Sala llena y expectante. En la cola para entrar, que recorría un larguísimo tramo de acera, había quien buscaba con insistencia y sin mucho éxito, alguna entrada sobrante. No es de extrañar, ya que esa noche la sala Custom recibía en concierto al gran Iván Ferreiro, ex-líder de los Piratas.  En esta ocasión, el vigués presentaba su último disco, Confesiones De Un Artista De Mierda, donde repasa su carrera musical regrabando con un nuevo punto de vista musical algunos de sus temas más memorables, tanto de su carrera en solitario como de su etapa pirata.

Con una puntualidad de reloj suizo, el gallego sale al escenario acompañado de su banda y comienza a sonar sin dilación Toda la verdad. Al ritmo de los versos “solo hay mentiras si con ello lo que quieres es decir toda la verdad” el público se va introduciendo tímidamente. Tras un par más de temas, Iván saluda a la sala rompiendo totalmente el hielo y creando un ambiente de complicidad y buen humor que durará las dos horas de concierto. Se le ve tranquilo y disfrutando del momento. Esta sensación de cercanía es bien recibida por los espectadores, que se entregan bailando y coreando las canciones.

En la primera parte, que abarcó temas como Paraísos perdidos, Mi furia paranoica o El viaje de Chihiro, se pudo ver una banda en muy buena forma y cuya coordinación y compenetración quedó demostrada en Mi Munchausen, que hizo saltar al público, llegando  a la culminación del tema como una explosión perfectamente ejecutada por todos sus miembros: Amaro Ferreiro a la guitarra acústica, Emilio Saiz a la eléctrica, Gael Pintos a la batería y Pablo Novoa en la eléctrica, teclados e incluso se atrevió un poco con la percusión.

Tras este primer momento álgido, el concierto se volvió algo más íntimo cuando todos se fueron del escenario dejando solo a Iván para interpretar al piano y con su particular voz rasgada Inerte, una preciosidad de tema que erizó la piel de muchos de los asistentes. Hubo tiempo para versionar a amigos. En este caso Iván dio a elegir al público entre tres de sus últimas versiones realizadas sobre canciones de otros grupos del panorama indie español. Aquí jugó con el hecho de encontrarse en la capital hispalense como explicó y se decantó por una versión del tema de los sevillanos Maga: Diecinueve.

Después vinieron temas esperados como Promesas que no valen nada, Años 80 o Rocco Sigfredi y otros que sorprendieron al público, pero fueron recibidos con entusiasmo como M,  Jet Lag o una divertida Tristeza con Iván interpretando los dos personajes de la canción con mucho arte.  Entre ellos, intercaló otro momento más lento acompañado sólo por su hermano Amaro y que aprovechó para tocar SPNB y Canción de amor y muerte, su otra nueva composición (obra de ambos) que confesó era la primera vez que la tocaban juntos desde su grabación en directo.

La recta final del concierto se acercaba y Ferreiro lo recordaba entre bromas al público al que llegó a decirles “me dais miedo”, por lo insaciables que parecían. Santa adrenalina, Turnedo, Días azules y Piensa en frío fueron la traca final del concierto seguidas de una merecida ovación y palmas con ritmo del sur como sólo en Andalucía se hace (un guiño más al público que tuvo el cantante). Finalmente, llegó el bis con El equilibrio es imposible y Mi coco, que dejaron a los presentes con la sensación de estar en una nube de satisfacción.

En resumen, un espectáculo lleno de emoción que no dejó a nadie indiferente, sin grandes experimentos musicales, pero una banda compacta, un Iván cercano, simpático y volcado con su público. En fin, un reencuentro tan esperado (al menos por mi) como satisfactorio después de haberlo vivido. Un concierto más que recomendable y que esperamos que “siga  haciendo magia que volverá para salvarnos…“.

A nivel nacional: El año ha sido de notable alto. Muchos autores consagrados han lanzado disco al mercado, y en muchos de ellos he encontrado canciones que considero imprescindibles en este año (Sr. Chinarro, Manel, Nacho Vegas, Antonia Font, Sidonie, Marea…). Como Bunbury se ha demorado tanto, no podremos analizar su disco este año. Así que los que más me han gustado ha sido estos:

* Extremoduro – Material defectuoso. Ya hicimos reseña por aquí. El Robe más pausado, nostálgico y poético sacó una especie de cara alegre de “La ley innata” (2008), que le han valido tantas críticas como elogios. Nosotros nos sumamos al carro de sus elogios por la personalidad musical imprescindible de Robe, porque sus versos nos fascinan y porque teníamos ganas de saber qué diría Robe sin la mala leche de antaño y en estado de enamoramiento. Pues esto. Y mola.

* Loquillo – Su nombre era el de todas las mujeres. También hicimos reseña. Aunque peca en ocasiones de sobreproducido, el experimento de Loquillo, muy en la línea de Balmoral, me ha seducido por su mezcolanza entre poesía y música. Los poemas musicados de Luis Alberto de Cuenca, que encajan perfectamente en el universo del Loco, hablan del amor y desamor en esa generación madura (entre el posfranquismo y la movida) que ahora, pasado el tiempo, es capaz de mirarse a las entrañas y narrarse con estas historias de hombres que aman a mujeres imposibles.

* The New Raemon, Francisco Nixon & Ricardo Vicente – El Problema de los tres cuerpos. El universo del pop independiente en español no sería hoy lo que es sin atender a estas tres importantísimas figuras de la escena. Un disco a seis manos (tres canciones por barba, nunca mejor dicho). El problema de los tres cuerpos no es, ni mucho menos, un problema. Es un disco de pop preciosista, enormemente producido con la ayuda de Ricky Falkner y canciones que rebosan una lírica reconocible y una musicalidad compacta. Especialmente destacados los temas de Ricardo Vicente (La Costa Brava), cuyos temas “Todos tus caballos de carrera” o “El Palacio de los Gansos”, me parecen de los temas pop del año.

A nivel internacional: El problema de evaluar los discos que salen fuera de España es que el panorama es tan amplio que es casi imposible escucharlo todo y tener una concepción global. Yo hace dos años que ni lo intento, antes era mucho más ingenuo. Escucho solo lo que me atrae o lo que cae en mis manos. Así, estos son los tres discos que más me han gustado:

* Bon Iver – Bon Iver. La gente decía, y con razón, que Bon Iver no iba a poder sacar un disco tan bonito como el de su debut, For Emma, forever ago. Pero lo hizo. El disco homónimo del grupo de Justin Vernon, es una auténtica delicia para los oídos. Ese pop-folk con arreglos imposibles ha adquirido aún más profundidad y las sensaciones musicales de su cantante y compositor son excelentes. Se le ve más seguro que nunca de su apuesta. Lo que el devastador single “Calgary” adelantaba, luego fue corroborado por el disco. Bon Iver ha parido diez canciones sobre diez localizaciones terrenales del planeta donde estacionalmente hace un frío que pela. Pero pese a su nombre y esa insistencia sobre lo invernal, su disco no es frío, es intenso, profundo, sobrecogedor y apabullante. Es, sin duda, el disco del año.

* Herman Dune – Strange Moosic. Les seguía ya la pista hace algunos años. Dicen que sus mejores discos ya los parieron, pero no puedo estar más en desacuerdo. A mi juicio, este Strange Moosic (que será el nombre de su futura discográfica) es el mejor disco del duo francés. El que se encuentra a medio camino entre el sonido más popular de la banda y sus influencias primigenias. Con David-Ivar en estado de gracia vocalmente, y un repertorio que igual le asemejan a Wilco que a Neil Young, los coros, estribillos y guitarras acústicas del último trabajo de Herman Dune te atrapan y te cambian el ánimo. Después de escucharlos, casi siempre, te sientes mejor. Y eso, como podréis imaginar, no tiene precio. Y si no os vale con eso, siempre lo podéis comprobar ustedes mismos.

* Wilco – The whole Love. La vuelta de Wilco a un nivel de notable alto y las actuaciones triunfantes que han tenido por España vuelve a colocar al grupo de Jeff Tweddy en la más alta de las consideraciones tanto para crítica como para público. Para colmo, en su último trabajo recuperan los largos desarrollos, los temas de pop redondos o las canciones folks de ataque directo al corazón. Lo comentamos por aquí, y lo repetimos ahora, Wilco ha vuelto. Y por lo que parece, para quedarse.

No debería ser una gran noticia, porque ni siquiera es un LP (no hicimos mención a La Zona Sucia, por ejemplo, disco que vio la luz este mismo año), pero estamos hablando del artista asturiano, especialista en este tipo de formato (Canciones de Palacio, Esto no es una salida o Miedo al zumbido de los mosquitos). Y así nos ha dado, a lo largo, de su carrera, algunas canciones memorables.

Cómo hacer crac consta de seis canciones y tanto el proceso, la grabación y el porqué de este formato lo explica mejor el propio autor aquí. Además, el disco puede ser obtenido de manera gratuita a través de la web de Radio3 y Nacho así homenajea y valora una radio indispensable en España, que sin duda merece detalles como éste. También tiene, el EP, una tirada de 1000 copias a la venta, con los que “se cierra el ciclo en 2011″. Toda esta artimaña nos pone alerta sobre las nuevas maneras de exponer una obra musical al público. Los artistas y su entorno, cada vez, se están esforzando más en la manera en la que hacen llegar las canciones al público. Uno puede elegir, un formato físico cuidadísimo o formato electrónico gratuito.

Y hablando ya del contenido del disco. Para mí, sin pretenderlo, Nacho Vegas recupera su faceta más decadente y minimalista con la que destacó en la primera parte de su carrera (de la época de Actos Inexplicables o Cajas de música difíciles de parar). Me explico, aunque posiblemente, muchos me lo podrán rebatir. La producción más metódica y preciosista de “El manifiesto desastre”, aquí ni se huele, y se cuentan los activos musicales de las canciones con los dedos, quedando un trabajo más compacto, pero menos rico en matices musicales. Pero quizás sea esto lo que le convenga al EP, ya que Nacho Vegas opta por un registro vocal más cercano y extremo, en ocasiones haciendo sonidos casi guturales, como el que está desvariando solo. Digamos que canta menos y narra más.

Y de las seis canciones, hay cuatro que me parecen que podrían haber sido canciones “capitanas” de un disco de los suyos. Como hacer crac, Marquesita, La fiesta y Relato de un error. El estilo prosaico de Nacho Vegas tiene momentos de indudable lucidez, desatado, sin presión. Ejemplos de fragmentos:

Cómo hacer crac.

y que han cambiado el significado
de algunos verbos como “disfrutar”.
Y en la calle se hace un gran silencio,
pero si escuchas bien oirás un crac.

Marquesita.

Donde te respondí una vez
al preguntarme tan solo si todo iba a ir bien:
“No tienes que temer;
los lobos muestran ternura al morder
y ahora los oigo aullar”.

La fiesta

El tiempo sigue haciendo su brutal tarea
y yo aún sigo milagrosamente aquí.
Volé hacia ti haciendo extrañas piruetas
y tropecé y fui a parar a este jardín,
y entonces claramente oí:

“Ven, ven, acércate.
Toma; esta es tu vida, intenta hacerlo bien.
¿Ves aquel punto en la niebla?
Ese puede ser tu gran amor, y aquel tu perdición.
Y aquellos otros dos nos anuncian que vendrán tormentas.

En fin, que Nacho Vegas sigue marcando, de manera muy prolífica por cierto, el ritmo una obra que navega coherentemente, multiplicando los rincones de ese universo diferenciable, reconocible e inclasificable que se ha propuesto crear. Y aunque la estructura de sus canciones, muy largas, y lo poco convencional de su estilo al cantar, le nieguen el favor del gran público, los seguidores de Nacho Vegas lo serán cada vez más. Y el boca a oído hará mucho también. Aquí, en Cómo hacer crac, se recupera un poco el espíritu de los primeros tiempos. Y yo, a celebrarlo.

L. A. – Heavenly Hell.

L.A. son las iniciales de Luís Alberto Segura, un músico mallorquín de la escena independiente que se ha tirado años tocando la batería en el circuito menos reconocido de todos, el de los pequeños locales y actuaciones intermitentes, ajeno a las radiofórmulas, y echando muchísimas horas de estudio y ensayos. Comenzó en grupos como Los Valendas y The Nash, y luego fundó su propio sello discográfico (Dreamville Record) para montárselo por su cuenta, ya con su proyecto L.A en mente. Estamos hablando de un periodo de más de diez años formando parte de sector underground de la música. Si eso no es amor por la música, que baje Dios y lo vea. Nunca tirar la toalla, seguir y seguir hasta encontrar el hueco que tu talento y sabiduría musical te proporciona, es algo que realmente admiro. Solo por eso, me debía comentar este disco.

Cabe destacar que Heavenly Hell está editado por Universal. Es decir, el autor consiguió el interés de una discográfica externa, y ahí editó, con muchos más medios, su disco. Tardó dos años y el disco se lanzó al mercado en 2009.

¿Pero qué es Heavenly Hell? Pues es un disco de pop con envoltorio rock, o de rock con envoltorio pop. En realidad, una mezcla de ambas cosas. El tratamiento vocal puede recordar, sin duda, a Pearl Jam, aunque también a otros grupos de la escena internacional. A mí me recuerda en algunos temas a los Foo Fighters más pop o Audioslave y grupos de ese orden, pero otras veces se pasa al pop, digamos, más edulcorado, tipo Josh Rouse, Tom Petty o Ocean Colour Scene. Las canciones, son todas en inglés.

Lo que más me gusta del disco es la calidez con la que te embriagan los temas. En un visto y no visto, ya te resultan familiares. Son temas muy bien producidos, que te llegan pronto a la fibra sensible, nostálgicos, sin artificios ni trucos, por el simple tratamiento instrumental y la voz suave de L.A.  En ese sentido, mis cuatro temas predilectos son los dos primeros, Crystal Clear y Perfect Combination, y Hands y Stops the clocks (corte quinto y séptimo). El disco cierra con un tema de esos que comienzan a tempo lento y se va animando, Microphones and Medicines. A mi juicio, el corte “oculto”, el onceavo, no le hace mucho bien al conjunto. Pero se le perdona.

Es éste uno de esos discos que te gusta disfrutar como un pequeño secreto que compartes con unos pocos, aunque se contradiga con mi verdadero deseo, que lo escuche mucha gente y este músico, perseverante y tenaz, tenga continuación en su carrera musical. Sus canciones y su trabajo, sin duda, lo merecen.

PD: Por cierto, que el disco parece haber tenido éxito, porque su creador ha grabado un acústico con las mismas canciones, desnudas, llamado Heavenly Hell Naked, que vio la luz el año pasado.

¿Y qué tiene este “En mi hambre mando yo“? Pues… como decirlo, más de lo mismo. El caso es que, debatiéndolo con mi entorno cercano digital y personalmente, de Marea lo que queremos es esto. Poemas musicados en el ámbito del rock&roll de la mejor manera posible. Algo más de ese mundo interior salvaje, de profesiones antiguas y lenguaje con injertos del amor y de la naturaleza. Queremos universo Kutxi, y queremos que, a ser posible, haya algunos estribillos fáciles de recordar y queremos también que se dignifique el rock y que suene bonito y limpio. Todo eso lo consigue Marea a las mil maravillas y Kutxi sigue haciendo letras de una calidad sobresaliente, muy por encima del 80-90% de grupos coetáneos. Pero… ¿Es suficiente? ¿No debería un grupo buscar nuevos horizontes o vale, simplemente, con hacer lo que les gusta? Kutxi ya ha dicho mil veces en las entrevistas que ellos están ahí por placer, que van a hacer lo que les salga hasta el final de sus carreras y que, por poner un referente, quieren ser los Barricada de su época. Marea, aunque las comparaciones sean odiosas, no ha optado por una vuelta de tuerca en su estructura o en su concepción de trabajo musical como sí lo ha hecho Extremoduro, sino que ha reincidido en sus virtudes, depurando al máximo el producto, quedando redondito y muy apañado. ¿Es eso reprochable? Pues depende de la exigencia de quién lo escuche. En mi caso, me cuesta reconocer que a Marea le perdono lo que a otros le reprocho, pero supongo que, sacando un disco después de cuatro años, no me da para el hartazgo, sino al revés, espero con ganas sus discos.

Y ahora ya dentro del disco, hay algunas notas a destacar. Dice un amigo que tienen influencias muy AC/DC y que han evolucionado sus riffs de guitarra. Puede ser, yo no lo reconozco en mis primeras escuchas, pero puede ser. Por otro lado, tiene tres o cuatro temas que bien podrían formar parte, con el tiempo, del repertorio típico de sus conciertos. Particularmente, Canaleros y Ojala me quieras libre, me parece que tienen todas las papeletas. Luego destaca alguna canción de amor tipo Los mismos clavos, de esas que podrías cantar a alguien para que se sienta especial. Y aqui incluyo, sobre todo, a El día que lluevan pianos. Y ya desde la óptica del que también escribe, uno no deja de sorprenderse de la calidad de Kutxi escribiendo, de esos quiebros en los versos musicales y la frase precisa. Cómo consigue aunar poesía y canción, sin que ninguna de las dos se resienta.

Y esto es lo nuevo de Marea. Quién busque nuevas emociones, ya puede salir disparado, quién, por el contrario, quiera deleitarse con una nueva entrega de versos al son del Rock&roll, sin duda, este es su sitio, uno de los lugares donde, actualmente, puede sentirse más cómodo.

Musicalmente, pues, estando Sopeña de por medio, era fácil dilucidar que no iba a haber grandes diferencias con respecto a su predecesor, Balmoral. Sopeña conoce bien a Loquillo y Loquillo ya hace tiempo que no quiere inventar nada musicalmente, sino simplemente, saber rodearse de los elementos con los que se saque mayor partido. También comentamos, en la anterior reseña, que Loquillo disfrutaba de las mejores condiciones de estudio a lo largo de su carrera. Lo refrendo. El sonido de este disco, como del anterior, es limpísimo. La voz clarísima, en primer plano, el sonido muy bien filtrado, cada instrumento en su sitio, todo irreprochable.

El discurso del poemario, a su vez, tiene mucho en común con las cosas que han obsesionado a Loquillo en su carrera. La mayoría son poemas de amor conversacionales con una mujer marcados en un ambiente urbanita, repleto de perdedores, con referencias a ciudades como Salamanca, Madrid o Barcelona y alusiones a una generación que va instalándose en su madurez. Todo mediante un lenguaje directo, aseado y nada críptico. ¿Les suena, no? Bien seleccionados los ingredientes para que Loquillo se sienta identificado y explote sus cualidades vocales. Y lo cierto es que Loquillo se muestra en plena forma, forzando el gaznate cuando hace falta y usando un tono más comedido en otras ocasiones. Particularmente, cuanto más se desmelena, más me gusta.

De entre todos los temas, destacaría cuatro, los dos primeros, “Political incorrectness” y “Nuestra vecina”, que dejan muy a las claras por dónde tira este trabajo, y el quinto y décimo corte, “El encuentro”, que cuenta un reencuentro con un antiguo amor (“Y en mi interior bullía la mentira al alimón con el deseo, y todo -aquel horrible bar, tu y yo, la noche- era tan esperpéntico y absurdo”), y “Su nombre era el de todas las mujeres”.

El formato del disco, y su libreto, espectaculares. Antipodas Producciones ha hecho un gran trabajo. El libro, con prólogo de Arturo Pérez Reverte, viene repleto de fotos coquetas y de la obra pictórica de Fernando Pereira. Un trabajo hecho con muchísimo cariño, que tendrá el inconveniente de siempre, la personalidad arrolladora de su cantante que provoca por igual filias y fobias. Pero si se adquiere perspectiva, encontramos otro disco memorable, con la misma forma y diferente fondo, apto para momentos de embriagadora nostalgia.

El referente de música independiente vuelve a  nuestra provincia. Vuelve el Monkey Week a El Puerto de Santa María los próximos días 29, 30 y 31 de Octubre.

Es dificil medir la importancia del Monkey Week a primera vista. Al analizar los carteles de las dos anteriores ediciones me doy cuenta de lo mucho que me queda por aprender de música independiente. Un cartel plagado de pocos nombres conocidos que encierran a bandas históricas, de sonidos unicos y cuya presencia por tierras gaditanas es para fardar con orgullo.

Este festival pretende crear dos espacios clave en los días que dura. Uno, el fuerte del festival, que acoge a las bandas de mayor renombre en una ubicación de lujo en la ciudad de El Puerto, el Monasterio de la Victoria, y otro, que dura una semana (de ahí el Week) que crea un circuito de músicas por toda la ciudad con conciertos en salas y bares de la zona.

Desconozco el éxito de las dos anteriores ediciones. Estuve en la primera de ellas, en 2009, que apadrinó Enrique Bunbury (supongo que por contacto con Paco Loco y su casa en la ciudad) y la afluencia no fue nada del otro mundo, o al menos lo que pude ver. Supongo que es difícil hacer destacar a un festival como este entre tantos N-Vivos, Viñarocks y Rock in Rios. Algo parecido le ocurrió al Serie-Z en Jerez de la Frontera. Poco respaldo municipal y acompañado por una mala venta de entradas. Dignísimos carteles pero para un sector muy concreto de músicas muy independientes. Ahí está su fuerte, y también su talón de Aquiles. Este año vuelve Serie-Z a Jerez, a una mala sala de concierto como es la Sala Paúl (mala por el sonido, que no es el mejor). Esperemos que les acompañe la suerte y vuelvan a celebrarse más ediciones.

Pero volvamos al Monkey Week. Un festival de lujo y del que deberíamos estar muy contentos que se siga apostando por él en nuestra provincia. Este año tenemos ya algunos artistas confirmados, y atentos porque apunta maneras. Neneh Cherry estará en El Puerto de Santa María (parece mentira) presentando su nuevo disco en solitario que publicará en 2012, Hawkwind, la importante e inglesa banda de rock psicodélico, Oneida, Capsula, Meneo, Chrome Hoof, Herman Dune, Mugstar, Holloys, Zombie Zombie, Novedades Carminha, K-X-P y Ken Stringfellow & Ledatres. Todo eso acompañado de lo que los organizadores llaman al Circuito Showcase que cubrirá a la ciudad de un halo de rock e independencia musical pocas veces visto en la tierra del flamenco. Atentos porque la lista es interminable:

AIRBAG / ALBERTO GAMBINO & LOS KUNG-FUMETAS / ALIMENT / ALGUNOS HOMBRES / ALL LA GLORY / AMNESIA / ANALOGIC / AURORA / BIKINI RED / BLAM DE LAM / BLUSA / BRUTALIZZED KIDS / CARMONA / CASSETTES / CERO DB / CHINESE CHRISTMAS CARDS / CHUPACONCHA / CIFRA3 / COLECTIVOORUGA / COMMONPLACES / COSMONAUTA / CUZO / CYAN / DANI LLAMAS / DARDEM / DARMO / DISCO LAS PALMERAS! / DJ D-BEAM / DOLLAR KIDS / EL ESTUDIANTE LARRY / ELADIO Y LOS SERES QUERIDOS / ELKANO BROWNING CREAM / ELS SURFING SIRLES / FAMILIAR / FIRA FEM / FRED MARTINS / FURGUSON / GAF Y LA ESTRELLA DE LA MUERTE / GAGGIA / GATO MUÑOZ / GIPSY ALIENS / GREGTOWN / GUILLAMINO / HAZTE LAPÓN / HIPNOTIK / HIS MAJESTY THE KING / HOLYWATER / IMAGE MAKERS / I AM DIVE / ISUSKO & SBRV / IVÁN NIETO / JOKER / KENEDY / LA FAMILIA DEL ÁRBOL / LA HOSTIA / LA REVENGE / LA SUITE BIZARRE / LAVAVIEJOS / LE VOYEUR MÉNDEZ / LION SITTÉ / LITTLE COBRAS / LOS MARAÑONES / LUIS BREA / LUMINEÓN / MAD MUASEL / MAKARRAS / MAMBO JAMBO / MANSILLA Y LOS ESPÍAS / MARCUS DOO & THE SECRET FAMILY / MARGARITA / MARINA GALLARDO / MARYLAND / MAZGANI / MINIMOON / MISHIMA / MONKEYPRIEST / MORENO / MUCHO / MÚSICA PREPOST PRESENTA “PARAÍSO TABÚ” / NACHO BROWN & THE THOMPSONS / NOVATO / NO WAY JOSÉ / NU NILES / ODE ON DREAMS / OH, TRIKELIANS! / PÁJARO / PEN CAP CHEW / PERRO / POLOCK / PUNTA DIABLO / ¿QUÉ DIRÍA FREUD? / RADIOLA / RAS KUKO / ROBOT / ROTAFLEX / RUSOS BLANCOS / SEGUNDO TRASTE / SMILING BULLDOGS / SONS OF ROCK / SRTA. HYDE / STATIC MOVE / STUNTS / SUPER & ANTUAN / THEROTADOS / THE ADEPTS / THE CAVEATS / THE BIRKINS / THE BRASS BUTTONS / THE NOISES / THE TRACTOR / TRISFE / TRIZ3PS / WIGGUM

Desde El Club de los Imposibles queremos en primer lugar felicitar y agradecer a la organización que se siga apostando por estos circuítos tan difíciles de mantener y en los que es muy difícil creer (en términos económicos) y decir que por nuestra parte procuraremos estar presentes alguno de los días y poder medir el pulso en vivo y en directo a este festival tan ecléptico, tan rico, tan innovador, y tan exclusivo.

Pero no es ese el tema (y aunque lo fuera, está muy quemado ese debate). Este fin de semana, y con motivo de las fiestas de la Mercé en Barcelona, se organizó una edición más del B.A.M (Barcelona Acció Musical). De todos los conciertos que había, y hubieron de los más variopintos, elegí dos bastante dispares entre sí. O mejor dicho, me eligieron ellos. Ni al uno ni al otro tenía previsto ir. Quería ver Herman Düne y Grupo de Expertos Solynieve. En fin, el viernes ví a Villagers en la Plaça del Rei, y el sábado a Antonia Font en el Fórum.

Los Villagers son un grupo Irlandés nacido de las entrañas del jovencísimo Conor J. O´Brien. El amigo Conor, a parte de ser un compositor avanzado a su edad, tiene a su favor su tempranísima adicción a la música. Un niño precoz. A base de canciones con pinceladas poéticas y muchos conciertos, le ha llegado su oportunidad. Becoming a Jackal es su primer disco. El respaldo de Domino Records (la discográfica de Arctic Monkeys, Animal Collective y Franz Ferdinand, entre otros conocidísimos) y el empujón que el progama de Jools Holland de la BBC les ha llevado a ser conocidos, al menos, en el resto del continente. Y el mérito de su concierto es que, en una plaza como la Plaça del Rei, a rebosar de guiris borrachos, turistas y pakistaníes vendiendo cerveza (y esto no lo digo despectivamente, sino como una tristísima realidad), consiguieron un sonido más que decente, un universo melódico compacto y la sensación de estar ante una banda que controlaba los tempos de su actuación. Según me cuentan los más conocidos, hasta se reservaron temas de calidad, y aún así les dio para algo más de una hora. La cosa está en algún punto inconcreto del sonido UK más melódico, desde cantautores melódicos cercanos al Folk como Glen Hansard y Elliott Smith, a bandas como (atención a lo que me saco de la manga) Keane y pop-rock acústico.

Y el día siguiente acudí a ver Antónia Font, que jugaba en casa y con el estadio lleno. No vivía una masificación como la del Fòrum, con su superpoblación de adolescentes de entre 15 y 20 años desde hacía muchísimo tiempo. En cualquier caso, también los había más mayores, y de esos, la mayoría estaba viendo al grupo de Mallorca, que en Cataluña tiene una masa de fieles seguidores, y que si algún denominador común tienen es precisamente ese, que son fieles. Así que los de Joan Miquel Oliver hicieron lo que debían hacer:  Entregarse al público con un conglomerado de sus mejores canciones (y haciendo un pelín más de caso a su último disco, Lamparetes, editado este mismo año). Antónia Font son un grupo de pop-rock, como definirlo, con un universo lírico particular y consonante con su universo sonoro. Todo tiene unidad en este grupo. Letras que mezcla ciencias, estudios, cine con historias minimalistas y cercanas a la cotidianeidad. De esas dualidad nace su encanto. ¿Qué hicieron en el Fòrum? Pues… no lo tengo muy claro. Mis acompañantes me dijeron que no fue gran cosa. Sin embargo, yo tenía en la cabeza un concierto soporífero que les ví en Valencia hace algunos años, y en esta ocasión, siendo justos, me parecieron buenísimos. Me conquistó ese sonido. ¿Es porque soy otra persona o es porque era otro concierto? ¿Era porque ni los unos ni los otros somos los mismos? No sé, a mí me gustó Antònia Font, compruébenlo ustedes mismos.

Añado, por si alguien tiene curiosidad, fotos de bajísima calidad, pero originales, del concierto y algún video para despistados.

Pero Jeff Tweddy, un alma inquieta, ha sabido reconvertirse en considerable poco tiempo, dos años. Wilco vuelve a la carga con The Whole Love, que distribuyen con su propia discográfica,  dBpm Records. Y el cambio de aires le ha venido a Wilco de maravilla, oxigenándose por completo y demostrando que a nivel musical hay pocos que le igualen. Por su capacidad melódica, sus filtradas y actualizadas influencias que van desde el folk hasta el country, la música rock américana o el pop más Beatles (las influencias de Lennon-McCartney son más que notables), Wilco se han convertido en un gran grupo de canciones.

Y esa es la principal diferencia que les veo respecto a sus anteriores discos. Si discos como Being There, Summertheet o Yankee Hotel Foxtrot eran discos que mostraban una unidad simbiótica a lo largo de todas sus canciones, The Album o The Whole Love son discos más de canciones, cada una con su propio universo. De buscar la melodía perfecta, la vocalización ideal, la letra justa. Y al contrario de su predecesor, The Whole Love tiene canciones muy logradas, que conectan e implican enseguida al oyente a nivel emocional. Le agitan y le suscitan algo.

Un solo ejemplo, el disco se abre y se cierra de manera espectacular. Comienza con Art of Almost, un tema de siete minutos al más puro estilo “A ghost is born”, pero más contemporáneo, con un toque de electrónica, distorsión y con esos desarrollos de guitarras tan Wilco. Y termina con la canción One Sunday Morning (Song for Jane Smiley´s Boyfriend), una canción muy folk de doce minutos de duración. Y eso, quieras que no, es una declaración de intenciones, Wilco hace un poco, lo que le viene en gana, actúa con seguridad y el conocimiento que le dan sus ya dieciséis años de carrera. Así, dentro, hay lugar para la introspección de Black Moon, el guitarreo festivo de Standing O, u otra vez, las reminiscencias Beatles.

Los de Chicago se han sabido mirar al espejo y seguir hacia delante con un disco que desmuestra las nuevas facetas de lo que musicalmente son ahora. Insisto, más un grupo de canciones que de proyectos corales. Con sus altos y sus bajos. En éste, The Whole Love, la calidad general es más que notable y supone un paso más en el camino de una carrera que ya lleva, según mi opinión, cuatro o cinco discos de factura incontestable. Algo que les hace, sin duda, mi grupo extranjero favorito de los que están en activo.

Cuentan que está acabado, que su tiempo de inspiración huracanada ya pasó y ahora ni siquiera es capaz de llenar estadios. Que lleva años anclado en el esterotipo de caricatura dylanesca y sus apariciones públicas cada vez resultan más sonrojantes. Muchos aseguran que no volverá a firmar discos tan conmovedores como los que maravillaron a propios y extraños a finales del milenio pasado.

Probablemente tengan razón. O no. O quizás vuelva a sorprender y el día menos pensado escriba e interprete canciones como las de antaño, esas capaces de pegar un pellizco en la boca del estómago a la audiencia más sensible.

En la Industrial Copera de Granada apareció la versión hiperactiva de El Salmón. Entregado e impetuoso, arropado por un banda exquisita, Calamaro estuvo más generoso que afinado, siempre en constante experimentación vocal, autoversionándose sin complejos y combinando hiperactivamente guitarra y teclado según lo requiriesen las canciones.

Sin síntomas aparentes de desgaste, y en sorprendente buena forma física, rescató temas del baul de los recuerdos (‘¿Quién Asó La Manteca?’, ’7 Segundos’, ‘Ansia En Plaza Francia’…) y los combinó con éxitos incontestables para la satisfacción y el deleite de los allí presentes.

Un concierto notable, oficioso y profesional que amenizó un divertido Calamaro con palabras dedicadas a Enrique Morente, Joaquín Sabina o, descolocando por enesima vez a todos, Ortega Cano.

Quizás no vivamos sus mejores años, pero el argentino suma y sigue, siempre incesante en su particular homenaje al rock´n roll. A sus cincuenta años, este nervioso músico con mata de pelos agolondrados, sigue sabiendo elegir de entre un repertorio de más de 300 canciones, una veintena capaz de erizarte la piel, palpitar tu corazón y evocar imágenes pasadas, siempre emocionantes. Del músico acabado del que hablan por ahí, por Granada no hubo noticias.