Woody Allen no es precisamente un autor ofuscado, sino todo lo contrario. El newyorkino siempre ha sido prolífico, fructífero y polifacético, si bien es cierto que se siente más cómodo si en sus guiones, de tintes cotidianos, aparece un creador (normalmente interpretado por él) ya sea en forma de escritor, director o cómico.

En Desmontando a Harry, Allen presenta una radiografía del tipo de escritor que acude a su propia experiencia vital para configurar sus historias, la llamada literatura autobiográfica, aunque aliñada con elementos ficticios. Nos deconstruye a un personaje, Harry, distanciado de sus seres cercanos por haberlos utilizado en sus libros como personajes de sus páginas. Es uno de los recursos básicos de los escritores, basarse en situaciones reales y/o en personajes de carne y hueso. Ocurre que Harry acaba por confundir realidad con ficción, mezclando situaciones, recuerdos y episodios de la vida real con otros de su obra escrita.

Desconozco si esto puede llegar a suceder, me imagino que Allen lo exagera, pero no deja de ser un interesante conflicto para la conciencia del escritor. También acude al surrealismo (el hombre desenfocado) y la autoparodia para dibujar una dualidad realidad-fantasía que años más tarde utilizaron títulos como Big Fish o La Ciencia Del Sueño con notable éxito. Un exigente experimento que obliga al espectador a seguir con atención un relato algo anárquico y desestructurado e interpretar las intenciones del director.

Desde un enfoque diferente, pero relacionada con la temática del escritor frustrado, visioné Barton Fink, en la que no me voy a detener mucho, pues existe un extenso artículo en la Wikipedia y algún otro meritorio análisis en la red de imprescindible lectura. Es la cuarta película de los hermanos Coen, una cinta de culto que fracasó en taquilla pero salió vencedora en Cannes y que analiza el bloqueo creativo de un escritor desde una óptica turbia, angustiosa y simbólica.

En esta especie de El Resplandor coeniano nos muestran el agobiante sinvivir de un guionista de cine que acaba confundiéndose entre realidad y ficción, un hipnótico juego lleno de imágenes que hace dudar al espectador del mensaje que pretenden trasmitir. Los Coen atacan con su habitual ironía el mundo de Hollywood, caricaturizando los personajes secundarios sin disimulo y criticando la alta burguesía artística en contraposición con una clase media oscura y barriobajera que se aloja en el decadente Hotel Earle. El principal reclamo de Barton Fink resulta por tanto, detenerse en su entramado alegórico y debatir sobre el significado de ese extraño final y de los numerosos detalles de la película, algunos tan sutiles que pasan inadvertidos.

Dos modos diferentes de abordar el bloqueo creativo, uno, desde la óptica divertida y ocurrente de Woody Allen y otro, desde el prisma angustioso y sombrío de los hermanos Coen. El folio en blanco también aterra a los genios.

Hoy, ninguna serie despierta en mi tales sensaciones. La que más se acerca a ello podría ser la nueva serie de David Simon, Treme, que aborda la reconstrucción de Nueva Orleans después del paso del huracán Katrina en clave musical. Soul, blues, country, rockabilly… una delicia para los oídos con un excelente reparto coral, pero en el fondo, una serie a la que le falta pellizco, emoción, que se pierde conscientemente en la cotidianeidad de la desgraciada ciudad norteamericana.

Descartada Treme, más preocupada por el continente que por el contenido, mi esperanza recaía en Breaking Bad (de la que ya hablamos en su día por El Club). Sin embargo, no conecto con la ajetreada vida de Walter White ni con esa ambientación tejanolatina tan angustiosa. Me hallo en el ecuador de la segunda temporada y todavía contemplo desganado episodio tras episodio. Aguantaré porque mi buen amigo Fresús asegura que la espera merece la pena, que la traca final es de aupa y la tercera temporada antológica. Me fío de su criterio.

Mi último intento ha sido visionar Hijos De La Anarquía, que viene respaldada por excelentes críticas y una comparativa común, erigirse como la nueva Los Soprano. Muchos mencionaron incluso a Shakespeare por su carácter poético y dramático. Sólo me han hecho falta dos episodios para estar convencido que la serie de Kurt Sutter (antes enrolado en la osada The Shield como guionista) difícilmente llegará al nivel de la portentosa serie de la HBO.

Hijos De La Anarquía podría definirse como un Melrose Place a lo motero, un coctel con los mejores ingredientes de un culebrón al uso; sexo, pasiones, secretismo, enredos y una palpable violencia gratuita. A su favor, un reparto interesante con actores de mucho recorrido y una imagen, una iconografía, muy lograda . En su contra: la sensación asistir a un desarrollo de la acción encajado con calzador, el maniqueismo latente, el discutible gamberrismo de los Hijos De La Anarquía, la irrisoria hombría de los protagonistas, el hecho de poder adelantarte a los acontecimientos con pasmosa facilidad…

¿Es aventurado sentenciar la serie habiendo visto tan sólo sus dos primeros episodios? Sin duda alguna. Pero comprendedme, dado el poco tiempo del que dispongo para ver películas y series, no me conviene perderlo con un producto que se agarra a la violencia y a la extrema visceralidad como ejes fundamentales de su desarrollo. A mi estos moteros tan machos alpha me repelen más que me seducen, y por ello, seguiré en mi búsqueda de alguna serie que discuta el podio a las tres insignias de HBO, hasta hoy, tan indiscutibles como inalcanzables.

Pese a que su blog dedicado al Mundial de Sudáfrica me esté decepcionando un poco, Enric González es y será por siempre uno de mis periodistas de referencia, una lectura imprescindible. Lo es porque resulta un placer leerle y porque posee una de las virtudes más difíciles de conseguir por un periodista; la de la palabra precisa. Sus escritos son concisos y ágiles, sin redundancias. Su fina ironía no molesta, usa un humor elegante que con su constante autoparodia acaba siendo entrañable. Por eso sabía que Historias de Roma me iba a gustar, por su estilo agradable y por considerar a Enric un escritor fiable, todoterreno y de calidad.

El libro no es sino un anecdotario de su estancia como corresponsal en la capital italiana, en el cual intercala experiencias personales con una descripción constante de la idiosincracia romana, deteniéndose en algunos de sus más míticos habitantes. También funciona como guía turística, pues González recomienda lugares emblemáticos de ineludible visita: monumentos, plazas, tiendas, restaurantes, cafeterías…

Al ser una lectura amena, al lector le despierta la sensación de que González le está contando todo en una reunión informal, copa en mano. Un libro que se lee en un suspiro (apenas 120 páginas), didáctico, ligero, placentero.. imprescindible. Además, para el que no conozca Roma, supone una eficaz puesta en escena.

Por objetar algo, se percibe claramente que Historias De Roma fue escrito bajo la sombra de un editor impaciente. González siempre ha reconocido que funciona como un mal estudiante, dejando todo el trabajo para última hora. Algunos capítulos parecen cerrados prematuramente, con prisa. Estoy convencido que Enric González tiene mucho más que contar de sus cuatro años en Roma.

Sus últimas líneas están escritas desde Jerusalén, su nueva corresponsalía. Se rumorea que su nuevo destino responde a una pataleta de la cúpula de El País tras intentar González publicar un artículo en el que acusaba al Grupo Prisa de “ludopatía bursátil”. Por supuesto, nunca fue publicado. Enric González es un periodista incómodo para los poderosos.

Lo mejor de haber descubierto su bibliografía es que todavía me queda mucho por leer. En 1999, comenzó su periplo literario con Historias De Londres, como él mismo la llamó “una guía de contexto sobre la ciudad”. Fue un inesperado éxito. En 2006 publicó su paso como corresponsal en EEUU y escribió Historias De New York, donde masticó las consecuencias del 11 de Septiembre. Un año después recopiló la mayor parte de sus artículos futbolísticos para El País en Historias Del Calcio.

Roma, New York y Londres. Tres ciudades para perderse en ellas con un guía excepcional.

La perseverancia del griego ha tenido su recompensa cuatro años después, con la gran acogida de Canino (su segunda película) en sectores independientes, en los que ha entusiasmado a la crítica obteniendo incluso el premio ‘Un Certain Regard’ en Cannes. Y es que Canino recoge todo aquello que se precia en los jurados de los festivales europeos; aparente profundidad, traición a lo convencional y cierto ingenio. En este sentido, su principal virtud recae precisamente en el arriesgado planteamiento inicial que presenta a una familia cuyos padres educan a sus hijos encerrados en una casa, sin ningún tipo de contacto exterior. Como El Bosque de Shyamalan, pero en un ámbito más reducido.

Esa especie de Gran Hermano perpetuo abre numerosos frentes de debate. Las necesidades sociales del ser humano, la manipulación paternofilial o aquello de si el fin justifica los medios podrían ser objeto de videoforum. Sin menospreciar su interesante resaca sociológica, que nos hace cuestionar la validez de la familia nuclear y nos adentra en el complejo terreno de la disfuncionalidad doméstica. De este modo, nos planteamos la estructura occidental de la familia y el desmesurado poder que atesora la figura del patriarca.

Pero si ignoramos su valor ‘mesa redonda’ y atendemos aspectos puramente cinematográficos, Canino acusaría un notable desconcierto. Y es que Lanthimos ni se decanta por el terror, ni incide en el drama ni opta por la comedia. Se libera de etiquetas y sirve una inclasificable película que recoge influencias del cine de Haneke, (ese de gran iluminación, violencia explícita y momentos desconcertantes que pudimos ver en Funny Games) Lars Vons Triers o en menor medida, Luis Buñuel. Es decir, que analizándola en profundidad tampoco parece tan innovadora, es más, parece incluso desaprovechada. Porque una idea tan ingeniosa podría contarse con enorme tensión e intriga, podría atrapar al espectador, engatusarle. Y sin embargo, este divaga desorientado y estupefacto durante su rodaje. Si quería impactar, la violencia cruda y el sexo explícito son tácticas muy manidas, casi vergonzosas y a todas luces innecesarias para cumplir el cometido. Queda por tanto al sensación de naranja a medio exprimir, de ocasión malgastada, de una gran idea desperdiciada entre egos y moderneces.

Es sólo un rumor, pero los hechos demuestran que sus últimas apariciones juntos quedan lejanas en el tiempo. Una lástima que dos músicos con tantos puntos en común se distancien tanto.

Porque ambos han dibujado un recorrido análogo marcado por una enérgica irrupción, una coherente estabilidad y una necesaria renovación. Y en esa coyuntura se encuentran, en aventurarse a nuevos retos sonoros.

La transformación más evidente es la de Albertucho, que ya había amagado con una mutación sonora. Para crear su cuarto disco, Palabras Del Capitán Cobarde, acudió a Juan De Dios, un músico curtido en sectores poperos, últimamente mano derecha de Xoel López. Comentaba Albertucho que había descubierto el (sobrevalorado) Fin De Un Viaje Infinito y le había entusiasmado la producción. Que para este nuevo trabajo pasaron horas conectados al Spotify, que se ha deleitado con los clásicos indiscutibles (Dylan, Waits…) y ha indagado en nuevas facetas sonoras. De este modo, aparca el rock de autor poético y áspero marca de la fábrica por una producción más meticulosa, letras aún más introspectivas y un aire americano latente en cada canción. Suena coherente, aventurado y libre de complejos. Sólo chirría un single (“La Primavera”) que suena mejor en directo y una infame colaboración de El Canijo de los Delinqüentes (que colabora porque Diego Pozo toca en todo el disco) innecesaria y desafinada como pocas. El resto encandila porque Albertucho está encantado de mudarse la piel, seguro de que este nuevo camino le hace crecer como músico. En su versión más folk rock convence, y lejos de ser una propuestas cobarde, se distingue por ser el paso más osado de toda su carrera.

En la otra acera se encuentra Poncho K, que publicó su quinto disco días antes y del que ya hicimos referencia en el blog. Decía en el artículo que nada hacía indicar que Una Historia Con Las Manos variara su producción conforme a Cantes Valientes. Estaba en lo cierto, sigue la misma tónica que su antecesor: una voz en primer plano, guitarras graves, sonido limpio y la poesía tosca que todos conocemos… nada sorprendente si no fuera porque se intuye a un autor más calmado que se atreve con varias canciones de aspecto novedoso; la flamenca “Laureles” y la infantil y ácida “Manolito Caramierda”. Lo demás es un compendio entre las virtudes y defectos del sevillano. Al que le gustaba le va a seguir gustando y quien no lo trague, este disco no le va hacer cambiar de opinión. Nos quedamos entonces con cortes como “Amor A Cuentagotas”, “Pistolas” o “Un Golpe Por Seguir Vivo”, que representan la esencia pura de Poncho K en un disco propicio para incondicionales.

Albertucho y Poncho K, estandartes del rock de autor sevillano en este nuevo siglo, suman y siguen. Su madurez artística representa la consolidación de sus respectivos proyectos y la confirmación de ser dos mentes inquietas y creativas, que siempre en movimiento, ofrecen con seguridad canciones dignas. Todo un logro en los tiempos que corren.

Luego, tras recluirse en algún lugar del mundo durante cuatro años, regresó de la mano de la Bersuit Vergarabat primero, y de Javier Limón (El Cantante y Tinta Roja) y Litto Nebbia (El Palacio De Las Flores) después. Discos conceptuales, uniformes, bajo un mismo patrón vocal y sonoro. Obras menores para el gran público pero mayúsculas para los incondicionales.

Poco iba a durar esta etapa. No es fácil retener a un huracán camaleónico como el bonaerense. Con La Lengua Popular volvía a los discos convencionales, guiado por su antiguo compañero Cachorro López y liberado de una producción tan personal y rígida como las de Limón o Nebbia. Significaba que Calamaro volvía a coger el mando, su verdadero regreso. El disco volvía a ser un collage sonoro con canciones tan dispares como ‘5 Minutos Más’, ‘Comedor Piquetero’ o ‘La Espuma De Las Orillas’ entre otras. Evidentemente, su toque Dylan seguía ahí, entre líneas, pues fue, es y será una constante en sus discos. La Lengua Popular fue una obra celebrada entre sus seguidores, que tuvieron justo aquello que anhelaban, al salmón más libre y variable.

On The Rocks podría catalogarse como la segunda parte de La Lengua Popular, pues sigue la misma tónica: enorme variedad estilística, letras ligeras pero poéticas y gran riqueza musical. En este sentido, las variaciones más importantes se centran en las excesivas colaboraciones que reúne (su antecesor carecía de ellas) y el perfil más rockero de su conjunto.

Su heterogeneidad puede tomarse de varias maneras. Una es asumiéndola y abrazándola, concebirla como un carácter positivo del disco. Al fin y al cabo, no es sencillo mostrar tantas versiones de uno mismo  grantizando un mínimo de calidad. Otra opción es vivirla con incomodidad, como es mi caso. Echar de menos una linealidad en su conjunto, una coherencia interna común en cada una de las canciones. Una coherencia que no se percibe en On The Rocks, que parece ser una colección de Caras B, esas canciones que reunían los vinilos en la segunda parte del disco y que constaba de versiones, remezclas o inéditas. Quizás por el abuso de las colaboraciones, una tendencia que antiguamente era excepcional pero que se ha vuelto cada vez más superflua. ¿Le hacía falta a Andrés la presencia de Calle 13, El Langui, Bunbury, Vicentico y Diego El Cigala en On The Rocks? En mi opinión, no. Ninguna de las cinco contribuciones desmerece, pero tampoco pasarán a la historia. Alguna, como la de Bunbury en una mediocre ‘Te Solté La Rienda’, parece estar grabada (la voz) en distintos estudios y se antoja desaprovechada. Otras, como la de Calle 13 convence por lo extraño del tandem.

Pero colaboraciones al margen, On The Rocks nos deja a un Calamaro vestido con su traje más rodriguero en la genial ‘Me Envenenaste’, más duro en ‘Flor De Samurai’ y ‘El Pasodoble De Los Amigos Ausentes” y rallando lo convencional con “Los Divinos”. Son temas sólidos que desmuestran que el sobrado talento y oficio que atesora. Muchos años de profesión en los que Calamaro aprendió sus puntos fuertes y en los que ha sabido renovarse constantemente sin dejar de producir este tipo de temas marca de la casa, demandados por sus seguidores más cercanos.

Pero, si hay algo que sorprende en esta nueva entrega es precisamente la ausencia total de hits. No se precian canciones tipo ‘5 Minutos Más’, ‘Estadio Azteca’ o ‘Flaca’… Todos los temas podrían catalogarse como secundarios. Y eso acentúa su sensación de disco de Caras B. Sin minusvalorar sus nuevas creaciones, falta un momento rompedor, universal, una canción incontestablemente Calamaro.

No hay que alarmarse, Calamaro se ha reinventado tantas veces que hemos perdido la cuenta. On The Rocks supone su enémisa reivindicación de libertad, la creación sin cadenas. Seguirá haciendo lo que le venga en gana, aquello que el cuerpo le pida aunque navege contracorriente. Los que llevan años pidiendo un Honestidad Brutal o un Alta Suciedad pueden desistir. Son otros tiempos. Calamaro abandonó su etapa convulsa de finales de los noventa y principios del nuevo siglo, por una vida más sosegada. Ahora,  rondando los cincuenta, el argentino prefiere moldear las canciones una a una, sin prisas ni patrón establecido.

El tiempo pondrá a On The Rocks en su lugar (aunque dudo que sea un disco especialmente recordado) mientras que engrandecerá sus creaciones más frenéticas, aquellos tiempos en los que Calamaro hacía gala de un descomunal repertorio siempre guiado por el sentir de un corazón roto que buscaba recomponer. El desamor al servicio de una mente hiperactiva e hipersensible que hizo historia en el rock. Llámenme nostálgico.

Abrams, un guionista inteligente, era consciente de que si alargaba la historia el rédito creativo sería insalvable. Sabía (y sabe) perfectamente que la diarrea mental que habían vertido sobre la serie jamás podría tener una conclusión razonable. Su equipo creativo y él no dudaron en abrir numerosos frentes; una sombra maligna, unos malos, los otros malos, una escotilla, el presente, el pasado, el futuro, la realidad alternativa, mi doble, mi hermano perdido…. y misteriosamente (y para esto también hay que tener talento) muchos lostadictos seguían la trama como si no existiese un nudo de mil lazos. Sin embargo, poco preocupa que ni los propios lostadictos, ni los actores ni el mismo equipo de guionistas sepan explicarte la historia. Nada importa si los personajes principales han muerto, resucitado y viajado en el tiempo. Nadie, entre el séquito de elegidos, busca coherencia. Solo su ración de droga y números inconexos.

Entre sus logros Abrams podrá presumir de haber conseguido una masa de irreductibles fanáticos que han colapsado blogs, webs y redes sociales. Que realmente ha logrado obsesionar al personal, estar en boca de todos. Algunos, comparan la serie con las novelas de aventuras que radiaban las emisoras que escuchaban nuestros padres y abuelos, esas a las que estaban semanalmente enganchados. Pero curiosamente, ninguno de esos seriales radiofónicos pasó a la historia. No lo hicieron porque en el fondo eran un culebrón aventurero, perfectamente estructurado para dejar al oyente con la intriga. Algo artificioso al igual que Lost. Emoción adulterada, épica industrial. Un engañabobos prefabricado muy lejos de la excelencia. Una infamia olvidable que algunos deseamos que termine ya, por nuestra salud mental y porque tenemos ganas de ver la cara de poker que se le queda a medio planeta cuando compruebe que la última pieza del puzzle no encaja ni de coña.

Confieso haber tardado mucho en abordar la filmografía de Ingmar Bergman. En los últimos meses he intentado paliar esta laguna cinéfila con el visionado de Secretos De Un Matrimonio o Fanny y Alexander. La primera me ha resultado tan densa como interesante, la segunda, un sobrevalorado tostón que posiblemente necesite de una segunda oportunidad por mi parte. Pero, hasta ahora, la película que más me ha impactado es Fresas Salvajes. De momento es mi preferida por la sensibilidad que siempre he tenido con el paso del tiempo, con la irremediable y triste degeneración humana. Por ello, y a pesar de ser una película difícil que exige la máxima atención, empatizo con la historia de este médico anciano que emprende un viaje por todo el país para recibir un homenaje académico a su trayectoria profesional. En esta road-dream-movie (perdón por sacarme de la manga el nuevo término) Bergman muestra las inquietudes del personaje principal en relación con su pasado, su desvirtuado reflejo en el presente, sus anhelos vitales o la cruel resignación de hallarse al final del camino. También intenta reconciliarse con sus personas más allegadas. Fresas Salvajes es el Cuento De Navidad dickensiano pasado por el prisma de Bergman, por ese filtro onírico, duro, intelectual y existencialista que caracterizaba al director sueco. Pese a su irregular ritmo narrativo o su torpe recreación en surrealistas imágenes, este consigue el proposito de aturdir e hipnotizar con este indigesto viaje al pasado. Y sugiere reflexionar sobre lo aprendido, parar, hacer balance y cuestionarnos nuestra propia existencia, esa que conforma como un puzzle todos los momentos vividos, algunos más significativos que otros.

El otro día hablaba con unos (nuevos) colegas míos sobre la filmografía de Woody Allen. Les argumentaba que, después de revisar muchas de sus películas (obviamente no todas), mi favorita era Match Point, curiosamente una cinta que se aleja de la comedia para adentrarse en el drama. El amargo relato de ese profesor de tenis que se instala en la clase alta londinense me parece sencillamente sensacional. Pero aún no había visto Manhattan.

Manhattan es una comedia sustentada por ingeniosos diálogos al más puro estilo Allen, llena de frases ocurrentes y con varios giros argumentales que además, homenajea con elegancia a la isla más famosa de New York. Su argumento se centra en la vida de Isaac Davis (Allen), un cuarentón que detesta su trabajo de escritor para la televisión y que sale con una jovencita de diecisiete años. Su mejor amigo, un profesor acomodado, le confiesa que engaña a su mujer manteniendo una relación con Mary, una inteligente y arrogante mujer que se dedica al mundo del arte. Todo se complica cuando Davis se siente atraido por Mary y enrevesa la situación de todos.

A simple vista, y al juzgar por el plot, podriamos pensar que Mahanttan es una de tantas comedietas que abundan en la filmografía de Allen. Craso error. Cuando nos creemos que estamos ante la típica divagación gafapasta del newyorkino, nos encontramos con esa sublime media hora final que cambia el conjunto. Es el momento en que encaja todo, cuando percibimos que Allen no hacía sino dar un rodeo para reflexionar sobre cosas más serias; sobre la hipocresía social, el egoismo adulto o el miedo al que dirán entre otros asuntos. No duda en castigar a su propio personaje para indagar en la búsqueda del amor verdadero. Es entonces, en una maravillosa escena final, cuando Allen se saca un as de la manga, nos deja pensativos y se decanta por las emociones sinceras para terminar esa búsqueda en la que muchos todavía andamos envueltos.

Por el buen momento del equipo, no podíamos pasar la oportunidad de viajar a Barcelona para ver a los dos equipos de nuestros amores; el mejor equipo jamás visto (el Pep Team) y el Xerez de Gorosito. Un partido en el que tendríamos el corazón dividido. Porque ya dijimos en El Club que somos culés, pero también xerecistas.

Y allá fuimos, un grupo de jóvenes descerebrados capaces de recorrer más de 1000 kilómetros para presenciar lo que para nosotros era un partido histórico, un Barça-Xerez, palabras mayores. Al llegar a Barcelonas pudimos comprobar la grandeza de la ciudad y el hecho de que, para todos los culés, este no era más que un partido de trámite antes del encuentro más importante de toda la temporada, el que le enfrentará hoy al Inter de Milán. Por las calles, nos convertirmos en dicharacheros xerecistas, fotografiándonos con todo aquel que nos lo propuso. Una primaveral e inolvidable mañana.

Tras una reponedora siesta en los aledaños del Camp Nou, hicimos el correspondiente botellón prepartido, algo básico para animarnos tras un viaje tan largo. Entramos en el estadio cual elefante hace su aparición por una cacharrería; cantando y danzando. Una vez dentro, la enormidad de ese templo del fútbol nos dejó anonadados. 90.000 asientos y el brutal despliegue de medios le hace sentir a uno muy insignificante.

Al rato comenzó el partido. Para el que no lo viera lo resumiré en pocas palabras; el Xerez plantó cara a un Barça que salió con muchos suplentes y tuvo que recurrir a Messi (le diremos a nuestros nietos que lo vimos jugar) y Piqué para amarrar los tres puntos. Los de Gorosito hicieron un partido tremendo, valiente, enmudeció varias veces al Camp Nou y salió con la moral bien alta. Lástima los deleznables 10 últimos minutos, en los que los xerecistas se emplearon con excesiva dureza y el público local nos recordó que nos ibamos a segunda.

Pero ni eso pudo empañar nuestro momento de gloria. He de decir que a pesar de que el Barça se jugaba media liga y de considerarme culé convencido, mi corazoncito se alió con el Xerez, y así grité el gol de Bermejo como si lo hubiera marcado yo mismo. Supongo, que entre tanto catalán malhumorado, me sentí más cómodo con mis colores blanquiazules.

En nuestra memoria quedará un viaje repleto de anecdotas al que bautizamos como “el viaje paranoia” y el hecho de ver al equipo de nuestra garrapatera ciudad plantarle cara a un gigante. Por momentos pareció que David ganaría la batalla a Goliath. No pudo ser, pero a buen seguro que un servidor y sus compañeros de viaje nunca olvidarán lo allí vivido, tanto dentro como fuera del estadio. Una uñita para el recuerdo.