En cierta ocasión le preguntaron a Woody Allen que porqué no hacía un cine más específico, como por ejemplo algo centrado en un hecho histórico concreto. Respondió que a él le interesaban temas más genéricos, esas cuestiones que siempre han preocupado a nuestra sociedad, interrogantes que nos acompañarán por mucho tiempo inherentes a la condición humana. Son sus preferencias, sus inquietudes, y en ellas se encuentra inmerso.

Con Conocerás Al Hombre De Tus Sueños, Allen sigue urgando en las contradicciones vitales que nos inquietan, esta vez parodiando con acidez el devenir de una familia acomodada cuya estabilidad se tambalea. Vuelve a optar por un reparto coral para un relato que no admite tregua, que persigue el interés de sus protagonistas sin preocuparse en cuantos giros de tuerca tenga que dar para decirnos aquello que pretende. En este sentido, nada nuevo para los que conocemos el cine del newyorkino. Lo que si sorprende es que Allen haya jugado con el destino de sus personajes de una manera tan cruel, tan ingrata. Aunque aliviados por su característico toque de humor fino, Allen no deja títere con cabeza y amonesta la inmadurez del que se resiste a envejecer, al perezoso con ansias de reconocimiento, quien no acepta la verdad aunque esta le mire directamente a los ojos o a la incapaz de reordenar sus prioridades sin egoismo. Juega así con nuestras dudas como maquieavélico titiritero y nos reserva un manjar agrio en un epílogo desolador.

Comprobamos también, que Allen sigue hilando fino en sus casting. En su reparto de lujo, podemos medir la grandeza de actores como Hopkins o Banderas, que secundando a una inmensa Naomi Watts (ojo a la filmografía que se está labrando esta mujer), asumen con naturalidad el ritmo marca de la casa de Allen.

Por todo ello, no puedo sino aplaudir una vez más la constancia de este señor, que nos guarda anualmente una ración de cine de indudable lucidez a pesar de encontrarse al borde de los 75 años. Le perdono que ya en la recta final de su carrera se haya vuelto más melodramático, pues es una tendencia lógica a su edad. Al fin y al cabo, ya no importan tanto la eficacia de sus gags como el mensaje final de esta película para el recuerdo, un brillantísimo ensayo sobre la infelicidad humana. O lo que es lo mismo, su enésima obra maestra.

Lo que podríamos pensar fuese un relato coral sujeto a personajes entrelazados estilo Rodrigo García, deriva en una película de carácter teatral (de hecho hablamos de una adaptación de la obra del dramaturgo John Guare) que nos describe la osadía de un joven que aprovecha las conexiones existentes entre la alta sociedad newyorkina para, sin un propósito claro, introducirse en ella y disfrutar de sus privilegios.

Pese a que comienza con una meticulosa puesta en escena llena de ritmo que apenas deja respirar al espectador, el relato va desinflándose como un globo sin rumbo conforme pasan los minutos. Quizás una reducción en su metraje le hubiera venido bien, no solo por una cuestión de concisión, sino porque aguantar la pedantería y la verborrea de sus protagonistas resulta una experiencia agotadora. Parece como si el Woody Allen más neurótico y corrosivo hubiera filmado la primera hora. Además, sus abundantes referencias artísticas (Sidney Poitier, J.D. Salinger o Kandinski entre otros) y múltiples divagaciones existencialistas exigen al espectador una inusitada concentración.

A su favor, la constante burla hacia esa presuntuosa burguesía de Manhattan, obcecada por la apariencia y el dinero, su consecuente repudio a una élite tan presumida como vacía y su original planteamiento. En contra, que lo que podría haber sido una película redonda con un mensaje directo se pierda en un superfluo desenlace.

Fue este uno de los primeros papeles protagonistas de Will Smith, que reconducía su carrera hacia un perfil más serio lejos de la televisión. Lo acompañaban valores constrastados como Donald Sutherland, Ian McKellen o Stockard Hanning, cuyo papel fue nominado al Oscar a la mejor actriz. Un notable reparto que realza la película más destacable de la discreta filmografía de Fred Schepisi. Más que memorable, curiosa.

Woody Allen nunca escondió la influencia que ejerció en su carrera artística el cine de Bergman. Ambos eran amigos y hablaban frecuentemente, divagando sobre el séptimo arte y otras cuestiones hasta la muerte del sueco en el año 2007. Allen admiraba a Bergman y viceversa, si bien el primero asumió con gusto su papel de alumno. Luego resultó bastante habitual que Allen introdujera referencias a Bergman en las escenas de sus películas.

En Maridos y Mujeres el influjo bergmaniano se hace evidente al comenzar con un prólogo similar al de Secretos De Un Matrimonio (Bergman, 1973), en el que un matrimonio anuncia a una pareja amiga su futura separación. En ese momento, la ruptura del primero afecta a la inercia del segundo, que se replantea su propia situación conyugal.

Allen parte de un planteamiento semejante para ir adquiriendo distancia conforme avanza su desarrollo y de este modo, si en la cinta de Bergman apenas veíamos otra cosa que no fuera el diálogo entre los protagonistas, en Maridos y Mujeres vemos como se amplía tanto el radio de acción como el elenco de principales y secundarios para dar forma a un relato coral que cuestiona el matrimonio y incita al debate sobre la existencia del amor eterno.

Como en la mayor parte de la filmografía de Allen, su radiografía social examina la clase medioalta newyorkina, personas acomodadas que añoran una estabilidad emocional que complemente su privilegiada situación económica. Allen se aleja de la comedia y rueda un melodrama estructuralmente anárquico, siempre impredecible, sujeto a la evolución de los personajes.

No será su mejor trabajo, pero sí un interesante cambio de registro que demuestra la versatilidad de su director, empeñado en diseccionar la pareja de finales de siglo XX, justo cuando el concepto tradicional del matrimonio occidental estaba mutando a una percepción más efímera, desarraigada y etérea.

Tengo prejuicios infundados sobre el cine de animación digital. Soy algo tradicional y me cuesta horrores acostumbrar la vista a personajes que ni son dibujos animados ni son de carne y hueso. Por ello, durante los primeros minutos de las películas de Pixar siempre ando despistado, viendo algo demasiado artificial para mi gusto.

Una vez superado este pequeño obstáculo (cuestión de 15 minutos), tengo que superar otro, el de las gafas tridimensionales. Toy Story 3 era la primera película que veía con este avanzado sistema de proyección, que se supone que aporta sensación de profundidad y de cercanía en la acción del filme. Puede que debido a mi ojo vago, el efecto 3D no tenga mucha repercusión en mi persona, pues apenas distinguí un par de escenas curiosas. Además me oscurecía demasiado los colores, similar a cuando te pones unas gafas de sol en un día nublado. Así que no me ha convencido del todo este sistema, casi que prefiero ver la película a la antigua usanza.

En cuanto a la película cometí el clásico error de leer demasiado sobre ella. Primero ojeé la ficha de Filmaffinity, rebosante de elogios, y me dejé llevar por varias opiniones vía Facebook que originaron en mí la idea preconcebida de asistir a la película del año. Probablemente merezca este calificativo porque las nuevas andanzas de estos simpáticos juguetes son un prodigio creativo, sobrado de originalidad, talento y ritmo. No da tregua al espectador y ofrece un humor apto para todos los públicos. En Pixar son unos auténticos genios a la hora de jugar con los dobles sentidos para hacer reír a los adultos sin levantar sospechas en los niños. Esto lo consiguen como ningún otro estudio. Sospecho que tienen detrás un privilegiado grupo de guionistas. Nadie puede dudar de la capacidad de una compañía de animación un escalón por encima de sus competidoras, capaz de dejar en un segundo plano la animación tradicional, nada menos que en una compañía tan clásica como Disney.

Pero no nos engañemos, Toy Story 3 es un producto destinado al público infanto-juvenil. Los adultos la podemos disfrutar tanto como cualquier niño, pero seguiremos estando ante una historia de juguetes que pretenden perpetuar su utilidad y demostrar por siempre cariño y lealtad a sus dueños. Un producto cándido que no engaña a nadie, estructurado sin disimulo al compás de sus dos predecesoras y del que cabe destacar el tronchante guión elaborado por Michael Arndt (Pequeña Miss Sunshine), repleto de situaciones desternillantes y ocurrentes sólo devaluado por el innecesario momento chicano de Buzz.

La última aventura de estos juguetes emociona (y de que manera, con ese perfecto final), divierte y consigue hacernos sentir como niños, esa impagable y tierna sensación.

Y mientras el campo de la animación digital sigue en alza con Pixar desatada, yo me adapto como puedo a una nueva manera de entender el cine de la que todavía guardo cierto recelo. Cuestión de modernizarse.

Se trata de una película de intriga “post-mortis”, de marcadísimo carácter teatral y rodado a tiempo real, con apenas tres o cuatro cortes necesarios para cambiar los rollos de cinta y de ochenta minutos de duración.

El punto de partida de la película es sorprendente, pues rompe la estructura clásica del suspense. Hitchcock nos muestra el asesinato desde la primera escena y a partir de entonces la tensión y la intriga se centra en saber si los asesinos van a ser (o no) descubiertos. Justo antes de una reunión social, una cena de caracter festivo, llevados por la envidia y una extrañísima concepción de la vida, la muerte y el merecimiento de vivir o no, dos de los personajes asesinan a un tercero con una soga, escondiendo el cadáver dentro de un arcón que servirá de mesa para la cena.

A partir de ahí, se va sucediendo la llegada de personajes al escenario de la película (un solo espacio, de ahí su aspecto teatral) que enriquecen y conducen la trama hasta su resolución final. El más importante, el personaje interpretado por James Steward, un profesor de criminología convencido de la inexistencia del crimen perfecto. Sin embargo, con mayor o menos caricaturización y con más o menos motivaciones, cada personaje cumple una función específica y son necesarios para el juego que Hitchcock nos propone.

Con un desarrollo de la tensión “in crecento” y un tono que recuerda a Perry Mason, Agatha Christie o Se ha escrito un crimen, la película funciona hasta un final excesivamente moralizador expuesto en un primer plano innecesario. A nuestro juicio, Hitchcock le debería haber dejado más autonomía al espectador, al que siempre se le muestra y al final se le demuestra. Aún así, la película se sostiene y funciona notablemente, con una escena final llena de estilo, interpretaciones académicas y una estructura ingeniosa que demuestra el dominio de la técnica cinematográfica del director londinense.

El cluedo reversible de Hitckcock nos parece cine de muchos kilates y aún con sus ligeros defectos, una película de imprescindible visionado.

Pero una vez más, mis prejuicios fueron erróneos. “Namor, en las profundidades” es un cómic de género, inmiscuido en el camino que va del suspense al terror psicológico, con una estructura sólida y que se asienta en la antagonía ciencia-fe, fe-ciencia. Ese es el tema, ¿creer o no creer? El plot, que es muy sencillo y mil veces ha sido empleado hasta la fecha (quizás, este sea su punto más deficiente), habla de una expedición submarina que acude a la llamada de socorro de un submarino anteriormente perdido en las profundidades. Para liderar esta expedición, los responsables gubernamentales contratan al aventurero Randolph Stein, un experto en demostrar que la inexistencias de mitos y la peligrosidad de la mente humana como creadores de monstruos. Científico hasta la muerte, Randolph tendrá que enfrentarse con su tripulación, marinos de toda la vida que creen en la leyenda de Namor, el príncipe de Atlantis.

Pese a que suena a refrito y recuerda a Esfera, Alien o incluso Horizonte final, lo cierto es que el cómic me ha hecho pasar un buen rato gracias a una de las virtudes que siempre les valoro a determinadas obras: La paciencia. Este cómic se toma todo el tiempo del mundo para construir una tensión, una intriga, un conflicto y una solución. Y así, ves como este submarino va, poco a poco, metiéndose en la boca del lobo y enfrentando dos amenazas igual de terroríficas: La que tiene que ver con la influencia de las bajas profundidades en el ser humano (la presión del oxígeno, los miedos y ánimos alterados) y la propia amenaza de Namor, el gran protecto de Atlantis, que no dudará en hacer lo que sea para salvaguardar su pueblo.

Otro acierto del cómic: A Namor apenas se le ve, casi ni aparece. Pero sin embargo, está siempre presente. Cede el protagonismo pero sin perderlo del todo. Eso es un recurso enorme para generar tensión. Y lo consigue, uno llega a temer por esa expedición y hasta se pone nervioso. También destacaría la reflexión moral de fondo que trata el cómic, el cómo algunas ideas están tan interiorizadas que no las cambian ni las circunstancias, protegiéndose de cualquier manera. Es simple sí, pero es que el cómic saca partido a todas sus piezas encajándolas con coherencia y buen hacer. Hasta el dibujo me apasiona al final del mismo.

He leído muchas críticas hacia este cómic, algunas feroces. No creo que se trate de innovar ni que este cómic lo pretenda, tampoco es un ejercicio para recuperar a Namor de su ostracismo. Este cómic no está para eso, persigue otras cosas, tiene más de relato que de cómic de superhéroes. Y por lo que pretende y se aventura es por lo que tiene que responder, no por una cosa que no es ni quiere llegar a hacer. Y en ese sentido, el cómic responde óptimamente y funciona, y además, me hace entender nuevamente que de prejuicios no puede vivir el hombre. Un acierto.

Scriers.

¿Cuales han sido las elegidas? Pues por orden de visionado, que no cronológico: “Desmontando a Harry” (1997), “Manhattan” (1979), “Hannah y sus hermanas” (1986), “Nubes y niebla” (1991) y “Sueños de un seductor” (1972), que realmente dirigió Herbert Ross. Creo que representan bien y a grooso modo, el cine de Allen. Hablo aventuradamente, pues engloban algunas de las más conocidas y otros proyectos que sirvieron de homenaje hacia géneros preexistentes.

¿Qué tiene de especial el cine de Allen? Para mí, el discurso de Allen trata sobre el ser humano moderno, hombres y mujeres de la sociedad occidental que viven según las normas y contradicciones que les ha tocado vivir. En una sociedad de cambio el individuo resulta contraproducente. Pero este discurso se ha visto beneficiado porque la persona que lo plasma es un personaje muy peculiar. Neurótico, hipocondríaco, maniático, analítico, existencialista, de educación judía, entusiasta de la cultura, la música y sobre todo, de las mujeres.

Así, puedo entender que para mucha gente Allen sea un charlatán intelectualoide, pero creo que se quedan con la caricatura y no con el fondo de su obra. Una vez te acostumbras a él, ya solo puedes echarle de menos. Para despojarse de esa visión que se puede tener de él, solo hay que ver “Manhattan”, una de sus películas más aclamadas. En ella construye una crítica salvaje de la clase alta norteamericana, su alta cultura y sus falsas poses y apariencias. Y lo hace apoyándose en una de las características más patentes de su cine: La importancia del espacio. Cada película exprime la ciudad o el universo donde sucede la acción.

En “Nubes y niebla”, por ejemplo, aprovecha la frialdad y oscuridad de los callejones para retratar a una sociedad histérica, falsa e hipócrita, donde se construyen planes y perversiones en el silencio de la noche. Una sociedad que no es capaz de ponerse de acuerdo para afrontar el mal común. De paso hace un homenaje a las películas de terror alemanas de la primera mitad de siglo XX.

Otra de las características de su cine tiene que ver con los diálogos, capaces de introducir la reflexión más profunda en el momento más intrascendente. Y eso le lleva muchas veces a Allen al terreno del enredo y lo tragicómico, como en “Hannah y sus hermanas”. Pero no es un director exclusivo de diálogos, los monólogos los maneja con naturalidad y de manera liviana, no suena trascendente gracias a sus gotas de ironía y su corrosivo humor.

En “Desmontando a Harry” gran parte de la acción transcurre en la mente de su protagonista o es consecuencia directa de sus pensamientos. Normal, por otra parte, tratándose de un escritor. Y es que la biografía de Allen está plagada de creadores. Escritores, guionistas, productores, directores de cine, pintores, artistas de circo… toda una declaración de intenciones. El uso y abuso de estos personajes y su modo de vida constituye de igual forma una crítica que un homenaje (como el homenaje a Casablanca que es “Sueños de un seductor”). Allen no puede vivir sin el arte, pero tiene la capacidad suficiente para criticar su búsqueda.

En fin, mi aventura de verano con el cine de Allen amenaza con más episodios, con hacerme descubrir nuevas peliculas que me hagan entender un poco mejor este mundo y los seres que lo habitan. Bravo Woody, ya tienes un fan más.

Scriers.

Woody Allen no es precisamente un autor ofuscado, sino todo lo contrario. El newyorkino siempre ha sido prolífico, fructífero y polifacético, si bien es cierto que se siente más cómodo si en sus guiones, de tintes cotidianos, aparece un creador (normalmente interpretado por él) ya sea en forma de escritor, director o cómico.

En Desmontando a Harry, Allen presenta una radiografía del tipo de escritor que acude a su propia experiencia vital para configurar sus historias, la llamada literatura autobiográfica, aunque aliñada con elementos ficticios. Nos deconstruye a un personaje, Harry, distanciado de sus seres cercanos por haberlos utilizado en sus libros como personajes de sus páginas. Es uno de los recursos básicos de los escritores, basarse en situaciones reales y/o en personajes de carne y hueso. Ocurre que Harry acaba por confundir realidad con ficción, mezclando situaciones, recuerdos y episodios de la vida real con otros de su obra escrita.

Desconozco si esto puede llegar a suceder, me imagino que Allen lo exagera, pero no deja de ser un interesante conflicto para la conciencia del escritor. También acude al surrealismo (el hombre desenfocado) y la autoparodia para dibujar una dualidad realidad-fantasía que años más tarde utilizaron títulos como Big Fish o La Ciencia Del Sueño con notable éxito. Un exigente experimento que obliga al espectador a seguir con atención un relato algo anárquico y desestructurado e interpretar las intenciones del director.

Desde un enfoque diferente, pero relacionada con la temática del escritor frustrado, visioné Barton Fink, en la que no me voy a detener mucho, pues existe un extenso artículo en la Wikipedia y algún otro meritorio análisis en la red de imprescindible lectura. Es la cuarta película de los hermanos Coen, una cinta de culto que fracasó en taquilla pero salió vencedora en Cannes y que analiza el bloqueo creativo de un escritor desde una óptica turbia, angustiosa y simbólica.

En esta especie de El Resplandor coeniano nos muestran el agobiante sinvivir de un guionista de cine que acaba confundiéndose entre realidad y ficción, un hipnótico juego lleno de imágenes que hace dudar al espectador del mensaje que pretenden trasmitir. Los Coen atacan con su habitual ironía el mundo de Hollywood, caricaturizando los personajes secundarios sin disimulo y criticando la alta burguesía artística en contraposición con una clase media oscura y barriobajera que se aloja en el decadente Hotel Earle. El principal reclamo de Barton Fink resulta por tanto, detenerse en su entramado alegórico y debatir sobre el significado de ese extraño final y de los numerosos detalles de la película, algunos tan sutiles que pasan inadvertidos.

Dos modos diferentes de abordar el bloqueo creativo, uno, desde la óptica divertida y ocurrente de Woody Allen y otro, desde el prisma angustioso y sombrío de los hermanos Coen. El folio en blanco también aterra a los genios.

Hoy, ninguna serie despierta en mi tales sensaciones. La que más se acerca a ello podría ser la nueva serie de David Simon, Treme, que aborda la reconstrucción de Nueva Orleans después del paso del huracán Katrina en clave musical. Soul, blues, country, rockabilly… una delicia para los oídos con un excelente reparto coral, pero en el fondo, una serie a la que le falta pellizco, emoción, que se pierde conscientemente en la cotidianeidad de la desgraciada ciudad norteamericana.

Descartada Treme, más preocupada por el continente que por el contenido, mi esperanza recaía en Breaking Bad (de la que ya hablamos en su día por El Club). Sin embargo, no conecto con la ajetreada vida de Walter White ni con esa ambientación tejanolatina tan angustiosa. Me hallo en el ecuador de la segunda temporada y todavía contemplo desganado episodio tras episodio. Aguantaré porque mi buen amigo Fresús asegura que la espera merece la pena, que la traca final es de aupa y la tercera temporada antológica. Me fío de su criterio.

Mi último intento ha sido visionar Hijos De La Anarquía, que viene respaldada por excelentes críticas y una comparativa común, erigirse como la nueva Los Soprano. Muchos mencionaron incluso a Shakespeare por su carácter poético y dramático. Sólo me han hecho falta dos episodios para estar convencido que la serie de Kurt Sutter (antes enrolado en la osada The Shield como guionista) difícilmente llegará al nivel de la portentosa serie de la HBO.

Hijos De La Anarquía podría definirse como un Melrose Place a lo motero, un coctel con los mejores ingredientes de un culebrón al uso; sexo, pasiones, secretismo, enredos y una palpable violencia gratuita. A su favor, un reparto interesante con actores de mucho recorrido y una imagen, una iconografía, muy lograda . En su contra: la sensación asistir a un desarrollo de la acción encajado con calzador, el maniqueismo latente, el discutible gamberrismo de los Hijos De La Anarquía, la irrisoria hombría de los protagonistas, el hecho de poder adelantarte a los acontecimientos con pasmosa facilidad…

¿Es aventurado sentenciar la serie habiendo visto tan sólo sus dos primeros episodios? Sin duda alguna. Pero comprendedme, dado el poco tiempo del que dispongo para ver películas y series, no me conviene perderlo con un producto que se agarra a la violencia y a la extrema visceralidad como ejes fundamentales de su desarrollo. A mi estos moteros tan machos alpha me repelen más que me seducen, y por ello, seguiré en mi búsqueda de alguna serie que discuta el podio a las tres insignias de HBO, hasta hoy, tan indiscutibles como inalcanzables.

El caso es que nos hemos autoabanderado como portavoces de lo que consideramos un trabajo único, una música que merece difusión, reconocimiento y longevidad, una música que ha crecido con nosotros hasta abrazar su mayoría de edad. Hoy, la música de Hoja de Ruta puede presumir de su primer y largo trabajo discográfico, Hoy estoy para seguir. Obviamente, lo consideramos una magnífica noticia, pero el hecho de que este trabajo exista no tiene que ver solamente con los ahora componentes de la banda (Jose, Rafa, Ruri, David y Diego), ingenieros y músicos que soportan el mayor de los méritos, sino que implica a muchos otros, los Moi Cabrera y Dani Cardiel, los Juan Franco y tantos otros que contribuyeron esencialmente a la causa.

Pero no son tiempos de retrospectivas sino tiempo de analizar y desgranar el nuevo trabajo y en eso estamos. No esperen objetividad, aunque prometemos intentarlo. ¿Por dónde empezar? Pues resaltando el carácter ambicioso del disco, catorce temas del repertorio habitual de la banda. Se han quedado atrás temas que merecían un hueco en el pasado y pertenecían a otra estación (ahora me acuerdo de “De un hotel” o “A solas”, por ejemplo, de la grabación con Figueroa y cómo fue todo aquello, y sinceramente, creo que ha envejecido muy bien).

La primera impresión cuando tienes el disco en tus manos es magnífica. Un hermoso Digipack  que ha diseñado Ángel Cardiel con mucha clase (chapeau querido amigo). Luego lo introduces en el equipo y la primera sensación es de extrañeza; por la producción que deja en un primerísimo plano la voz de Rafa, muy limpia, y el carácter ecléctico del disco, variadísimo, pero también porque el disco empieza valiente con lo que en los conciertos era una “bossa” al uso y ahora se halla convertida en una canción dinámica y arriesgada con un toque muy latinoamericano, “Hoy estoy para seguir”.  Es una declaración de intenciones y a la vez un enorme título para el disco. Aviso para navegantes: Esto es Rafa Caballero, sí, pero también Hoja de Ruta, y como son más y muy buenos, pueden jugar más y mejor con las canciones. Y al que tenga los oídos malacostumbrados por otros temas grabados, pues que se agarre. Por cierto, el polifacético Juanito Franco aparece tocando la guitarra bossa.

La segunda confirma estas sospechas, “Retratos”, que la conocíamos en clave intimista, es un rock clásico que a algunos les recuerda a Dire Straits y a otros a Platero y Tú, pero que en el fondo tiene personalidad propia. Podemos considerarla como la presentación rock de la banda dentro del disco y lo hace con un tremendo impacto, homogénea y talentosamente. La letra es algo abstracta, conversacional y antagónica donde la palabra clave es el título de la canción, retratos.

“Que el tiempo pase” es una ranchera al uso, existencialista, trascendente y melancólica (como deben ser las rancheras), igual alegre que triste. El tema está grabado con mucho jaleo y coros de fondo, lo que les une nuevamente a las américas. Para un servidor, la noto partida en dos y es la canción que menos me funciona del disco.

Y sin tiempo para el respiro, viene otro de los temas nuevos del disco “Yo siempre quise”, un tema de interesante composición, porque parece un mosaico de anhelos y envidias sanas y al final con dos frases se lo lleva al terreno del desamor, que es lo que le da redondez. Uno de los temas que mejor funciona en los conciertos, divertidísimo y que ha quedado directo y festivo en el estudio.

“Desgraciado” era una canción que conocía solo a guitarra rasgada y que ha quedado limpita y saneada que da gusto al estudio. Para mi entender, ha mejorado mucho. El saxo ocupa en este tema un papel diferencial, y la verdad es que David Pardo, de pardo tiene poco, se sale.

“Como antes” es el tema que más conocíamos y que menos ha cambiado. Permítanme el chiste, ha quedado “como antes”. Un rock efusivo, nocturno y muy canalla. Lo cierto es que es una canción que al que no conozca a Hoja de Ruta le va a seducir de inmediato, tiene una conjunción estupenda guitarra-bajo, una melodía de saxo brutal y es aquel tema que todo roquero debería tener si se quiere considerar como tal. Y es que, cabría destacar, ahora que estamos en ello, la evolución de José Escamilla al bajo, que desde que cogió Licor 69 no ha parado de ascender en cuanto a recursos. ¿Cuál será su techo?

“Fuera de lugar” son palabras mayores. No es que tenga bajones el disco, es que muchas de las canciones responden a un estilo musical y están digamos… “contextualizadas”. Son rancheras, rock clásico, bossas, medios tiempos… de indiscutible calidad por cierto, pero hay algunas que marcan y definen qué es Hoja de Ruta con mayor ímpetu. Y me da que “Fuera de lugar” es una de ellas. El tema comienza con una música casi western y con una frase antológica “Del Taj Mahal a Venecia, sin pasar por tu casa, sin llamar a tu puerta”. Luego se entrega a una intensidad in crecento y acaba con un Rafa desbocado en uno de los mayores riesgos vocales del disco. El punteo interestrofas es enorme y la letra es “made in Rafa”, la voz desesperanzada de un chico triste que se siente más fuera que dentro, en conflicto con un mundo que ensucia sus botas y que le deja malvivir con alguien al margen.

Y ahí está estratégicamente situada un tema cortísimo, “Sevilla, Barcelona, Madrid”, un respiro que resta trascendencia al conjunto y aporta ligereza. Los discos también tienen un plan para el oyente.

“Tocando el techo” es uno de mis medios tiempos favoritos de Rafa. Primero porque siempre me han gustado las canciones a armónica, pero también porque es una canción medio susurrada, entregada a imágenes, como un mosaico de recuerdos. Para mí es realismo mágico aplicado al cancionero y en clave de amor (seguro que Rafa siempre pensó que definirían así la canción). Por cierto, para esta versión, le han aplicado violín, clarinete y guitarra española. Casi ná.

“Al pasar de largo” es un rock malote, con un riff agresivo y de frases contundentes, algunas muy memorables “al pasar de largo a veces me encuentro que no encuentro nada por pasar de largo”. Incluso Rafa adapta el juego vocal para la ocasión y se pone máscara de demonio. Aquí encontramos uno de esos momentos en los que bajo y guitarra funcionan casi siameses.

“¿Para qué?” es un clásico hojaruteño, que nos hemos hartado de escuchar, vale, pero que en el disco mantiene todas sus virtudes. Para quién no lo sepa, es un tema que juega con la idea de un suicida imposible, que siempre encuentra motivos para no matarse cuando está a punto de hacerlo. En el fondo, no es más que un canto a la vida y al rock and roll. La guitarra aquí, se exhibe.

En “De carne y hueso: entre Tirso y la Latina” el grupo se la juega y sale airoso. A ver, De carne y hueso es una de las mejores letras de Rafa. Es de tal hondura y tan en primerísima persona que es casi imposible que quién lo escucha no se sienta herido, “al final será verdad que soy de carne y hueso”. Tiene aspecto de bolero, pero no lo es, es un medio tiempo doloroso. Cuando acaba, enlazan con una creación latina, muy cubana y salsera donde se olvida el victimismo primigenio para entregarse a la nostalgia de la noche. El jaleo del final redondea un tema que podría haberse incluido fácilmente en “El cantante”.

“No molestar” es otro “rockabilly” con un ligero tono country clásico de la banda, uno de los terrenos donde la banda más armoniza el conjunto. Parece escrita en un día de borrachera.

“Sin sombrero” es el inmenso broche final de este proyecto musical que se llama “Hoy estoy para seguir”. Para mí, la mejor creación de Rafa y Hoja de Ruta, un medio tiempo precioso, que consigue que comprendas todo sin decírtelo todo, una letra que juega con conceptos supremos (la suerte, la victoria, la derrota, la locura) y lo intercala con trivialidades como tirar dados, arañas, cartas… y que en el fondo habla de amor y el amor es así, supremo y trivial. O puede que no hable de eso, pero sinceramente, me da igual, así es como yo la entiendo.

Y así hemos llegado al final, quién lo diría. Hoja de Ruta tiene su primer disco en la calle y sus seguidores somos un poco más felices. No, miento, mucho más felices. Lo mejor es que esto es solo la primera etapa, que todavía queda lo más importante. Yo ya no imagino camino reversible. Poco a poco irán escalando, y lo que no consigan por su esfuerzo y trabajo, que es mucho, lo conseguirán por su música. A nosotros solo nos queda agradecer su trabajo, seguir insuflando adrenalina y aplaudir. Animar como animan esos seguidores a los ciclistas cuando al comienzo de la ascensión, miran arriba y solo les ocupa un pensamiento: la certeza de que tarde o temprano llegarán a la cumbre.

PD: Si quieres hacerte con el disco, aquí.

Scriers.