony.

En cualquier caso, del debut de Poncho K queda un buen puñado de canciones para el recuerdo. Blablabla, Duermes, Estoy, Me Voy, Sol Que Ausenta En Estiercol… son temas que calaron hondo en un sector muy determinado de público, aquellos jóvenes rockeros y punkis que apenas superaban la veintena y que conectaron con los textos poéticos de Poncho.

Esta fue la génesis de la carrera de Poncho K. El próximo martes el sevillano publicará su quinto trabajo de estudio, Una Historia Con Las Manos, disco que en cuanto a produccción pretende seguir la línea de su antecesor, el inspirado Cantes Valientes. En este enlace podéis escuchar un adelanto. Nada parece indicar que haya un giro de tuerca en su sonido, por lo que sus seguidores habituales estarán bien servidos. Sin embargo, la fórmula Montesinos evindencia síntomas de agotamiento. Necesita de viento fresco, savia nueva que potencie sus virtudes. De lo contrario, Poncho K corre el riesgo de estancarse.

Nota de Prensa sobre el nuevo disco:

El 13 de abril de 2010, Poncho K publica su nuevo álbum Una historia con las manos. Producido por Fernando Montesinos, este disco es por derecho la obra cumbre de la carrera de este compositor, su quinto álbum en el que eleva al grado máximo su esencio de “rock con pinceladas flamencas, poesía callejera”, como él suele decir.

Con una actitud de rock callejero, duro, independiente, y una altura en los textos muy poco habitual en la música española, Poncho K se ha asentado en un estilo del que se ha convertido en referencia, apoyado por un trabajo inagotable de conciertos y giras a pie de carretera. Poncho K es un creador elegido que derrocha inspiración en cada estrofa que pare sin conceder tregua a la mediocridad y eso es prestigio ganado canción a canción, noche a noche, verso a verso.

Canciones de Una historia con las manos:

1. Amor a cuentagotas “Que no, que ya no quiero un amor con cuentagotas. Mi paciencia no está rota, es que me cansé de dar abrazos a desconocidos… El cambio a una nueva etapa me renueva y me da otra expectativa más optimista ante la vida”, dice Poncho K de la canción.

2. Un golpe por seguir vivo “Destrocé la lección del abuelo buscando mi propia historia, aprendí a desmembrar entresijos leyendo un poco de historia… Para coger un nuevo camino tienes ke empezar por matar el pasado y buscar tu propio motivo”.

3. Una historia entre las manos “Déjame que te cuente una historia con las manos que te sepa a caramelo, que me estrelle con tu boca, que eyacule en tu barriga, que me siembre en tu agujero, que te grite como un cerdo… A un amor ke deja huella siempre se le escribe una canción”.

4. Manolito Caramierda “Prepara el cazo y amarillea la habitación, otro lonchazo le pone la pila y lleva en la mente la cara de 20 que en la clase es un pringao y está harto de escuchar: Manolito er Caramierda…
Una historia aparentemente cachonda pero ácida en el fondo, porque no está tan lejos como pensamos, aunque espero que lo llegue nunca”, dice Poncho K del tema.

5. Pistolas “Corro sin tregua y no escucho revueltas, si no paro es por los palos que me han vuelto majareta. Sé bastón en mi camino y faro que nunca encuentro… La búsqueda de mi yo después de una decepción“.

6. Con Laureles “Me gusta que que no duermas sola y a media noche desvelarme, pegarme un roce de espalda y acurrucarme, sabiendo que por la mañana me va a mirar con cara larga.”

7. El último sol “A la vuelta de la esquina estaba ayer corriendo como un descosido, pensando que se iba la vida, si ya no hay templos que me aguarden ni jaleo en este antro para tomarme otra copa.” mandolinas y voces a cargo de Rubén Pozo de Pereza “Una noche de parranda en la que se me vienen ráfagas de responsabilidad por la moral impuesta desde el principio de mis días”.

8. Punki gitano “Soy huracán de pasiones, rabia incandescente que no se conforma con mirar desde el otro lado del puente… Pasión desbokada por reivindicar una forma de kerer desde las mismas raíces”.

9. ¿El tren de la rendición? “Mientras se derrumba el mundo me lavo los dientes. No quiero oír más rumores que apaguen los soles de mi porvenir”, con la aparición de María Malapinta “Soy siempre yo el que marco mi vida sin patrones, sea komo sea”.

10. Estrépito “Buscando un pedazo de tierra que le de rienda suelta a mi rabieta, como un gallo peleón… La reflexión de una tarde cualkiera desde mis ojos diminutos mirando al mundo”.

11. El ojo en el ladrillo, una canción emocionante, un homenaje a Marcos Ana, poeta salmantino de 90 años y uno de los símbolos de la lucha antifascista, que al final del tema recita un fragmento de su poema Micorazón es patio: “Soñé que el mundo era un redondo espectáculo envuelto por el cielo, con ciudades y campos en paz, con trigo y besos, con ríos, montes y anchos mares donde navegan corazones y barcos. Pero el mundo es un patio donde giran los hombres sin espacio”.

He manifestado una y mil veces mi repulsa al dúo Varona-De Diego en cuanto a su labor de producción en los discos de Joaquín Sabina.

Rescato palabras que escribí hace unos meses: “Las grabaciones dirigidas por de De Diego y Varona no me entusiasman, me resultan desordenadas, sobreproducidas, carecen de sensación de conjunto y no siguen un patrón claro. Da la sensación, al escuchar sus discos, que Sabina ofrece una decena de colaboraciones para otros albumes. Es algo parecido a leer un libro de relatos. Puedes disfrutar de alguna una canción, pero no de la totalidad del disco“. Pues me reafirmo en lo dicho, punto por punto, y añadiría alguna crítica más, pero no es cuestión de ensañarme con la inseparable pareja de músicos del de Úbeda.

Considerando que en Vinagre y Rosas se han encargado de la producción de la mayoría del disco (salvo eso dos temas que firman los Pereza) mi impresión, en las primeras escuchas, sigue siendo más negativa que positiva. Sigo echando en falta empaque,  originalidad y atrevimiento en el apartado musical. Muchas canciones me parecen una actualización de otras editadas años atrás con ese efecto deja vu tan molesto.

Pero bueno, escuchar un disco con prejuicios es una falta de consideración a la hora de emitir juicios de valor sobre el mismo. Por ello, he estado varios días escuchando interesadamente Vinagre y Rosas, haciendo un esfuerzo por ignorar el asunto de la producción y ser honesto con mis sensaciones.

A día de hoy Vinagre y Rosas lo escucho con agrado y nostalgia a partes iguales. Lo primero que llama mi atención es la coautoría del mismo en la gran mayoría de canciones. El escritor Benjamín Prado, que firma junto a Sabina gran parte de los temas, no ha perdido la ocasión para contar como compusieron Vinagre y Rosas en su libro Romper una canción, escrito tras el fructuoso viaje a Praga de ambos.

Decía Sabina que con la vida de pareja tan calmada y feliz que actualmente lleva le era difícil componer canciones de desamor. Por ello se alojó en un hotel de la capital checa durante ocho días en compañía de su colega poeta con el único objetivo de facturar canciones.

Desde hace años, Sabina cambió sus malas compañías por la amistad y la complicidad de algunos modernos poetas hispanos; Benjamín Prado, Luis García Montero, Almudena Grandes o el malogrado Ángel González, al que dedican una entrañable rumbita.

El cambio de compañeros de fiesta nos trajo a un Sabina más reflexivo y sosegado que ahora cuida y mima cada verso como buen artesano, buscando la sonoridad de los sonetos y, por causa-efecto, desinvolucrándose del apartado musical, que delega constantemente en De Diego y Varona.

Yo personalmente echo de menos aquellos tiempos en que Sabina se codeaba con el gremio rockero, con rodríguez y cantautores afines. Fue durante gran parte de la década de los ochenta y los noventa. Era un Sabina mucho más cercano a su esterotipo de poeta canalla, crápula, irreverente y osado que ofrecía frases para el recuerdo en cualquier cruce con los medios de comunicación.Sus canciones eran más sencillas que las de ahora pero más cercanas al populacho. El 19 Días y 500 noches fue su cúspide creativa. Comenzó a cantar sin maquillar su voz rota y traicionó a sus habituales productores. Eligió como escudero a Alejo Stivel, reconvertido al mejor productor musical de aquel momento en materia de radiofórmula. La asociación, pese a parecer de antemano algo discutible, triunfó en todos los sentidos. Encandiló a crítica y público.

Desde entonces Sabina publicó un emocionante disco en directo (Nos Sobran Los Motivos), sufrió el “Marichalazo”, a duras penas superó el trance, publicó otro disco-collage con parches de aquí y allá (Dímelo En La Calle), editó un refrito del collage (Diario De Un Peatón) y plasmó su particular “nube negra” (Alivio De Luto). Musicalmente hablamos de una década olvidable salpicada por ciertas canciones (Peces De Ciudad por ejemplo)  que si hubieran recibido otro tratamiento y/o pertenecido a discos más elaborados serían himnos irrefutables del cancionero de Sabina.

Superado ya el bache y adentrado en los sesenta, del Joaquín Sabina calavera apenas queda rastro. Ahora es un señor dedicado a cultivar las palabras. Lleva una vida medianamente estable que le permite disfrutar más del día a día que de la noche a noche. Él mismo ha reconocido su peculiar metamorfosis.

Como consecuencia de ello, sus textos abogan más por la belleza formal que por la sentimental. Antes calaban más hondo. Arañaban el corazón del oyente porque los versos salían desde el conducto de las emociones propias. En Vinagre y Rosas esto no sucede porque Sabina escribe con corazonadas postizas. El mano a mano con Benjamín Prado tiene grandes e inspiradas composiciones que no acaban de encajar en el flaco de Úbeda. De hecho, las canciones más certeras acaban siendo las más autobiográficas (“Viudita de Cliqcout”, “Ay Carmela”). También las que tienen la producción de Pereza. Es decir, que por un lado acercarse a Pereza le ha sentado muy bien a sus canciones y por otro, escribir sobre la separación de Benjamín Prado de su pareja resulta un poco incómodo para el oyente. A mi me gusta escuchar las canciones de un Sabina que siente y padece en cada estrofa sin necesitar emociones prestadas.

Pero sigamos apostando por Vinagre y Rosas porque el esfuerzo merece la pena y el disco tiene momentos para el recuerdo. Por ejemplo el single, Tiramisú de Limón, un medio tiempo a base de reproches que se pega en nuestra cabeza como si un chicle al zapato se tratara y que nos muestra a un Sabina enérgico que valiéndose de la frescura de Pereza, firma un tema redondo. O Viudita de Clicot, un baúl de los recuerdos en clave de resumen con indudable genialidad en cada verso. O Vinagre y Rosas, en la que Sabina se marca una emocionante lenta con su nueva corista. Sin olvidar el gamberro Parte Metereológico al que solo le sobra ese ridículo estribillo. El resto de canciones, al igual que el título del disco, ofrece vinagre y rosas, pero no se vislumbra ninguna obra maestra.

Es decir, que Vinagre y Rosas no es mal disco, es simplemente un paso más de un Sabina que está mutando de músico-poeta a poeta a secas. Él mismo asegura que la actual será posiblemente su última gira en grandes pabellones, su última gira rockera. Con sesenta que importa la talla de los recintos, debe pensar. Ya demostró cuanto puede conseguir a finales de los noventa cuando llenaba estadios a uno y otro lado del charco.

Con la gloria saciada, el retiro es tan gradual como la sensación de que lo mejor de Sabina pasó. Tiempos mejores en los que al extraordinario jiennense no le hacía falta acudir a terceros para escribir canciones. Tiempos en los que de sus vivencias nacía un universo infinito de emociones capaces de enmudecer al más fiero de sus detractores.

Enlaces Relacionados:

Vinagre y Rosas en descarga directa

Videoclip:

Pasamos de un asunto escabroso, a otro. Vamos a intentar defender un autor… que no goza de la simpatía de los jóvenes y entendidos en el mundo de la música. Ni falta que le hace.

Empecemos por el principio. Esta reseña quizás no la haga yo, quizás la escriba unas manos que se pasan por las mías, la de aquel niño de la infancia, o el otro yo que gusta de las cosas sencillas, puras, hechas con la única intención de ser y no de demostrar nada. Cuando era pequeño, mi padre me martirizó con mucha música que no era de mi gusto. Él era una persona musicalmente entregada al pueblo, apostaba por la música popular, adaptada según qué temporada del año. Carnavales en febrero, Sevillanas en Feria, Villancicos es navidad… en el fondo es una de esas personas que preservan las buenas costumbres… aunque eso cree algún que otro trauma musical a sus hijos.

El problema se presentaba en esos domingos musicales dónde no existía consigna respecto a la época del año. Vamos, un 20 de abril, por ejemplo. Entonces, tiraba de archivo. Fijaros el panorama, mi favorito se llamaba Jose Luís Perales.

De este autor, posiblemente uno de los cantautores en España, o compositores, que más refleja el prototipo de cantautor de la época del franquismo. Pese a que pide Libertad (“Un velero llamado Libertad”), este se refugia en un estilo dulzón, entregado al amor y a historias cotidianas. La mayoría, rozando lo vergonzante. Muchas de las letras, escritas desde la pura ingenuidad o desde la simpleza más absoluta . Como si el destinatario precisara de historias sencillas, de mensajes claros, como si sobraran las metáforas complejas. Si habla de soñar, es “volar”, si habla de poetas, son trovadores, y… poco más.

Tampoco es destacable el acompañamiento musical, que es eso, un acompañamiento. Suelen ser melodías fáciles y pegadizas, nada de aportar riqueza, sencillamente, no estorbaban. A nivel instrumental, a veces se introducen trompetas o piano. Pero Jose Luís Perales basaba su éxito en su voz y sus historias.

Y quizás ahí radique el secreto. Que cuando me levantaba por la mañana, y estaba pensando en ir a jugar al fútbol o hacerlo con los muñecos, este señor me hablaba de cosas tan complejas como el amor, la libertad, o le cantaba una canción a una tierra, América. ¿Qué necesidad tenía nadie de hacer esas cosas? De alguna manera, ese mensaje tan directo, esas melodías chiclosas, se me pegaban. Y lo que es peor, el mensaje, me calaba.

Luego, por alguna maldición de un gurú desconocido, muchas de sus canciones se cruzaban en mi vida, daba igual que hiciera por esquivarlas. “Canción de Navidad”, fue cantada en un campamento en el concurso de Villancicos. “Dime” le gustaba a un amigo de la infancia, Jesús Higuero. “Un velero llamado libertad”, era la favorita de mi familia. O la que más escuché, desde luego.

En defensa de su persona, diré que Jose Luis Perales me parece una buena persona. Es un tipo solidario, dona los derechos de una canción de cada disco a la organización Aldeas infantiles. Se pregunta porqué el mundo no puede ser mejor, porqué la gente no se quiere más, porqué no existe la paz y lo refrenda en el mensaje de sus canciones (que luego puede, o no, calar en su oyente). Asegura que sin Manuela, su mujer de toda la vida, “estaría perdido”, y aunque eso no es nada nuevo, me enternece.

Así, aunque su música no sea precisamente mi favorita, realizaré un top cinco de mis temas favoritos, lo más conocidos, dejando este post, para que todos aquellos lectores hablen de esa música que asocian a momentos de su infancia, aunque no sepan explicar muy bien porqué les gusta.

Un velero llamado libertad. Una canto a la libertad (como Blowin in the wind), para esas sensaciones de libertad que te recorren cuando vas por la calle, o cuando vas… navegando. De hecho, del navegar, Perales forma metáforas sobre las idas y venidas de la vida, las olas que te hablan, la voz del océano que habla, ojos azules… como el mar. Es simple sí. La letra es verdaderamente sonrojante, pero bueno, creo que es su gran himno y una de mis favoritas.

América. O cómo reflejar a través de una canción, un continente entero. Con marcadas influencias latinas, timbales, flautas, etc, Perales reconstruye la historia y el espíritu del nuevo continente. Todo bajo una ritmo casi tropical, usando elementos de la naturaleza. La letra, por supuesto, absolutamente apropiada, llena de consonancias, habla de inmigración, de campesinos, de injusticias… ¡Y de nuevo Libertad! La han versionado muchos otros cantantes, entre ellos, algunos tan admirables como… Raphael.

Canción de Navidad. Los temas estrellas de Perales, se reflejan incluso en sus temas más específicos. En esta canción de Navidad, habla de la navidad desde un navegante, un caminante y un soldado. Habla de aquellos sitios dónde puede parecer difícil que llegue la navidad, y el sentido propio de estas fiestas. Dejarlo todo, es hora de estar en familia, no a la guerra y no a los hospitales. La Navidad te espera, toda la tierra se alegra, haz de tu barca un altar.

Y cómo es él. Tema absolutamente desolador. Dónde un hombre pide a una mujer que le confiese su amor por otro hombre. Que le hable de él. Qué le diga cómo consigue hacerla feliz. Una historia dolorosísima, a nadie le gusta que le hablen de otro amor, pero este narrador resulta un auténtico masoquista. Lo mejor es que, aunque pueda parecer un desamor entre una pareja y la aparición de otra persona, se dice en los foros que realmente está escrita desde el punto de vista de un padre con respecto al novio de una hija.
Especialmente emotivo, para mí, es cuando dice: “Pregúntale porque ha robado un trozo de mi vida, es un ladrón que me ha robado todo”.

Y dejo para el final, el que para mí es el mejor tema de Perales: Dime. Es un canto contra la agresividad del hombre, contra esas cosas inexplicables que hace el ser humano y que afecta a su planeta y a sí mismo. Un alegato de la justicia, un rechazo extremo hacia la injusticia por parte de un hombre envuelto en una crisis de fe, un hombre que le pide a Dios explicaciones y que no encuentra en sí mismo porqués. Sería, por así decirlo, la versión en castellano de “Losing my religion”.
La canción termina con unos coros de niños, bellísimos, que deja al “the Wall” de Pink Floyd en pañales, nunca se usó también la ingenuidad de unos niños, su pureza para contrastarla con una reflexión adulta. Esa dualidad imprime al tema una hondura extrema, una canción que deberían sonar en la conciencia de todo ser humano cada cierto tiempo. Enorme.

Scriers.

Tremenda la Banda Sonora de la película Watchmen. Una cuidadosa selección de canciones muy adecuadas para la temática del comic de Moore, que ya utilizó citas de músicos como Dylan en sus páginas. Los textos conectan con la atmósfera oscura y decadente de finales de los ochenta de esa ucronía en la que está ambientada Watchmen. Desolación, temor, pesimismo, desesperanza, y la sensación de que el mundo está cambiando. Eso plasmó Moore en sus páginas y eso han buscado, con buen gusto, en la Banda Sonora del film.

Se abre el disco con una versión de la canción Desolation Row a cargo del grupo My Chemical Romance, único tema grabado exclusivamente para esta Banda Sonora. La revisión del clásico de Dylan respira gran energía, con un estilo cercano al punk rock.

Le siguen una serie de clásicos incuestionables. La balada Unforgettable de Nat King Cole, una canción que data del año 1951 y que recuerda inevitablemente al sonido de los vinilos de la época. Sospecho que su inclusión tendrá que ver con algún pasaje de la película porque es una canción de amor, añeja y clásica, lejana de la esencia del comic. Muy en consonacia, por cierto, con You Are My Thrill, de Billie Holiday, otro de los cortes del disco.

Bob Dylan (The Times They Are A-Changin) y Simon & Garfunkel (The Sound Of Silence) son dos canciones imprescindibles que plasman perfectamente lo que vemos en las páginas de Watchmen. Solo hay que revisar la letra de ambas. Hola oscuridad/ mi vieja amiga / he venido a hablar contigo otra vez en la del dúo newyorkino, o el orden se está desvaneciendo rápidamente en la de Dylan.

Janis Joplin, Leonard Cohen, Jimy Hendrix, Nina Simone… la lista de grandes personalidades de la música norteamericana es interminable. Los temas ofrecidos excelentes, maravillosos, hay poco que decir sobre ellos porque se ha escrito todo ya. En todo caso, no se le puede negar un criterio exquisito a los responsables de la Banda Sonora de Watchmen. Un disco que termina con The Beginning Is The End el tema de Smashing Pumpkins que sirvió para acompañar al impactante trailer de la película.

Una excelente recopilación de canciones muy respetuosa con la esencia de la obra, y que merece la pena ser escuchada con detenimiento. Esperemos que la película siga en esta línea.

Tracklist

1. My Chemical Romance – Desolation Row
2. Nat King Cole – Unforgettable
3. Bob Dylan – The Times They Are A-Changin’
4. Simon & Garfunkel – The Sound Of Silence
5. Janis Joplin – Me & Bobby McGee
6. KC & The Sunshine Band – I’m Your Boogie Man
7. Billie Holiday – You’re My Thrill
8. Philip Glass – Pruit Igoe & Prophecies
9. Leonard Cohen – Hallelujah
10. Jimi Hendrix – All Along The Watchtower
11. Budapest Symphony Orchestra – Ride of the Valkyries
12. Nina Simone – Pirate Jenny
13. The Smashing Pumpkins – The Beginning Is The End Is The Beginning (Bonus Track)

ACTUALIZACIÓN

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