Mike Mills, su director, tan solo había hecho una película antes, Thumbsucker (2005), la historia de un joven de 16 años que aún se chupa el dedo. La película no fue, ni mucho menos, un éxito, pero ya dejaba muestras del camino del director a la hora de abordar sus inquietudes cinéfilas. Tragicomedia de carácter existencialista, bien producida, narración fuera de lo convencional y esmero por los detalles simbólicos.

Todo eso se refleja perfectamente en Beginners, para la que ha contado con un reparto de garantías (Ewan McGregor, Christopher Plummer y Mélanie Laurent) y en la que ha repetido esquema, pero profundizado en la forma. El punto de partida recuerda un poco a Fun Home, el cómic de Alison Bechedl que también reseñamos por aquí hace cuatro años. E incluso, salvando las distancias, a A dos metros bajo tierra.  La muerte del padre del protagonista sitúa comienzo de la acción, y a partir de ahí se bifurca la historia, hacia delante, con la aparición de Anna, una incógnita de mujer, y hacia atrás, con la sucesión de flashbacks que narran la vida en común Oliver y Hal durante los últimos años de la vida de este último.

El conflicto de la historia aparece pronto, cuando al morir la madre de Oliver, Hal, su padre, le confiesa que ha sido gay durante todo su matrimonio y que, de ahora en adelante, se va a ocupar de vivir su vida de una manera más acorde a su verdadera naturaleza. Y de lo que habla esta película es de la herencia. De la herencia emocional que reciben las personas de sus progenitores o de su entorno inmediato, proyectada en la cinta en la incapacidad de amar que Oliver tiene en su vida, 38 años, soltero y con tendencia a aislarse emocional y socialmente. Y unas de las clave de esa herencia es que el director nos muestra todos los puntos de vista, el del padre, el de la madre y el punto de vista externo, el social. Qué estaban viviendo, dónde y cuándo y cómo eso afecta en la toma de desiciones vitales. El acierto es no señalar nunca culpables, pero mostrar la culpa que sienten sus personajes.

Es también, un canto a la vida, a la posibilidad de reinventarse, a no seguir una secuencia lógica porque te condicione el entorno. Aunque pueda parecer moralista, la película no es nada obvia, ya que los trucos narrativos-visuales (uno de los grandes aciertos del director), el simbolismo de los detalles (el perro Arthur, las pintadas reivindicativas o las habitaciones desnudas) y el trabajo de los actores le resta cursilería y le aporta sobriedad.

Desde mi punto de vista, solo cojea en el conflicto emocional entre la pareja protagonista, ni demasiado bien expresado ni demasiado bien solucionado. Todo lo demás, me gusta. La música, la delicadeza narrativa, los paisajes, Mélanie Laurent y sobre todo, el inmenso trabajo de Christopher Plummer y su personaje Hal, vitalista, divertido, maniático, imprevisible. Para semanas de película, sofá y manta.

1. Drive (Nicolas Winding) – Winding consiguió el premio al mejor director en Cannes por este extraño y magnético thriller, muy alejado del cine convencional, que abrumó a la audiencia por su apabullante poderío visual y su desconcertante mezcla de géneros (entre una versión moderna del noir, la épica del western y el romanticismo europeo). Un violento ejercicio de estilo que nos rememora la década de los ochenta bajo el prisma valiente, lucido e inclasificable de un director en plena apoteósis que firmó una de las películas más singulares del año. Llegó a las salas españolas la pasada semana y no se nos ocurre mejor película para las navidades.

2. Midnight In Paris (Woody Allen) – Allen eligió Paris como escenario de su nueva película y no fue ningún capricho. La ciudad constituye un elemento clave para esta nueva incursión en el realismo mágico, tras la deliciosa La Rosa Púrpura Del Cairo o la discreta Alice. Un guionista de Hollywood retrocede en el tiempo hasta el Paris de los años 20 cuando a medianoche sube accidentalmente en un coche de época. De este modo conocerá a los grandes artistas que revolucionaron la cultura mundial a principios del siglo XX; Buñuel, Hemingway, los Fitzgerald o Adriana De Bourdeos entre otros. Una reflexión sobre el paso del tiempo y la importancia de pasar página para poder escribir otras nuevas. O lo que es lo mismo, una nueva obra maestra del genio neoyorkino.

3. No Habrá Paz Para Los Malvados (Enrique Urbizu) – La película más memorable de su director, que ya había demostrado capacidad de sobra para rodar cine negro de calidad con La Caja 507 o La Vida Mancha. En esta ocasión, ahonda en el Madrid castizo para contar un intrigante y complejo entramado que cuenta con uno de los protagonistas más bizarros que conoce la ficción española, el policía Santos Trinidad. Le perdonamos no equilibrar el nudo del relato para estar al nivel de su potentísima apertura y su turbio final, pues No Habrá Paz Para Los Malvados es sin duda, el mejor exponente del cine negro español de los últimos años. Coronado y Urbizu, esa sociedad perfecta, bordó su tercera colaboración y entusiasmó en San Sebastian a pesar de no conseguir ningún premio.

4. Beginners (Mike Mills) – A España llegó a mediados de 2011, permaneció un par de semanas en cartelera y tuvo escaso eco en el gran público. Muchos se perdieron un melodrama atípico y nostálgico, salpicado de un sutil humor que aporta encanto a esta historia de muerte y desamor de carácter existencialista. Oliver (Ewan McGregor) relata, mediante encadenados flashback, como su padre (un inmenso Christopher Plummer) sale del armario a la edad de 71 años y el palidecer de este tras serle diagnosticado un cáncer irreversible. Paralelamente, nos cuenta su historia de amor, la de un chico reservado con dificultad para entablar relaciones de pareja. Durante el 2011, pocas películas han sido tan conmovedoras y profundas. Por la estupenda dirección de Mike Mills, por su excelente reparto, su poso entrañable y su delicado mensaje, tiene un puesto merecido en las películas del año.

5. Un Dios Salvaje (Roman Polanski)- Una opinión muy personal; Polanski (al igual que Clint Eastwood) está firmando sus mejores películas en plena vejez, siendo ya septuagenarios. Tanto El Pianista como Oliver Twist o El Escritor atesoran momentos excelsos, de puro y talentoso cine. El director polaco maneja los códigos cinematográficos con una habilidad de artesano y desde su retiro europeo goza del tiempo y la serenidad necesaria para dedicarse plenamente a sus películas. En su nueva obra se sumerge en el género teatral para hacer de un problema cotidiano todo un análisis de las reglas morales contemporáneas. Diálogos punzantes y un elenco de actores de primerísimo nivel (Kate Winslet, Christopher Waltz, Jodie Foster, John Reilly) para una cinta de obligado visionado.

6. Mientras Duermes (Jaume Balagueró) – Una película minimalista rodada con sobriedad, audacia y sentido del suspense y con el inestimable plus de contar con un extraordinario Luis Tosar en estado de gracia. Balagueró duda de la fiabilidad de la gente corriente e infunde el miedo en la más inocente cotidianeidad. Con retazos de Polanski o el propio Hitchcock, atesora alguna de las escenas más inquietantes del pasado año. Cine sin excesivos alardes, pero con una indiscutible eficacia que dignifica el cine español. De estas películas que te dejan agarrado a la butaca hasta el final.

7. X-Men: Primera Generación (Matthew Vaughn) – La cinta tapada del género superheróico. Ni Thor, ni Green Lantern ni El Capitán América, fueron los pupilos de Xavier los que nos brindaron los momentos más emocionantes del comic llevados a la gran pantalla durante este 2011. La cuarta entrega de los X-Men es una trepidante precuela que alterna una primera parte equiparable al mejor cine de espionaje, y una segunda, que se sumerge sin complejos en la aventura comiquera. Si lo aderezamos con el tenso pulso interpretativo entre James McAvoy (el profesor Xavier) y Michael Fassbender (Magneto) y con una saludable coherencia cronológica, el relato crece y se hace gigante. Un perfecto entretenimiento palomitero que encadilará a cualquier marvelita que se precie.

8. El Origen Del Planeta De Los Simios (Rupert Wyatt) -  No parecía que tras el -injustamente despreciado- remake de Tim Burton hubiera material simiesco como para lanzar una producción tan ambiciosa. Tampoco que el elegido para llevarla a cabo, Rupert Wyatt, con tan solo una película a sus espaldas (The Escapist, 2008), fuera el más indicado para semejante empresa. Sin embargo, la precuela de uno de los títulos más míticos de la ciencia ficción sorprendió a todos por ser uno de los productos veraniegos más excitantes que se recuerdan. La historia de Cesar, un primate que sale de un centro de investigación y consigue evolucionar gracias a la ciencia, te agarra y no te suelta. Tiene pulso, ingenio, gran sentido del espectáculo y cierto desasosiego, todo lo que se le puede exigir a una producción de tal calibre. Con unos tremendos efectos especiales, el climax final del puente Golden Gate es una de las escenas más memorables del cine de acción del 2011. El blockbuster del año.

Sorprende que una película con un metraje tan largo y tan exigente con el espectador haya obtenido semejante respaldo. Porque Malick nos propone un arduo y metafórico viaje a través de los ojos de Jack, el mayor de los hermanos de una familia de clase media en la América de los años cincuenta. Sus recuerdos familiares se intercalan con bellísimas y espectaculares imágenes sobre la naturaleza más recóndita y cristalina, estableciéndose un paralelismo entre el despertar de esta familia -y los acontecimientos a los que se enfrenta- con la propia biodiversidad terrestre, siendo imposible escapar del interrogante religioso sobre el génesis humano.

Sin menospreciar el contenido, una reflexión sobre la familia y la abusiva jerarquía patriarcal, la nueva cinta de Malick es todo un ejercicio de estilo, donde los claros predominan sobre lo oscuro, la música adquiere una molesta solemnidad y la cámara subjetiva una significativa relevancia. Cuando la poesía se hace imagen aparece el Malick artista, capaz de hipnotizar al espectador con instantáneas únicas, sensaciones tan logradas que viajamos a nuestra infancia por pura afinidad evocativa.

Pero en su afan de explorar los límites del arte y las inquietudes humanas más profundas, El Árbol De La Vida puede pecar de onírica, de un exceso metafórico que conduzca al espectador al hartazgo y la renuncia. En su vanguardismo reside, por tanto, sus virtudes y sus defectos.

Malick se desvela como un ambicioso esteta, un intelectual que pretende analizar las relaciones paternofiliales y el camino a la vida adulta con la misma intensidad que despliega lo mejor de su instinto cinematográfico. Y quizás sea por eso, por su afan por acaparar todas sus metas sin concesiones a la sencillez, por abrir numerosas puertas sin cerrar ninguna y por su desmedido sentido lírico, por lo que El Árbol De La Vida naufrague. Porque son pocos lo momentos en los que la cinta se preocupa por el espectador, y muchos en los que el espectador debe autoexigirse para entender el enrevesado discurso de su autor.

El caso es que Un Dios salvaje se basa en un texto de Yasmina Reza, la misma y célebre autora de ART, que ya reseñamos aquí, hace ya algún tiempo. El texto guarda mucho en común con su anterior obra. Desde una aparente nimiedad, se construye un complejo retrato social gracias a un elenco de actores que rayan a un gran nivel y sostienen el peso narrativo con acierto.

La historia trata el encuentro entre los padres de dos chicos que se han peleado jugando en el parque, o mejor dicho, de un niño que ha agredido a otro, provocándole la rotura de dos dientes.

Para la ocasión, Polanski consigue que dos actrices contrastadas se unan al proyecto, Jodie Foster y Kate Winslet, que están bastante bien, una como una mujer progresista y excesivamente moral y la otra como mujer que concede excesiva importancia a la apariencia. Tengo la sensación de que a la mayoría de espectadores, Kate Winslet es la actriz de Titanic o una actriz con propensión al desnudo, y para mí es mucho más. Siempre que la veo me convence. Eso en el apartado femenino, pero donde realmente la película cobra otra dimensión es en el apartado de actores, tanto John C. Reilly como el bastardo Christoph Waltz están sobresalientes. Uno hace de un hombre felizmente instalado en la mediocridad de negocios y el otro de un ejecutivo que entiende el mundo como un ejercicio de supervivencia. Sus actuaciones son de lo mejor que he visto en mucho tiempo, por todas las aristas que se le ven a cada uno de ellos. Estos señores no entienden de planicies.

Por otro lado, está la maestría de Polanski desenvolviéndose en espacios cerrados. Transforma la casa, convirtiéndola casi un personaje más de la trama. El salón, el servicio, el pasillo, la entrada, la disposición de los elementos, todo tiene una cotidiana importancia en el desarrollo de las emociones. Luego, la historia juega con dos o tres trucos narrativos (el móvil, un simple pastel) para hacer avanzar lo realmente importante, un ácido discurso sobre el individuo, la pareja y la vida familiar, y esa manera de jugar con lo políticamente correcto, con lo que se dice y lo que no se dice, con el valor de las palabras.

La película de Polanski es una pequeña joya que te revuelve de risa y de drama en el asiento. Un acertado ejercicio narrativo. Como venía diciendo, cine del bueno.

PD1: Ojito al cartel de la película.

PD2: El hijo de Polanski,  Elvis, sale en la película, adivinen cuando y dónde.

PD3: Roman Polanski está cerca de los 80 años. Me parece de genio que sea capaz de rodar así.

Copio y pego la sinópsis oficial:

Año 2041. Un futuro cercano en el que los seres humanos viven acompañados de criaturas mecánicas. Álex, un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene con un encargo muy específico de la Facultad de Robótica: la creación de un niño robot. Durante diez años de ausencia, la vida ha seguido su curso para su hermano David y para Lana, quien, tras la marcha de Álex, ha rehecho su vida. La rutina de Álex se verá alterada de forma casual e inesperada por Eva, la increíble hija de Lana y David, una niña especial, magnética, que desde el primer momento establece una relación de complicidad con Álex. Juntos emprenderán un viaje que les precipitará hacia un final revelador.

Lo primero que me llama la atención es como han conseguido financiación para esta película. El director lo revela aquí. Tampoco es ningún secreto: televisiones, subvenciones, coproducción internacional y ayuda de la ESCAC, escuela superior de cine de Catalunya.

Luego, visto lo visto, el dinero está muy bien aprovechado. Para ahorrar costes, la acción se desarrolla en Santa Irene, un pueblo imaginario que se debe encontrar en algún lugar entre la montaña de Catalunya y Francia. Acotando el espacio y ahogándolo en la nieve, el espectador puede sentir la misma opresión que su protagonista, que se decidió a marchar dejando un proyecto de robótica a medio hacer. Ahora, se le recupera para terminar un proyecto. El de buscar un niño que sirva como patrón para generar un androide que haga las funciones de niño. Y ahí entra Eva, que es Claudia Vega en el mundo real y que está sencillamente, impresionante. Es casi imposible que no recuerde a la Natalie Portman de Beautiful Girl, por la escena del patinaje, la relación con Alex y todo eso.

Por lo demás, la cinta se sostiene con cuatro protagonistas que están a buen nivel: Daniel Brühl, Marta Etura, Lluis Homar y Alberto Ammann. Todos dignos en su papel. Quizás, los diálogos sean excesivamente escuetos y a veces simples, pero los protagonistas sostienen la cinta. Ésta, en contra de lo que pueda parecer, es una película de personajes. Muy bien Lluis Homar en el papel de Max, que consigue no caer en lo ridículo ni caricaturesco, pese al peligro del papel. Hay que ir con la mente abierta. No es ciencia ficción al uso, aunque puedan venderla como tal.

La cinta tiene, además, muchos y cuidados detalles que la engrandecen. Una elaborada ambientación, que hace posible la convivencia entre androides y humanos, unos efectos creíbles y bien armados, y un ritmo narrativo alto (a veces, demasiado alto). Para mí, el único fallo, es que la película, queriendo apresar la atención del espectador, hace uso de un Flashfoward innecesario, que anticipa demasiada información y le hace mucho daño a la película. No sé quién lo decidió así, pero a mi juicio, se equivocó.

Dicho esto, la reflexión de fondo. Es mentira que el cine español sea malo y que dependa de tres nombres (Almodóvar, Amenabar y Alex de la Iglesia). También que no haya alternativas y todo gire en el mismo tipo de película. En cartel, tenemos ahora tres ejemplos que hemos comentado aquí y que rompen esas teorías: “No hay paz para los malvados“, “Mientras duermes” y “Eva”. Thriller, suspense y ciencia ficción. El cine siempre fue un lugar donde, por más que se quisiera, el talento vivía por encima de todo. De nombres y de banderas. Buen cine hay en todos sitios, solo que hay que encontrar proyectos que reúnan a la gente adecuada, gente que le pone empeño, trabajo y talento a sus proyectos. Gente como, por ejemplo, el equipo humano que hace esta película, “Eva”, una buena, buenísima noticia para el cine Español.

Y lo es, en primer lugar, porque Woody Allen bifurca la historia entre la que él mismo protagoniza, un director de documentales fracasado al que, por pena, le han encargado hacer un documental sobre la vida de su cuñado, y la protagonizada por un excelso Alan Alda (que luego actuaría también en “Misterioso asesinato en Manhatan), un exitoso oftalmólogo que sufre el acoso de su amante, que amenaza con destruir su perfecta realidad. Con esta bifurcación, Allen consigue tratar los aspectos más recónditos de la psique humana desde el punto de vista del drama y desde la comedia. Moviéndose muy bien en ambos registros, incluso combinándolos.

Otro de los recursos narrativos que Allen emplea es el de utilizar para este trabajo al cine y al documental como instrumentos para redondear su discurso. El señor Louis Levy, un filósofo aferrado a un discurso vitalista y optimista sobre la existencia, no hace más que dejar patente determinados tópicos, que no por tópicos dejan de ser ciertos, acerca de la necesidad de afecto del ser humano y su lucha por conseguir la felicidad. Por otro lado, a través de las películas que ve en el cine Cliff con su sobrina, Allen plasma en imágenes aspectos que complementan la situación de sus personajes. Esa doble manera de nutrir su película es, sencillamente, una recurso de maestro.

A partir de aquí, encontramos una serie de repeticiones en el cine del genio de Brooklyn, encontramos a los personajes con profesiones ligadas al arte, una sociedad elitista y exigente repleta de medias verdades, el matrimonio desgastado, infidelidades, la relación con una sobrina, la amante neurótica, etc. ¿Y por qué esta película está entre sus mejores? Pues, porque el tratamiento filosófico, gracias a Levy y los demás protagonistas (los sueños de Alda en vida son un ejemplo), azota con una contundencia bestial pero sin caer en la pedantería, porque Allen consigue que empaticemos con sus dos protagonistas pese a sus enormes faltas y porque a Allen nunca se le vulgariza la comedia ni se le agiganta el drama. Consigue un híbrido excepcional, el equilibrio imposible, uno de sus mejores trabajos que hoy por fin, he tenido el placer de ver.

Junto a Paco Plaza grabó [Rec], una de terror donde utilizó la cámara al hombro para rodar un escalofriante relato de zombies que habitaban un extravagante bloque de vecinos. Bajo una falsa telerrealidad asombró en Sitges y poco después convenció a los académicos españoles, que le otorgaron sendos goyas a la mejor actriz de reparto y al mejor montaje.

Pero aunque sorprenda, Balagueró -que luego firmaría una prescindible secuela de [Rec]- aun no había tocado techo. Lo toca estos días con la proyección de Mientras Duermes, una nueva incursión en el género de terror. Se trata de una cinta desnuda de efectos dirigida con premeditadae inteligente sobriedad. Balagueró reduce los espacios y juega de nuevo con claroscuros para contarnos el frío día a día de un portero de viviendas, -de una finca parecida a la de [Rec]- que hundido en sus anhelos, se obsesiona por conseguir a cualquier precio la felicidad que durante años le fue negada.

Luis Tosar, el actor español más en forma, vuelve a bordar un papel de lunático para dar absoluta credibilidad a una historia en la que también impresiona la naturalidad que desprende Marta Etura al interpretar el rol de Clara. Con un elenco de apenas una decena de actores y aplicando una notable economía de espacio, Balagueró restringe la acción provocando cierta claustrofobia -al más puro estilo La Habitación Del Pánico (David Fincher, 2002)- y aplicando certeros contrastes de forma (mediante música y luz). Exquisitos detalles técnicos que aportan ritmo narrativo y juegan con el pulso del espectador, siempre tenso, angustiado en esa doble vida de su protagonista.

Si alguna vez pensamos que el cine español jamás iba a estar a la altura de productos hollywodienses, desengañémonos, thrillers como este, con ese aroma clásico que tanto debe a Hitchcock o Polanski, se pueden contar con los dedos de la mano a uno y otro lado del charco. Es preciso juntar talentos de la talla de Balagueró, Rosso, Tosar o Etura y admirar el resultado para percatarnos de que no hace falta despifarrar mucho para obtener cine de calidad, solo hay que juntar las piezas adecuadas.

Afortunadamente para nuestro cine, el director bilbaíno toma el protagonismo y asume las riendas de sus películas en el año 2002, cuando presenta La Caja 507. Comienza así su colaboración con Michel Gaztambide, hasta hoy mano derecha de sus guiones: “Decidí que era muy difícil hacer encargos y traté de encontrar una historia que me revitalizara, que me devolviera a contar cosas más cercanas, a los temas que a mí me gustan. La Caja 507 es la más emocional de mis producciones. Estoy sintiendo la sangre en las venas” explicaba entusiasmado por aquella fecha.

La Caja 507 fue un thriller dañino, cruel y realista que ahondaba en las miserias españolas sacando a relucir los fraudes del boom inmobiliario que asolaron La Costa Del Sol. Un problema que a gran escala se señala como uno de los culpables de la crisis actual y que derivó en la indigencia socioeconómica en la cual estamos sumergidos. Su estilo tosco y agresivo lo convirtieron en un rara avis del cine español. Demostró a su vez, que actores tan caricaturizados como Antonio Resines o José Coronado, ambos espléndidos en sus papeles protagonistas, poseían registros hasta entonces inéditos que acapararon merecidos y unánimes elogios.

Urbizu, como hiciera posteriormente en No Habrá Paz Para Los Malvados, se documentó ferozmente y basó en hechos reales esta trama de la mafia inmobiliaria, que desnudaba un sistema putrefacto infectado de ladrones que no era más que una realidad que nadie se atrevía a denunciar.

Tan solo un año más tarde, firmó La Vida Mancha, o como él mismo lo llamó “un western de emociones“. Se trata de un drama urbano de sentimientos encontrados, un retrato del desencanto, de personajes que están de vuelta exhibiendo manchas que les dejó la vida. No hay película más sútil y ambigua en la filmografía de Urbizu, que insinua más que muestra y que vuelve a valerse de un inmenso José Coronado que se merienda la pantalla y mimetiza su papel con veracidad y audacia para reclamar un respeto que ya no hay quien se lo discuta.

Coronado encarna un personaje con un enigmático pasado. Otro de los espacios comunes del cine de Urbizu. En la trilogía que no ocupa es una constante. Los tres papeles de Coronado (Rafael Mazas, Pedro y Santos Trinidad) esconden una vida turbia que forjaron su personalidad tal como se nos presentan y que dejan libre de interpretación, pues Urbizu da pistas para que el espectador haga sus cábalas e imagine por sí solo.

Ocho largos años después, Urbizu vuelve más convencido que nunca de aquello que pretende contar y se embarca con esmero en su película más ambiciosa, por temática, por medios y por estilo; No Habrá Paz Para Los Malvados. Un thriller castizo, aspero y mugriento que nos presenta a Santos Trinidad, un policía ya de capa caída, alcohólico y nihilista, que deambula a la deriva sin más intención que sobrevivir sin tapujos a un desalmado mundo de intereses.

No existen precedentes en el cine español de un comienzo tan arrollador e impactante ni un final tan decididamente poético como el de la nueva cinta de Urbizu. Enorme narrador, el bilbaíno nos cuenta una historia policiaca aparentemente sencilla que luego adquiere una abrumadora, insólita y astuta complejidad, demostrando la importancia de las labores de documentación en esto del cine. Urbizu no deja títere con cabeza: un sistema fraudulento, el Madrid nocturno, nocivo y grasiento, los magnates del sexo, el racismo, el terrorismo a gran escala… un retrato cabrón de una sociedad corrupta más veraz de lo que quisieramos.

Solo empaña No Habrá Paz Para Los Malvados ciertos altibajos en el nudo del relato y la oquedad interpretativa de algunos secundarios. Esa molesta sensación de asistir a un episodio actualizado de El Comisario. Sin embargo, debe uno rendirse a un desenlace maestro, acojonante y atroz que te reconcilia con los pequeños defectos de forma.

El brillante punto y final a una dura trilogía que se revalorizará con el tiempo y que presenta con coraje nuestro miserable presente. Tres películas que convierten a Urbizu en uno de los grandes talentos detrás de la cámara y probablemente en el mejor representante del cine negro español. Ni se les ocurra perdérselas.

Entre ambos, en el año 2002 parieron una de las películas más arriesgadas y comprometidas de la última década en España. Lo del título no es casualidad. Smoking Room es la sala de fumadores que muchas empresas habilitan para sus clientes o trabajadores. El término se fue introduciendo, como tantos otros términos anglosajones, en nuestro argot empresarial. La elección del título en inglés responde al punto de partida de la película.

Una empresa española que absorbe a sus empleados hasta el punto de hacerlos trabajar hasta en horario nocturno, cambia de dueños y comienza a ser dirigida por una empresa extranjera (estadounidense creo recordar). A partir de entonces entran nuevas normas en la oficina. La más clara: Queda prohibido fumar. Es una medida que muchas empresas toman para lograr la máxima productividad posible. Ante la imposición de tal medida, uno de sus empleados se rebela buscando firmas para que le habiliten una “Smoking Room”, sala para fumadores, en cualquier lugar de la empresa. Lo que al principio es tomado a broma, e incluso apoyado por todos los fumadores de la empresa, luego se torna en un problema.

Ese es el punto de partida de esta película que tiene la facultad de sacudir la conciencia de todo aquel que se sienta frente al televisor. Después de todo, es un tema en el que todos los seres humanos nos vemos reflejados. Lo hace con un reparto coral de excelentísimos actores, pero sobre todo con un tratamiento coral de todas las situaciones laborales. Sus directores consiguen, a través de cada personaje, desglosar y mostrarle al espectador cuales son las actitudes que tienen los seres humanos ante el trabajo. Cómo priorizamos el trabajo ante nuestra vida personal, cómo los que parecen amigos luego no lo son tanto, cómo la obsesión por ascender puede pervertir hasta el hombre más cuerdo, cómo las apariencias pueden más que los hechos, y cómo la lealtad, la dignidad y la moral propia parecen harina de otro costal. Una película que diseccione tan bien la problemática del trabajo en el ser humano, a veces cárceles en las que vivimos sin damos cuenta, es muy difícil de conseguir. Por tanto, hay que salvaguardar y recordar el producto. Y por eso la traigo aquí.

Smoking Room es, desde mi punto de vista, una brillante reflexión. Para enfatizar su sensación de ahogo y desasosiego, los directores optan por una dirección con mucha cámara en movimiento, y solo algunos planos fijos. También consiguen varios diálogos y monólogos brillantes debido a dos factores fundamentalmente, la dirección casi teatral de esos actores, que saben el punto de partida y el de llegada pero tienen manga ancha para improvisar durante sus largas reflexiones sobre la vida íntima, y la capacidad del reparto (espectacular hasta decir basta Antonio Dechent en su escena sobre la azotea, Eduard Fernández o Juan Diego).

La película consiguió muchos premios, siendo el más destacado un Goya a la mejor ópera prima. Me cuenta un amigo que a ambos directores le va bien. Que siguen haciendo proyectos arriesgados e innovadores tanto en cine como en teatro. Me alegra y deseo que les vaya bien, lo merecen después de haber hecho una de las películas más originales en España en lo que va de siglo.

La Piel Que Habito, el esperado reecuentro del director manchego con Antonio Banderas, nos cuenta una sórdida historia de venganza personal llevada hasta el delirio más absoluto, hasta el frío sadismo de su protagonista, un cirujano torturado por su pasado. Almodóvar se sumerge sin reparos en un thriller de tintes hitchcocknianos confeccionando así un relato construido a base de saltos temporales, repleto de poderosas y asépticas imágenes poco frecuentes en su filmografía.

Asistimos por tanto a una versión valiente e inédita de Almodóvar. Del pintoresco director que todos conocemos (el de Todo Sobre Mi Madre o Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios), de sus señas artísticas universales, apenas quedan un par de escenas (esa del tigre carnavalero o las de la boutique) y la sensación de que cualquier giro puede ocurrir en esta rocambolesca y surrealista historia a medio camino entre lo estremecedor y lo grotesco. Ignoro si tal ambigüedad es consecuencia intencionada de su director, pero lo que en realidad consigue es que por momentos La Piel Que Habito acabe siendo una parodia de sí misma, una divertida inocentada.

Y aunque se pueda comparar con la osada Hable Con Ella, nunca antes una película de Almodovar había descolocado tanto al espectador, jamás lo había dejado tan confuso y en descarado fuera de juego. Es uno de los riesgos de rizar el rizo, de la incesante búsqueda de la genialidad, que el relato se resienta y pierda credibilidad. Y por muy bien estructurado que esté, por muchas influencias que se manejen, por excelente que sea el reparto y muy buen pulso narrativo que se exhiba, si aquello que cuenta resulta inverosímil, si navega a la deriva sin mensaje claro, el resultado final desluce para acabar siendo un extraño objeto de culto, una intrascendente excentricidad.