Me cuesta reconocerlo pero hasta ahora apenas escuchaba la radio. Ha sido a raíz del master de periodismo deportivo que estoy cursando cuando he sentido despertar el gusanillo. La radio tiene un componente nostálgico de evocar a través de la palabra, de captar al oyente con la voz, la entonación o el debate, pero a nivel funcional está perdiendo adeptos.

El desarrollo tecnológico en general y de internet en particular ha provocado que muchos jóvenes, usuarios de los nuevos soportes informativos, opten por consultar otras fuentes. La instantaneidad de la que tanto presume la radio ha perdido exclusividad, aplicaciones como Twitter pueden hacerle la competencia con tan sólo unas líneas. ¿Cuál será el futuro de este entrañable medio? Deduzco que aumentar su calidad, concentrar voces con gran personalidad capaces de comunicar, mimar el contenido y ofrecer una información veraz y fiable.

La pasada semana tuve la oportunidad de visitar Canal Sur Radio y Radio Marca aquí en Sevilla. El poder presenciar el día a día en una emisora resultó una experiencia didáctica y enriquecedora. El ritmo de trabajo es vertiginoso, siempre pendiente de la última hora y en manos de los productores y técnicos, que enlazan a unos con otros.

Total, que he comenzado a escuchar la radio con atención. En mi adolescencia fui radioyente esporádico de dos clásicos de la Ser: Hablar Por Hablar y El Larguero. Sin embargo, a estas alturas no me motiva escuchar las miserias de la audiencia ni interminables discusiones deportivas. Además, De La Morena no es santo de mi devoción. Prefiero otro tipo de programa, algo más profundo, ya sea deportivo, informativo o cultural, pero…¿por dónde empiezo? Solicito consejo a nuestros lectores.

De momento escucho con atención La Claqueta de Pepe Nieves en Radio Marca y El Amplificador de Diego Manrique en ElPais.com. También he descubierto un portal donde alojan varios programas en su versión podcast, ideal para escucharlos en diferido y a través de internet.

Y hablando de podcast, ya podéis escuchar nuestra colaboración en el tercer programa de Radio Sherry. Allí hablamos del concierto de Poncho K el pasado 23 de Octubre en la Sala Paul de Jerez de la Frontera. Os dejo íntregro el programa para escucharlo con un solo click. Espero que lo disfruten:

Media tebeosfera ha estado pendiente de la adaptación televisiva de The Walking Dead (Los Muertos Vivientes aquí en España) realizada por el director Frank Darabont, uno de los grandes talentos de Hollywood (Cadena Perpétua, La Milla Verde, La Niebla) que ha apostado fuerte por el material de Kirkman, Moore y Adlard. Y la verdad, podemos estar ante una de esas series que quedan para el recuerdo. Ya he podido ver el primer episodio, emitido en España por la Fox, y las sensaciones producidas no pueden ser más esperanzadoras. Darabont ha creado un ambiente tenso, con una fría luminosidad que deja helado y ha marcado muy bien los tiempos, tanto como para pensar que hasta llegar al actual momento del comic quedan al menos dos temporadas. ¿Sobrevivirá en pantalla? No me cabe la menor duda, porque las críticas recibidas allá en EEUU y aquí en España han sido excelentes (y una crítica favorable da un respaldo tremendo) y el material (los zombies) es suficientemente atractivo como para enganchar al gran público. De hecho, la audiencia americana se volcó el día de su estratégico estreno en Halloween en la AMC.

El episodio piloto ha sabido captar la incertidumbre de su versión en comic; ese comienzo tan Silent Hill, tan siniestro y desconcertante, el misterioso devenir de Rick, el torpe deambular de los “errantes”. A su vez, ha conseguido tener una personalidad televisiva propia. Parece pues, una serie de autor con la personalidad y solidez de su director Frank Darabont, que logicamente delegará sus funciones a otros directores (Michelle MacLaren o Ernest Dickerson entre otros).

Tras este píloto, que parece un mero ejercicio de suspense, vendrá lo mejor. Encontraremos una profunda reflexión de nuestra sociedad, presenciaremos un viaje hacia el pasado, hasta la naturaleza más precaria del ser humano, momento en el que todas las leyes volverán a su estado más primitivo. Paralelismos con A Ciegas, la versión de Fernando Meirelles de Ensayo Sobre La Ceguera o con el clásico por excelencia del género, La Noche De Los Muertos Vivientes, de George A. Romero, influencias evidentes de Robert Kirkman.

La primera entrega de The Walking Dead nos deja con ganas de más, esperanzados, con la certeza de que este gran material se convertirá en el producto revelación de la temporada. Tiempo al tiempo.

Si veías la programación del lugar, intuías que se trataba de una de las salas de conciertos más famosas de Bruselas, ya que, entre otros, recibían a artistas locales, estrellas de indie-rock o grupos de reconocido prestigio (mediáticos o no). Entre ellos encontré a The Drums, Iron & Wine, Goldfrapp o Estrella Morente, solo por citar los que me sonaban. Lo cierto es que era una sala de concierto que tocaba todos los palos y que no se ataba a un estilo de música determinado, algo de lo que aún tenemos mucho que aprender por estas tierras. Y ojo, a mirarse, todos esos artistas con todos esos estilos cobraban entre 10 y 30 euros por entrada. Estopa, sin embargo, cobró 40 euros.

Por otra parte, el concierto no hizo sino corroborar lo esperado. Estopa en once años de carrera apenas ha cambiado su show, me recuerdo con 20 años viendo un dvd de sus conciertos y éste que he visto hace apenas cuatro días es exactamente igual. Dejando lo mejor para el final, potente al principio, con un solo de percusión en el que se toman un respiro, presentación de la banda y algunos guiños al respetable. Nada que objetar, quién va a ver a Estopa sabe lo que va a ver, y ellos, agradecidos, se entregan al 100% de sus capacidades. En este recital, no dejaron ningún clásico abandonado, sacaron su mejor cara y la fusión fue total entre músicos y público. Estopa es una banda popular con sus propias limitaciones (algunas letras facilonas, ritmos rumberos casi calcados, escasos registros vocales…), pero que cuidan, como buenos equilibristas, desde el fan “cani” que tunea su coche hasta el que se roza con Sabina, Peret o Rosario, otros músicos de gran calado popular.

Y es que Estopa son eso, músicos populares. A mí, ya va siendo hora de reconocerlo, me gustan y me disgustan por partes iguales. Hay que entenderlo en su contexto. No me gustan como me puede gustar Dylan, Los Planetas o Extremoduro. Me gustan sus ritmos rumberos pegajosos como chicles, me gustan cuando juegan a ser cantautores y con suerte sacan frases que considero de mérito (me encanta “luna lunera” por poner un ejemplo), me gusta que dos tíos normales sin mucho más talento que hacer esas canciones rumberas triunfen, me gustan que hagan lo que quieran sin complejos ni remordimientos y que sean tan majetes, me gustan como visten (¡Esa camiseta del Hulk de Sal Buscema la quiero para mí!) y me encantaría tomarme con ellos un par de cubatas. Pero no me gustan cuando se convierten en caricaturas de sí mismos y se convierten en abanderados de la clase obrera, cuando te bombardean una y otra vez con su canción hit (he acabado odiando el “runrun”) y se vuelven entonces pesados y cargantes, cuando sus letras se hacen tan populares que rayan lo bajuno, cuando, como el otro día, hablan de los obreros que tuvieron que emigrar y hablan de su granito de arena para que no se sientan solos y luego les cobran 40 euros por un concierto.

Sí y no, luces y sombras. Con todo, Estopa es lo que es, y así hay que aceptarlo. Y yo me lo pasé muy bien.

Esta es su séptima novela, publicada originalmente en 1989, un relato que narra la historia de Marco Stanley Fogg, un joven norteamericano que intenta darle sentido a su vida después de quedarse huérfano muy pronto mientras convive con su tío Victor, un clarinetista cultivado en la música y la literatura que se encargará de su educación. Bajo esta simple premisa, El Palacio De La Luna cuenta la madurez de Marco mientras descubre poco a poco, y a través de un elemento de crucial importancia en la novela como resulta la casualidad, los secretos familiares que dan respuesta a muchas de sus inquietudes vitales.

Auster estructura la novela en cuatro partes perfectamente distinguibles, una primera que cuenta las desventuras de su protagonista, dos siguientes que se corresponden con los episodios dedicados a Thomas Effing y Solomon Barber, y un precipitado desenlace que cierra el relato.

Emplea un lenguaje que ni resulta pomposo ni parece demasiado vulgar, podría calificarse como moderno y académico. La lectura es fluida y amena, aunque la narración denota altibajos. En ocasiones, Auster parece tener prisa por terminar de contar aquello que mucho le ha costado plantear. Expone con detalle cualquier reflexión o argumento, y a continuación da carpetazo sin miramientos.

Formalidades al margen, El Palacio De La Luna se puede entender como un tratado sobre la supervivencia. Primero con la descripción de un joven sin recursos que apura sus medios hasta la extenuación, luego, relatando la aventura de un explorador perdido en los áridos desiertos americanos, y más tarde, con el nomadismo de un profesor obeso en busca de sí mismo.

Ejemplos de desarraigo social, de huída, de aislamiento. Este Marco Fogg no se aleja en demasía del Holden Caulfield de Salinger, siendo también un caso de juventud rebelde y desorientada. Refleja así ese descontento (cada vez más común) de personas incomprendidas pese a estar rodeadas de mucha gente.

En mi segundo contacto con la obra de Auster descubro a un autor habilidoso, capaz de dominar diferentes registros dentro de una misma novela y hacer buen uso de la metaliteratura. Un escritor cuyas obras más significativas, las que conforman la trilogía de New York, aún son una asignatura pendiente para mí, una oportunidad para ahondar en el azaroso universo de una de las plumas más reconocidas de norteamérica.

Enlaces Relacionados:

- Un completo análisis en Confieso Que He Leído

- Página en Lecturalia

- Biografía de Paul Auster

Me la habían recomendado varias veces y hasta ahora no me había decidido a verla, pero el caso es que en nuestro piso estamos enganchados a Roma, otro producto de la HBO, con la garantía de calidad que ello conlleva.

A mi me cuesta mucho enfrentarme a la ficción histórica. Me aburren este tipo de producciones, pues normalmente tienen escaso rigor histórico y se limitan a una reconstrucción libre de los hechos que acaba desvirtuando los acontecimientos pasados. Sin embargo, Roma al menos intenta combinar la espectacularidad y emoción propias de un relato pensado para la televisión con un mínimo de respeto por la historia, intentando ser fieles a los grandes acontecimientos que giran en torno al Imperio Romano.

Quizás la mejor definición de la serie la hizo un periodista norteamericano al sostener que Roma, “combina el rigor histórico de Yo, Claudio con la violencia de Los Soprano, la amoralidad de Dallas y el despliegue de sangre de Gladiator“. No anda muy desencaminado.

A mi me ha sorprendido gratamente como una teleserie histórica ha sido capaz de inquietarme, de tal manera que no la situaría muy lejos de otras producciones como A Dos Metros Bajo Tierra o The Wire, por citar dos series de la misma cadena.

Normalmente veo con pereza estas producciones en las que sus personajes me parecen actores disfrazados desenvolviéndose en una escenificación cutre de cartón-piedra. En Roma no sucede esto, la reconstrucción de la ciudad italiana es sencillamente impresionante. Ignoro si realmente era así, pero a mi me teletransporta directamente a la época del esplendor romano. En este sentido, la labor de documentación y dirección artística resulta admirable. Muchas de las (ahora soprendentes) costumbres romanas están ahí, igual que las vestimentas, los peinados, las comidas, su burocracia…

Si además protagonizan la serie dos protagonistas de gran carisma, los centuriones Lucio Voreno y Tito Pullo, que se complementan y enriquecen el uno al otro, como Quijote y Sancho Panza, el manjar está servido. Todo, con un reparto convicente (ese perfecto Julio Cesar) plagado de actores ingleses de renombre que dotan al relato de solidez y credibilidad.

Roma es una serie cruda, áspera, que nunca se censura y que se vale de unos elaborados guiones para mantener tenso al espectador, un excepcional drama histórico como pocos ha habido en la televisión. Por su interés histórico y artístico, merece la pena seguirla. No se arrepentirán.

Enlaces Relacionados:

- Así está editada Roma en España.

Y El Gran Vázquez se estrenó. Algunos nostálgicos esperábamos con entusiasmo la recreación de la vida de Manuel Vázquez, en mi opinión el mayor talento de la generación Bruguera y uno de los personajes más insólitos del pasado siglo. Desvergonzado y crápula, Vázquez entendió la vida como un ejercicio de supervivencia y hedonismo. Acabó caricaturizado (literal y metafóricamente) y el reconocimiento le llegó en su ocaso y después de fallecer.

Óscar Aibar, ex guionista de comic y director de cine, se puso al frente de un proyecto delicado por la complejidad de acertar con el tono formal del mismo. ¿Es la de Vázquez una historia cómica? Realmente no. Vázquez malvivió y acabó entre barrotes por sus múltiples estafas, terminando sus días con una vida más bien precaria siempre con problemas para llegar a final de mes. Eso sí, no se privó de nada, se excedió cuanto quiso dejando un reguero de hijos y mujeres a su paso, probando los sinsabores de la vida, la gloria y la desgracia, la fama y el ostracismo.

Aibar opta por un tono cómico, desenfadado y satírico, imprimiendo un ritmo ágil para el espectador, amenizando el metraje con animación y puntuales gags. Nos presenta así a un Vázquez exagerado, como si su leyenda hubiera cobrado vida. Y a una Bruguera abusona que se aprovechaba de las creaciones de sus dibujantes exprimiéndoles sin pudor. Aunque Aibar matiza. De la extinta editorial muestra también su lado amable, pues fue refugio de muchos detractores del régimen y algún exiliado, y de Vázquez señala su momentos más turbios y desgraciados.

Pese a ello, no parece interesarle especialmente el drama, prefiere rodar una tragicomedia caricaturizada. En este sentido, Aibar tenía un material melodramático de primer nivel como para haber filmado un Man On The Moon a la española, realzando lo agrio de la biografía de Vázquez. Sin embargo, ha optado por un ejercicio asimilable y comercial, apto para todos los públicos. Su experimentado reparto, lleno de caras conocidas, es un aliciente más para esta aceptable producción que apuntaba más alto de lo que finalmente pudo ofrecer, pero que bien refleja una época inolvidable (para lo bueno y para lo malo) de la historieta española.

Enlaces Relacionados:

- Entrevista a Manuel Vázquez (I) y (II)

- Entrevista a Óscar Aibar

Nunca fui gran seguidor de las comedias de situación americanas, las llamadas sitcom. Aún así, admito que cuando era un crío veía intermitentemente Cheers, que luego disfruté con episodios sueltos de Seinfeld y que durante mi adolescencia me enganché sin remedio a Friends. También es cierto que por el camino he ignorado varias sitcom de éxito como How I Met Yout Mother, Cosas De Casa o Alf, que por un motivo u otro no me gustaban. Y es que para mi, más que un problema de contenido resulta un problema de formato. Aguanto con dificultad las risas enlatadas, la manida estética, la clásica ‘unresolved sexual tension’ o la lentitud en la evolución de los personajes. Sin embargo, entiendo que el formato ayuda a su visionado, pues son episodios con una duración aproximada de 20 minutos -ideal para amenizar cualquier momento- que evaden de la realidad y entretienen.

Gracias a Jose Ignacio descubrí la semana pasada The Big Bang Theory, una sitcom de estructura clásica que relata el día a día Leonard y Sheldon, dos físicos de carácter geek que llevan una feliz vida asocial hasta que irrumpe en ellas Penny, la nueva vecina de su bloque de apartamentos. Esta llamará la atención de Leonard, que se enamorará de ella, siempre sujeto a las burlas de Sheldon, que no ve posibilidades de romance. El reparto lo completa Howard y Rajesh, sus compañeros de estudios. El primero es un joven judio tan inteligente como torpe en el arte de la seducción, y el segundo un pamplinoso indio de familia rica experto en astrología pero inútil a la hora de relacionarse con mujeres. Los cuatro son unos genios, de indiscutible inteligencia pero con escasas habilidades sociales.

La gracia de la serie reside precisamente en la exagerada caricatura del friki estudioso, el constante flujo de chistes, muchos de los cuales tienen relación real con teorías científicas, y como en toda sitcom, en la -lenta- evolución de los personajes. En este sentido, los protagonistas de The Big Bang Theory evolucionan de forma muy realista.

Sheldon, el más inteligente del grupo, se vuelve cada vez más neurótico, ácido, asocial y descaradamente obsesivo. En sus primeros episodios nos presentan a un introvertido e irónico cerebrito que evoluciona en un maniático genio, audaz y corrosivo, que ignora el que dirán y los convencionalismos. Es el personaje que sujeta a la serie por sus múltiples peculiaridades, por estar muy estudiado, trabajado episodio a episodio. Sin él habría escasa chispa. Hay que rendirse ante un Jim Parsons colosal que ofrece todo un recital interpretativo fusionándose por completo con su papel. Ganó el Emmy al mejor actor de comedia.

Leonard y Penny se retroalimentan. Su evolución está intimamente relacionada. Mientras que Penny va comprendiendo como funciona la peculiar pandilla a través de Leonard, se hace parte de ella, y por una cuestión de contagio acaba participando en muchas de sus bromas privadas y extravagantes rituales. Aprende, y se vuelve más lista. Penny es el contacto con el mundo llano, con el día a día lejos del laboratorio. Por otra parte, el apego de Leonard origina en este un proceso de normalización que luego transmite a su pandilla.

Howard Wolowitz puede ser tan odioso como entrañable. Se le coge cariño irremediablemente. Hortera, fanfarrón, tontaina, fantasma, audaz, irónico… un auténtico personaje. Todavía vive con su protectora madre, pero pasa gran parte de su tiempo en casa de Sheldon y Leonard. Sin duda, estamos ante el ingeniero espacial más particular de la ficción moderna. No sufre grandes transformaciones, actúa tal como es, sin complejos, encantadísimo de haberse conocido. En mi opinión, otro logradísimo personaje.

Todo lo contrario que Rajesh Ramayan, un personaje totalmente aborrecible por su insustancialidad, su remilgo y bobería. A mi no me esboza una sola sonrisa. Creo que deben pulir al personaje y dotarlo de más carisma porque sus gags resultan penosos. Incluso me molesta que acapare protagonismo.

Pero es sólo un lunar en una serie que se ha convertido en un magnífico acompañamiento para un hogar, el mío, sin televisión ni radio y con internet a ráfagas. Sus referencias comiqueras son impagables para un confeso tebeoadicto. Y aunque tenga pequeños altibajos (en mi opinión solo la tercera temporada carece de fisuras) o las risas enlatadas en exagerado primer plano, todo se perdona si te ofrecen en bandeja de plata momentos tan ingeniosamente divertidos como los de The Big Bang Theory. Desde hoy, mi sitcom favorita.

Lo que podríamos pensar fuese un relato coral sujeto a personajes entrelazados estilo Rodrigo García, deriva en una película de carácter teatral (de hecho hablamos de una adaptación de la obra del dramaturgo John Guare) que nos describe la osadía de un joven que aprovecha las conexiones existentes entre la alta sociedad newyorkina para, sin un propósito claro, introducirse en ella y disfrutar de sus privilegios.

Pese a que comienza con una meticulosa puesta en escena llena de ritmo que apenas deja respirar al espectador, el relato va desinflándose como un globo sin rumbo conforme pasan los minutos. Quizás una reducción en su metraje le hubiera venido bien, no solo por una cuestión de concisión, sino porque aguantar la pedantería y la verborrea de sus protagonistas resulta una experiencia agotadora. Parece como si el Woody Allen más neurótico y corrosivo hubiera filmado la primera hora. Además, sus abundantes referencias artísticas (Sidney Poitier, J.D. Salinger o Kandinski entre otros) y múltiples divagaciones existencialistas exigen al espectador una inusitada concentración.

A su favor, la constante burla hacia esa presuntuosa burguesía de Manhattan, obcecada por la apariencia y el dinero, su consecuente repudio a una élite tan presumida como vacía y su original planteamiento. En contra, que lo que podría haber sido una película redonda con un mensaje directo se pierda en un superfluo desenlace.

Fue este uno de los primeros papeles protagonistas de Will Smith, que reconducía su carrera hacia un perfil más serio lejos de la televisión. Lo acompañaban valores constrastados como Donald Sutherland, Ian McKellen o Stockard Hanning, cuyo papel fue nominado al Oscar a la mejor actriz. Un notable reparto que realza la película más destacable de la discreta filmografía de Fred Schepisi. Más que memorable, curiosa.

Woody Allen nunca escondió la influencia que ejerció en su carrera artística el cine de Bergman. Ambos eran amigos y hablaban frecuentemente, divagando sobre el séptimo arte y otras cuestiones hasta la muerte del sueco en el año 2007. Allen admiraba a Bergman y viceversa, si bien el primero asumió con gusto su papel de alumno. Luego resultó bastante habitual que Allen introdujera referencias a Bergman en las escenas de sus películas.

En Maridos y Mujeres el influjo bergmaniano se hace evidente al comenzar con un prólogo similar al de Secretos De Un Matrimonio (Bergman, 1973), en el que un matrimonio anuncia a una pareja amiga su futura separación. En ese momento, la ruptura del primero afecta a la inercia del segundo, que se replantea su propia situación conyugal.

Allen parte de un planteamiento semejante para ir adquiriendo distancia conforme avanza su desarrollo y de este modo, si en la cinta de Bergman apenas veíamos otra cosa que no fuera el diálogo entre los protagonistas, en Maridos y Mujeres vemos como se amplía tanto el radio de acción como el elenco de principales y secundarios para dar forma a un relato coral que cuestiona el matrimonio y incita al debate sobre la existencia del amor eterno.

Como en la mayor parte de la filmografía de Allen, su radiografía social examina la clase medioalta newyorkina, personas acomodadas que añoran una estabilidad emocional que complemente su privilegiada situación económica. Allen se aleja de la comedia y rueda un melodrama estructuralmente anárquico, siempre impredecible, sujeto a la evolución de los personajes.

No será su mejor trabajo, pero sí un interesante cambio de registro que demuestra la versatilidad de su director, empeñado en diseccionar la pareja de finales de siglo XX, justo cuando el concepto tradicional del matrimonio occidental estaba mutando a una percepción más efímera, desarraigada y etérea.

Tengo prejuicios infundados sobre el cine de animación digital. Soy algo tradicional y me cuesta horrores acostumbrar la vista a personajes que ni son dibujos animados ni son de carne y hueso. Por ello, durante los primeros minutos de las películas de Pixar siempre ando despistado, viendo algo demasiado artificial para mi gusto.

Una vez superado este pequeño obstáculo (cuestión de 15 minutos), tengo que superar otro, el de las gafas tridimensionales. Toy Story 3 era la primera película que veía con este avanzado sistema de proyección, que se supone que aporta sensación de profundidad y de cercanía en la acción del filme. Puede que debido a mi ojo vago, el efecto 3D no tenga mucha repercusión en mi persona, pues apenas distinguí un par de escenas curiosas. Además me oscurecía demasiado los colores, similar a cuando te pones unas gafas de sol en un día nublado. Así que no me ha convencido del todo este sistema, casi que prefiero ver la película a la antigua usanza.

En cuanto a la película cometí el clásico error de leer demasiado sobre ella. Primero ojeé la ficha de Filmaffinity, rebosante de elogios, y me dejé llevar por varias opiniones vía Facebook que originaron en mí la idea preconcebida de asistir a la película del año. Probablemente merezca este calificativo porque las nuevas andanzas de estos simpáticos juguetes son un prodigio creativo, sobrado de originalidad, talento y ritmo. No da tregua al espectador y ofrece un humor apto para todos los públicos. En Pixar son unos auténticos genios a la hora de jugar con los dobles sentidos para hacer reír a los adultos sin levantar sospechas en los niños. Esto lo consiguen como ningún otro estudio. Sospecho que tienen detrás un privilegiado grupo de guionistas. Nadie puede dudar de la capacidad de una compañía de animación un escalón por encima de sus competidoras, capaz de dejar en un segundo plano la animación tradicional, nada menos que en una compañía tan clásica como Disney.

Pero no nos engañemos, Toy Story 3 es un producto destinado al público infanto-juvenil. Los adultos la podemos disfrutar tanto como cualquier niño, pero seguiremos estando ante una historia de juguetes que pretenden perpetuar su utilidad y demostrar por siempre cariño y lealtad a sus dueños. Un producto cándido que no engaña a nadie, estructurado sin disimulo al compás de sus dos predecesoras y del que cabe destacar el tronchante guión elaborado por Michael Arndt (Pequeña Miss Sunshine), repleto de situaciones desternillantes y ocurrentes sólo devaluado por el innecesario momento chicano de Buzz.

La última aventura de estos juguetes emociona (y de que manera, con ese perfecto final), divierte y consigue hacernos sentir como niños, esa impagable y tierna sensación.

Y mientras el campo de la animación digital sigue en alza con Pixar desatada, yo me adapto como puedo a una nueva manera de entender el cine de la que todavía guardo cierto recelo. Cuestión de modernizarse.